ولدت الكلاسيكية الحديثة كطفلٍ جديد في عصر التنوير عند اعتقاد الفلاسفة بقدرتنا على السيطرة على مصائرنا من خلال تعلم قوانين الطبيعة واتباعها. وقد جذب البحث العلمي المزيد من الاهتمام لذلك الأمر. ونتيجة لذلك، واصل المذهب الحديث ارتباطه بتقاليد الكلاسيكية القديمة لدلالتها على الاعتدال والتفكير العقلاني ولكن بروح جديدة ومشحونة سياسياً بشكلٍ أكبر.
الكلاسيكية الحديثة في الفن
تعني كلمة “Neo” أو “جديد” في الفن بأنه أسلوب قائم وموجود بالفعل لكن يعاد تأكيده بنمطٍ جديد. أما الكلاسيكية الحديثة، فهي شكل من أشكال الفن يتميز بأنه حاد وغير عاطفي، ويعيد إحياء أساليب العصور اليونانية والرومانية القديمة. وقد ظهر هذا التيار بتلك الصلابة ردًا على أسلوب الباروك المشحون بالعاطفة، والركوكو المليء بالأناقة.
Death of Marat, By: Jacques Louis David
وقد مثّل ظهور الكلاسيكية الحديثة جزءًا أساسيًا من إحياء الفكر الكلاسيكي بشكلٍ عام، والذي كان له بعض الأهمية في الثورتين الأمريكية والفرنسية. وحين كانت فرنسا على شفا ثورتها الأولى عام 1789، أراد الكلاسيكيون الجدد التعبير عن العقلانية والجدية والتي ناسبت عصرهم.
ألهم الفنان الفرنسي “نيكولا بوسان” باقي فناني الكلاسيكية الحديثة، وأصبح قرار الترويج لأعماله قرارًا أخلاقيًا. فقد اعتقد تلامذته وأتباعه أن الرسم القوي كان شيئًا عقلانيًا وبالتالي له الأفضلية من الناحية الأخلاقية. فكان اعتقاداهم أن الفن يجب أن يكون منطقيًا وليس حسيًا.
The Shepherds of Arcadia, By: Nicolas Poussin
بالإضافة إلى أن فناني الكلاسيكية الحديثة، مثل جاك لويس ديفيد، قاموا بتفضيل الشكل المحدد جيدًا -بالرسم والتظليل الواضح- باعتبار الرسم أكثر أهمية من إحساس اللوحة ككل. بالإضافة إلى وجوب سلاسة سطح اللوحة بشكلٍ كامل، وخلوِّه من أي دليل على وجود ضربات الفرشاة.
Oath of the Horatii, By: Jacques Louis David
الخصائص الفنية للعصر الكلاسيكي الحديث
التصوير
تميزت الكلاسيكية الحديثة بوضوح الشكل والألوان الرصينة والفراغ الضيق والخطوط الأفقية والرأسية القوية؛ مما أدى إلى ثبات عنصر الزمن في اللوحة بدلاً من الديناميكية الشديدة التي تميزت بها أعمال عصر الباروك.
كانت موضوعات الأعمال الكلاسيكية الحديثة (اللوحات والمنحوتات) جدية وغير عاطفية. فصوّر الرسامون الكلاسيكيون الجدد موضوعات من الأدب والتاريخ بالشكل الذي كنت عليه في كلا الفنين اليوناني والروماني، وذلك باستخدام ألوان قاتمة مع إضاءات بارزة من حين لآخر لنقل القصص الأخلاقية عن إنكار الذات والتضحية بالنفس بالكامل.
The Penitent Mary Magdalene (1752), Gemaldegalerie, Dresden
النحت
تعامل النحت الكلاسيكي الحديث مع نفس الموضوعات، وكان أكثر تحفظًا من فن النحت الباروكي الأكثر مسرحية، وأقل سلاسة من الروكوكو.
العمارة
كانت العمارة في عهد الكلاسيكية الجديدة أكثر ترتيبًا وتنظيمًا وأقل عظمة من الباروك، وعلى الرغم من عدم وضوح الخط الفاصل بينهما، لكنه كان يشبه إلى حد كبير الطرز اليونانية للعمارة، مع استثناء واحد وهو عدم وجود قباب في الأسلوب اليوناني القديم.
وفاة عالمة الرياضيات “كاثرين جونسون” والتي ساعدت في أول هبوط على سطح القمر
وفاة عالمة الرياضيات “كاثرين جونسون”.
صرّحت وكالة الفضاء الأمريكية “ناسا” بوفاة عالمة رياضيات ناسا الأمريكية ذات الأصول الإفريقية “كاثرين جونسون” في الرابع والعشرين من فبراير لعام 2020 عن عمر يناهز 101 عام.
وقد ساعدت حسابات جونسون على هبوط أول رجل أمريكي على سطح القمر عام 1969، وقد تم تصوير حياتها في فيلم (Hidden Figures)، لكنها لم تكن معروفة حتى تم ترشيحه لجائزة الأوسكار في عام 2016، وقد تكلم الفيلم عن قصص ثلاث نساء أمريكيات ذوي أصول إفريقية عملن في وكالة ناسا.
مشهد من فيلم “Hidden figures” يوضح قيام “كاثرين جونسون” بإحدى الحسابات.
وقال “جيم بريدنشتاين” مدير ناسا: “لقد كانت بطلة أمريكية ولن ننسى إرثها الرائد، وكل ذلك بفضل شجاعتها التي لما تمكنا من الوصول إلى الأحداث المهمة والبارزة بدونها”.
كانت جونسون وزميلٍ لها أول من قاما بحسابات الرحلة الفضائية التي قام بها رائد الفضاء “آلان شيبارد” عام 1961، وهو أول أمريكي يهبط على سطح القمر.
وقد ساعدت مواهبها في الرياضيات لاحقًا في تحديد مسار رحلة (أبولو )11 التي هبط فيها “Neil Armstrong” و”Buzz Aldrin” على سطح القمر في يوليو 1969.
والجدير بالذكر أن الرئيس الأمريكي “باراك أوباما” قام بتقديم ميدالية الحرية الرئاسية لجونسون عام 2015، وهي أعلى وسام مدني في البلاد.
وبعد ذلك بعامين، حضرت جونسون – وكانت تبلغ من العمر 98 عامًا آنذاك- حفل توزيع جوائز الأوسكار لعام 2017، وقد ظهرت على المسرح وسط تصفيقٍ مدوي لتلقى من كل الحضور ترحيباً حاراً.
حضور العالمة “كاثرين جونسون” لحفل توزيع حوائز الأوسكار لعام 2017
وفي وقت مبكر من حياتها المهنية، استخدمت جونسون القلم والورق ومسطرة حاسبة فقط لإجراء حسابات تعتمد عليها المهام الكبيرة، وقامت بجانب زملائها برسم مسار الدوران لـ “جون غلين” والذي أصبح أول أمريكي يدور حول الأرض عام 1962.
لكن قبل الشروع في المهمة، طلب جلين من جونسون شخصياً إعادة التحقق من الأرقام المنتجة بواسطة الكمبيوتر على آلة حساب ميكانيكية، وهو الأمر الذي استغرق يومًا ونصف من العمل المكثف.
وقالت وكالة ناسا أن جونسون كانت تخبر الطلاب في كثير من الأحيان أن بعض الأشياء سوف تنقطع عن الأنظار وتزول، لكن ذلك لا ينطبق على العلم، فسيكون هناك دومًا العلوم والهندسة والتكنولوجيا، وكانت تؤكد: “وsيكون هناك دائمًا، الرياضيات.”
وقد استخدمت النساء ذوي الأصول الإفريقية في البداية مرافق منفصلة عن البقية، سواء كانت المكاتب أو الحمامات أو حتى أماكن الطعام، لكن قدراتهم المبهرة قامت بتوفير مستوىً عالٍ لهم من القبول في وكالة ناسا بشكلٍ غير مسبوق في الولايات المتحدة وقتها.
وقالت جونسون على إثر ذلك في عام 2010: “كانت ناسا منظمة محترفة للغاية، فلم يكن لديهم وقت للقلق بشأن اللون الذي كنت عليه.” وقد تقاعدت من ناسا عام 1986.
ظهر عصر الباروك في أبهى صوره من خلال إحياء المثل العليا للجمال في عصر النهضة والإحساس الكلاسيكي. تميز عصر الباروك بإغراق الأعمال الفنية والموسيقى والهندسة المعمارية بتلك المثل العليا، وعزز البذخ الغامر والميل وقتها لكل ما هو مزخرف ذلك التوجه.
تميزت الأعمال الفنية في تلك الفترة بتقنياتها وتفاصيلها المبتكرة، مما وفر لغة بصرية خصبة جديدة في فترة كانت منخفضة نسبيًا للفن.
Dome of Church of the Gesù, Rome, Italy.
انتشرت ثقافة الباروك في جميع أنحاء أوروبا، بقيادة البابا في روما والحكام الكاثوليك. وقد ساعدت الأوامر الدينية في انتشارها بشكل أكبر من خلال شبكة واسعة من الأديرة والكنائس. ونتيجة لذلك، أحيا الفنانون الموضوعات الدينية مرة أخرى للجمهور بعد أن انصرف عصر النهضة عنها بدرجة ما. فلجأ فنانو عصر الباروك للأعمال التي تحمل طابعًا بإحساسٍ سماوي أثيري وخيالي حالم.
أقر رواد حركة الباروك بضرورة فهم الفن بسهولة والشعور به بقوة من قبل عامة الناس. هذه المسحة المسرحية في الباروك جعلت النقاد ينتقدونها، لكنها جعلت أيضًا الأمر مناسبًا للأجيال اللاحقة، ممن رغبوا في الابتعاد عن البراعة المحضة.
يجب الإقرار بأنه أوسط تلك الآراء كان الأفضل، فمن العبث منع تلك الطاقة الدرامية النابعة من الأعمال الفنية الباروكية. كما كان من السخافة مساواتها مع أعمال عصر النهضة، بل يجب اعتباره أسلوبًا جديدًا بمُثله العليا وصموده طوال هذه الفترة.
سمات عصر الباروك
أصبحت الكنائس الباروكية مثالًا عظيمًا بتصميماتها التي تضمنت مساحة كبيرة مع قبة عالية، مما سمح بإلقاء الضوء على المساحة الموجودة تحتها. وكانت القبة واحدة من السمات الرمزية الأساسية التي توضح الاتحاد بين السماوات والأرض، بالإضافة إلى التصميمات الداخلية المعقدة والمليئة بالزخرفة. سمحت التصميمات الداخلية للناس بالشعور بالانغماس التام في المساحات المرتفعة والمقدسة.
Church of Saint Ignatius of Loyola, Rome, Lazio, Italy.
خلقت معالجة الظل والنور في العمل الفني والتركيز على ذلك توترات مثيرة بين جميع عناصر اللوحة. وكان ذلك مكونًا رئيسيًا في الأعمال الفنية الباروكية، وقد تم تطويره من أعظم فناني عصر الباروك “كارافاجيو – Caravaggio”. لجأ كارافاجيو إلى تكثيف التباين (Contrast) داخل المشاهد الجوية المظلمة؛ لتسليط الضوء على عناصر معينة.
Judith Beheading Holofernes, By: Caravaggio, Location: Galleria Nazionale d’Arte Antica at Palazzo Barberini, Rome
التركيز على المسرحية والدراما، فقد أكد الفنانون في أعمالهم على الثراء الحسي والواقعية والعاطفة الشديدة والحركة.
بدأ الفنانون عهدًا جديدًا للنحت الأوروبي، واكتسبت أشكال النحت أهميةً جديدة. فغالبًا ما تم نحت تلك الأشكال باتجاهها إلى الخارج من كتلة مركزية تصل إلى الفراغ المحيط؛ لتُرى من زوايا متعددة.
Apollo and Daphne, By: Bernini, Location: Galleria Borghese, Rome
من أهم فناني عصر الباروك
ظهر في تلك الحقبة الزمنية عدد كبير من الفنانين العظماء والتي ما زالت أعمالهم تلهمنا حتى اليوم بشكل كبير، ومنهم:
Caravaggio – كارافاجيو
Peter Paul Rubens – بيتر بول روبينز
Rembrandt – رمبرانت
Artemisia Gentileschi – أرتميسيا جنتلسكي
Franz Halz – فرانز هالز
Vermeer – فرمير
Diego Velázquez – دييجو فيلاسكيث
Giovanni – جيوفاني
وسنسلط الضوء في هذا المقال عن بعض منهم لفهمٍ أكبر لسمات وخصائص أعمال ذلك العصر.
كارافاجيو Caravaggio
مصور إيطالي من رواد عصر الباروك وقد ظهرت أعماله في أواخر ال16 وأوائل القرن ال17. كان من أوائل الفنانين الذين بدأوا العمل على الطراز الباروكي الخلاب، وقد اشتهر بالواقعية الشديدة لأعماله الدينية الواسعة النطاق.
صوّر “كارافاجيو” قصص الكتاب المقدس بشكل درامي ومزدحم، وأظهر مشاهد التعذيب بشكل دموي. وصوّر أحداث الماضي كما لو كانت تحدث في الوقت الحاضر، وغالبًا ما كان يعمل من خلال أشخاص حقيقيين في لباس عصري صارخ. وقد زاد في أعماله من حدة الفقر والإنسانية لشخصياته الدينية والتاريخية من خلال التأكيد على الملابس الخشنة والأقدام المتسخة.
The Beheading of Saint John
كان تأثيره على مجرى الفن الغربي هائلاً، فقد شكّل كارافاجيو عمل العديد من الفنانين اللاحقين. تأثر به الكثيرين بدءاً من (Rembrandt) في هولندا و (Diego Velázquez) في إسبانيا، إلى (Théodore Géricault) في فرنسا.
ألهم إحساسه الدرامي واستخدام التدريج والمعالجة المبتكرة للضوء والظل العديد من الشخصيات الرائدة في الوسط السينمائي أمثال: “Pier Paolo Pasolini” و”Martin Scorsese”. فاستخدام كارافاجيو للتباينات الشديدة من الضوء والظلام أكدت على تفاصيل الإيماءات أو التعبيرات مثل الذراع الممتدة، ونظرات اليأس أو الشوق وما إلى ذلك.
Saint Francis of Assisi in Ecstasy, Location: Wadsworth Atheneum Museum of Art
Bacchus
Supper at Emmaus
Death of the Virgin
Peter Paul rubens بيتر بول روبينز
لم يسبق أن رسم فنان مثل هذه المجموعة المتنوعة من الموضوعات تقريبًا عدا بيتر بول روبينز. بيتر هو مصور فلامنكي مثّلت أعماله أشهر وأجمل أعمال عصر الباروك. جمع روبنز بين الأساليب والأنواع الفنية المختلفة، وقد تنوعت موضوعاته بين التاريخية والأسطورية والدينية المستوحاة من الكتاب المقدس. بالإضافة إلى مشاهد الصيد والحيوانات والوجوه والمناظر الطبيعية. وقد اشتهر بالتكوينات المزدحمة للغاية.
The Raising of the Cross
وقد صوّر الشخصيات التاريخية لأبطال الأساطير اليونانية والرومانية بروعة وأناقة، وقد أظهرت اعماله حرية وسلاسة شديدين تصويره للجسم البشري، وقد استمتع بتلوين جسم الإنسان بمختلف المواقف الدرامية، وكانت أجسامه عادةً عارية او ملفوفة في أقمشة.
ولشهرته برسم الجسد الأنثوي بشكل جذاب وممتلئ قليلًا، ظهر مصطلح الروبنسكية (Rubenesque) المأخوذ من اسمه، وهو المصطلح الذي يطلق على المرأة ذات النسب المماثلة لتلك الموجودة في لوحاته.
Judgement of Paris
وقد افتتن روبينز أيضًا برسم الوحوش البرية والغريبة بشكل كبير. فاستخدم عناصر حيوانية في العديد من أعماله لخلق شعور مثير. وكثيراً ما كان يعرض مشاهد الصيد بين الحيوانات والبشر وسط مشهد تعبيري للغاية مؤكدًا على التعذيب ـو الوحشية.
كان أسلوب روبينز قوي ومفعم بالحيوية بدمجه للواقعية الفلمنكية بأساليب عصر النهضة، والذي يجسد سمات عصر الباروك. أصبح “بيتر بول روبنز” رمزًا للتيار (الرومانسي) لاحقًا.
The Lion Hunt
Samson and Delilah, London.
رامبرانت Rembrandt
هو مصور هولندي موهوب بشكل لا يصدق، ظهرت موهبته في سن مبكرة للغاية. برع رامبرانت في تصوير الوجوه بشكل رائع، بالإضافة إلى المشاهد التاريخية والدينية والأسطورية بالطبع. كما برع رامبرانت في تصوير المناظر الطبيعية الساحرة التي تشتهر بروعتها رغم بساطتها. وكانت أساليبه في إنشاء التكوينات واستخدامه للون ودقته في الظل والضوء دائمة التغير لإنتاج أكثر اللحظات إثارة للحركة.
The Nightwatch – دورية الليل
The Storm on the Sea of Galilee – العاصفة على بحر الجليل
وقد كان تأكيده على العمق العاطفي بإتقانه للضوء والملمس موضوعًا مشتركًا بين جميع إبداعاته مما عزز مكانته كأحد أعظم أساتذة الفن المبتكرون. تجلت تلك الصفات في لوحاته التاريخية الكبيرة، ويعتبر رمبرانت بشكل عام أهم فنان في تاريخ الفن الهولندي.
اشتهر رمبرانت بتصوير المشاعر الإنسانية العميقة، فقد كان يعتقد أن المشاعر أكثر أهمية من جوانب الحياة الأخرى. رأى رامبرانت أن مشاعر من يرسمهم وخبراتهم هي ما يجب إيصاله إلى الجمهور، حتى عند رسمهم في سياق تاريخي أو ديني أو اجتماعي.
Aristotle Contemplating a Bust of Homer
وقد اشتهرت صور رمبرانت الشخصية بشكل ملحوظ من حيث أنها تعرض سيرة بصرية فريدة للفنان. وسواء كان يرسم نفسه بزي رسمي لشخصية ما أو كرجل عادي، فقد قام بدراسه ملامحه دون غرور، وبإخلاص وصدق شديدين.
Self-portrait as the Apostle Paul
Self Portrait, a masterpiece of the final style, “the calmest and grandest of all his portraits
نختم بانفوجراف مبسط يعرض أهم سمات وفناني عصر الباروك.
في بداية القرن الخامس عشر، شهدت إيطاليا نهضة ثقافية أثرت بشكل كبير على جميع فئات المجتمع. أدى ذلك إلى الابتعاد عن السمات القوطية والرومانية السابقة، مما أدى إلى ظهور “عصر النهضة”.
بدأ ظهور عصر النهضة بمجموعة من الفنانين واللوحات والسمات المتطورة، وقد عرفت أول فترة منها باسم “النهضة المبكرة”، ثم جاءت بعدها فترة سميت بـ “النهضة الحديثة”. حيث صاحبت النهضة الحديثة نهضة في شمال أوروبا، فلم يكن لعصر النهضة المبكرة تأثير يذكر خارج إيطاليا. لكن منذ أواخر القرن 15 بدأت سمات ذلك العصر بالانتشار خارج إيطاليا عابرة حدودها إلى شمال أوروبا.
حفّز الفنانون في إيطاليا على تجديد أمجاد الفن الكلاسيكي بما يتماشى مع عصر ناشئ معاصر يهتم بالإنسانية والفردية. وانطلاقًا من هذه البيئة الجديدة المزدهرة التي مكّنت المجتمع من الانغماس الكامل في دراسات العلوم الإنسانية، بدأ فنانو عصر النهضة في خلق أعمالٍ مكتظة بالمعارف المختلفة. شملت أعمال أولئك الفنانين الهندسة المعمارية والفلسفة واللاهوت والرياضيات والعلوم والتصميم.
استمرت الابتكارات التي نشأت في الفن خلال هذه الفترة في إحداث أصداءٍ لازالت تؤثر على الساحات الإبداعية والثقافية اليوم.
عصر النهضة المبكر
يعتبر عصر النهضة المبكر أول مراحل عصر النهضة، وقد استمرت الفترة المبكرة نحو 90 عامًا. تشير الفترة المبكرة في المقام الأول إلى الفترة الفنية التي سادت إيطاليا في القرن ال15.
بدأ الفنانون بالابتعاد عن الفن القوطي وتطورت الأساليب الفنية الجديدة جذريًا. ابتعدوا عن الأعمال الفنية ذات الأشكال المسطحة وثنائية الأبعاد، والتي شاعت في السابق.
Birth of Venus, By: Sandro Bottcili Location: Uffizi Gallery
وقد شمل ذلك إدخال أساليب ثورية مثل:
المنظور الخطي ذو النقطة الواحدة والمستمد من دراستهم للرياضيات والهندسة المعمارية.
التفاصيل الطبيعية والتشريحية.
الاهتمام بالنسب.
استخدام التباين العالي بين الظل والضوء.
الخداع البصري لغرض خلق الأوهام.
وقد تطورت الموضوعات لتبتعد عن القصص الدينية التقليدية التي سيطرت على الفن طوال تاريخه.
شمل ذلك التجديد مشاهد المعارك، والصور الشخصية – Portraits، وتصوير الأشخاص العاديين بعيدًا عن المقدسات. لم يعد الفن وسيلة لرفع مقام الشخصيات الدينية فحسب، بل أصبح وسيلة لتوثيق حياة الناس وأحداث العصر الحديث، بالإضافة لتوثيق التاريخ.
Jerome in his Study, By: Antonello da Messina, Location: National Gallery, London
ومن المؤكد أن فناني عصر النهضة المبكرة قد تأثروا بالفلسفة الإنسانية التي أكدت أن علاقة الإنسان بالعالم والكون والله لم تعد حكرًا على الكنيسة فقط. أدى ذلك التأثر إلى إنتاج أعمالٍ أكدت على الخصائص العاطفية والفردية للأشخاص بمواضيعٍ وطرقٍ جديدة. ترتب ذلك التأثر على بناء طرقٍ أكثر عاطفية بين المشاهد والتجربة الفنية.
من الأعمال الفنية في عصر النهضة المبكر
The Annunciation, By: Fra Angelico
Flagellation of the Christ, By: Piero della Francesca
بوابات النعيم: Gates of Paradise, By: Lorenzo Ghiberti
تيار التصوير الهولندي المبكر، الفن الفلمنكي
أما بالنسبة لتيار (التصوير الهولندي المبكر) والذي يطلق عليه أيضًا الفن الفلمنكي، فقد اشتمل على العديد من المجالات كالنحت والتصوير والعمارة والفنون البصرية الأخرى. نشأ وازدهر تيار الفن الفلمنكي في العديد من المجالات في أواخر القرنين الرابع عشر والخامس عشر.
كانت تباع اللوحات التي تم إنتاجها في تلك الفترة إلى الأمراء أو التجار الأجانب، لكن لسوء الحظ تم تدمير غالبية الأعمال في القرنين ال16 وال17. بقيت منها إلى اليوم بضعة آلاف فقط، فلم يوثّق رسامي تلك المرحلة وأعمالهم جيدًا حتى منتصف القرن التاسع عشر.
قضى مؤرخو الفن قرنًا تقريبًا في تحديد الصفات ودراسة الأيقونات ووضع الخطوط العريضة لحياة الفنانين الكبار للتيار الفلمنكي. حتى الآن، لا تزال بعض أهم أعمال ذلك العصر موضع جدل.
من أهم الفنانين الهولنديين
Robert Campin
Jan van Eyck
Rogier van der Weyden
Dieric Bouts
Petrus Christus
Hugo van der Goes
الفنان فان أيك van Eyck
Portrait of a Man in Red Turban, By: Jan van Eyk
يعتبر من أهم فناني التيار الهولندي، وبسبب ابتكاراته في استخدام الألوان الزيتية، جعل ذلك التدريجات اللونية بين مساحات الألوان ممكنة. لجأ فان أيك إلى الاعتماد على وقت الجفاف البطيء للألوان الزيتية، مما سمح لتصوير المنظور والمساحة البعيدة والقريبة بشكل أكثر قربًا من الواقع.
من أهم سمات أعمال فان أيك قيامه بتحقيق مستوى متطور من الواقعية ودقة التنفيذ والتفاصيل. ساعد أيك على تقديم ذلك المستوى الرفيع اختياره للعناصر الثمينة والراقية كالمجوهرات اللامعة والمعادن العاكسة والأقمشة المختلفة كالمخملية والساتان. كل ذلك، بالإضافة لعمله على تطوير الجسد البشري حتى وصوله إلى درجة عالية من الطبيعية.
من أكثر ما اشتهر به فان أيك فكرة اختراع عمل اللوحة بالألوان الزيتية، ونسبت إليه بعد قرنٍ من وفاته. ولقد كتب المؤرخ الفني جورجيو فاساري عن ذلك، ونسبه إلى أيك إلا أن ذلك غير صحيح، واستمرت تلك الأسطورة حتى القرن التاسع عشر. لكن حتى بعدما خمدت نيران تلك الشائعة، يظل فان أيك محتفظًا بلقب “أبو التصوير الزيتي” إلى اليوم.
يعود الفضل إلى فان أيك في اختراع البورتريه الحديث، والذي يظهر أسلوبه بشدة في لوحته الشخصية التي رسمها لنفسه بعنوان “بورتريه الرجل ذو العمامة الحمراء” Portrait of a Man in Red Turban.
من أهم أعماله أيضًا لوحة بورتريه أرنولفيني “The Arnolfini Portrait”، والتي أظهر فيها دقة فائقة في عمل التفاصيل والرموز.
The Arnolfini Portrait
من أعمال الفنانين الهولنديين
Portrait of Margaret van Eyck, By: Jan van Eyk
The Harvesters, By: Pieter Bruegel the Elder, Location: The Metropolitan Museum of Art
عصر النهضة الحديث
يشير عصر النهضة الحديث إلى فترة ثلاثين عامًا جسدتها الأعمال الفنية البارزة التي أُنتجت في إيطاليا. أدى تجديد الفن الكلاسيكي والذي تزاوج مع دراسة عميقة للعلوم الإنسانية إلى تحفيز الفنانين لإخراج أعمال فنية لا مثيل لها. أنتج فنانو ذلك العصر إبداعاتهم بمعرفة كثيفة بالعلم والتشريح والهندسة المعمارية. بقيت حتى اليوم الكثير من الأعمال المميزة والتي تعتبر الأكثر إلهامًا في تاريخ الفن.
School of Athens, By: Raphael لوحة مدرسة أثينا
وعلى الرغم من تنافس العديد من الفنانين على المكانة العالية خلال هذا العصر، فإن (ليوناردو دا فينشي) و(مايكل انجلو) و(رافاييل) و(دوناتو برامانتي) هم بلا شك أعظم أكثر شهرة في تلك الفترة باهتماماتهم المتعددة وإتقانهم لها.
استخدم فنانو عصر النهضة الحديث مجموعة من التقنيات المستعارة من فناني عصر النهضة المبكر مثل:
المنظور الهندسي لخلق عمق شديد.
التنفيذ الدقيق والصحيح علميًا للتشريح البشري.
دمج العناصر المعمارية والمنحوتات في اللوحة الفنية.
ظهرت أساليب جديدة في هذا الوقت، من ضمنها تقنية (سفوماتو) والتي اخترعها “دا فينشي”، وهو تأثير زجاجي أحدث ثورة هائلة في طريقة مزج الألوان. بالإضافة لظهور (لوحات السقف) والتي توفر للمشاهد تجربة رؤية المنظر بأسلوب يتفاعل فيه المشاهد مع العمل الفني، وهو ما يتحقق عند الرؤية من الأسفل.
تعد اللوحات المرسومة على سقف “كنيسة سيستين – Sistine Chapel” بالفاتيكان بيد العبقري مايكل أنجلو – Michelangelo هي أقرب مثال لذلك. تعد لوحة (خلق آدم – Creation of Adam) من أشهر ما وجد فيها، وهي لوحة واحدة من 9 لوحات متتالية على سقف الكنيسة.
Creation of Adam, By: Michelangelo
تشتهر هذه الفترة بإدخال أفكار الجمال إلى الفن، سواء بتصويرها لشخصياتٍ دينية أو أشخاص عاديين، فقد كانت اهتمامات الفنانين في عصر النهضة الحديث هي تقديم قطع تحتوي على الكمال والجمال البصري.
من الأعمال الفنية في عصر النهضة الحديث
Virgin of the Rocks, By: Leonardo da Vinci
David, By: Michelangelo
Madonna of the Harpies, By: Andrea del Sarto
Mona Lisa, By: Leonardo da Vinci
الفن الأسلوبي أو التكلفي
ظهر في أواخر عصر النهضة تيار فني أطلق عليه (الفن الأسلوبي) أو (الفن التكلفي)، وهو تيار ظهر كرد فعل للشكل الكلاسيكي المعتاد والذي تميزت به أعمال عصر النهضة. ويُعتبر هذا التيار جسرًا بين عصر النهضة الحديث وفترة عصر الباروك القادمة.
اهتم فنانو ذلك التيار بالكمال الذي تم تصويره في عصر النهضة لكنهم لم يسعوا إلى تكراره. وبالغوا في كثير من العناصر والنسب بدلًا من الكمال، مما أدى إلى إنتاج أعمال تعبر عن الذات أكثر من تحقيقها للمثالية.
بدأ الفنانون في خلق لوحات تتسم بالتراكيب المصطنعة والمتكلفة وغير الحقيقية، وكانت إحدى الطرق الأساسية التي اتبعوها هي المبالغة. لم يكن ذلك عن جهل أو مشكلة بالدقة، ولكنهم رفضوا الأبعاد الواقعية وقاموا بتقديم شخصيات بأطرافٍ مستطيلة وأوضاع غريبة للأجساد البشرية. فمن المحتمل أن استخدامهم لتلك الأشكال الممتدة والملتوية كانت رغبة منهم في إبراز الحركة أو لزيادة الدراما.
Self-portrait in a Convex Mirror, By: Parmigianino
فنون العصور الوسطى، الفن الكارولنجي والرومانسيكي والفن القوطي
ظهرت عدة فنون في العصور الوسطى مستمدة ومتطورة من الفن البيزنطي بعد انتهاءه على نطاق واسع في أوروبا، وكان من أهمها الفن الكارولنجي والفن الرومانيسكي والفن القوطي، وهو أكبرهم في التأثير.
لذا دعونا نتعرف معًا على تلك الفنون، ونرى كيف تطورت ومهدت لعصر النهضة العظيم.
الفن الكارولنجي (780 – 900)
يعتبر الفن الكارولنجي من أهم فنون العصور الوسطى، والذي بدأ حين قام شارلمان -ملك الفرنجة ومؤسس الإمبراطورية الرومانية المقدسة- بتحريض إحياء ثقافي معروف باسم عصر النهضة الكارولنجية، وذلك بدعوة أعظم العلماء من جميع أنحاء أوروبا للمثول أمام المحكمة وإبداء الاقتراحات لتجديد السياسة والكنيسة والفن والأدب.
قام ببناء قصر وكنيسة في آخن بألمانيا عام 805، لتصبح بمثابة مقر لسلطة “شارلمان” وما زالت تضم عرشه اليوم. ربما تكون الكنيسة أفضل مثال حي باق للهندسة المعمارية الكارولنجية، والتي أثرت في تصميم القصور الأوروبية لاحقًا.
كاتدرائية آخن – Aachen Cathedral. by: Frans Sellies
وكان لدى شارلمان أيضًا مركز لنسخ المخطوطات في آخن. وقد كانت أنماط الكتابة والنصوص في أوروبا قبل ذلك مترجمة ويصعب قراءتها. لم يكن بالإمكان قراءة الكتب في أوروبا يسيرًا في ذلك الوقت، حتى وإن كان كلا من الكاتب والقارئ يجيدان اللغة اللاتينية.
اعتمدت اللغة الكارولنجية المنتشرة من آخن عالميًا مما أتاح التواصل الكتابي بشكل أكبر. أصبحت الكارولنجية أكثر النصوص المستخدمة على نطاق واسع في أوروبا في وقتها.
انفوجراف مبسط حول الفن الكارولنجي.
الفن الرومانيسكي (1000 – 1300)
بدأت فترة الفن الرومانسكي في العصور الوسطى حوالي عام 1000 م واستمرت حتى عام 1300 تقريبًا. وقد تأثر بكل من الفن الروماني والبيزنطي، كما هو الحال مع كل الفنون؛ فقد تأثر كل عصر ومدرسة بما قبلهم على طول تاريخ الفن.
كان تركيز الفن الرومانيسكي على الدين والمسيحية. شمل الفن الرومانسيكي التفاصيل المعمارية كالزجاج الملون والجداريات الكبيرة على الجدران والأسقف، والمنحوتات على المباني والأعمدة.
أهم الأعمال الرومانيسكية
كنيسة سانت فوي – حوالي 1050- 1130
تنقل الواجهة شعورًا بالقوة والصلابة، وتزيد بساطة العناصر الزخرفية من قوتها. كانت القديسة “فوي” فتاة من آكيتاين استشهدت في الفترة من عام 287 إلى عام 303 م، وكانت الكنيسة تحتفظ بمخزن ذهب يحتوي على رفاتها.
كنيسة سانت فوي – Church of Sainte-Foy. حقوق ملكية الصورة: jean françois bonachera
انفوجراف مبسط حول الفن الرومانسيكي.
الفن القوطي
نشأ الفن القوطي في القرن الثاني عشر الميلادي وتطور من الطراز الرومانيسكي بعد انتصار القوط على الرومان. كان الاسم مرادفًا لكلمة “البربرية”، وقد استخدم لوصف الفن القوطي بأنه بعيد مقارنة بالفن الكلاسيكي عندما كان الناس يتطلعون إلى إحيائه.
وقد استخدم المصطلح في رسالة من “رافاييل” إلى البابا “ليو العاشر”، شبه فيه الأقواس المدببة للهندسة القوطية بأكواخ القوط الغربيين البدائية التي تم إنشاؤها عن طريق ثني قمم الأشجار معًا. فقد كان ينظر فناني ومؤرخي عصر النهضة إلى هذا الفن نظرة ازدراء؛ لبعده عن النسب الكلاسيكية الإغريقيةوالرومانية.
لكن على الرغم من آراءهم، فقد أصبحت الهندسة والمنحوتات المعمارية القوطية واستخدامهم للزجاج المعشق موضع تقدير اليوم باعتبارها قطع فنية جميلة ومعقدة.
العمارة القوطية
حاولت العمارة القوطية بالعصور الوسطى إعادة خلق بيئة سماوية على الأرض؛ من خلال حوائط مرتفعة ونوافذ زجاجية ملونة. استندت العمارة القوطية على الأساليب الرومانيسكية. قام المعماريون القوط بتطوير الزخارف بين النوافذ الزجاجية، مما أدى إلى خلق مساحات داخلية أبهرت حواس المصلين.
من أشهر وأجمل كاتدرائيات الفن القوطي والتي نشب بها حريق هائل في الخامس عشر من أبريل العام المنصرم، هي كاتدرائية “نوتردام“.
وقد صور فن النحت المعماري والميداني شخصيات اكتسبت سمات طبيعية وحسية أكثر من السابق في العصور الوسطى. أصبحت القطع الأثرية واللوحات الجدارية أكثر شيوعًا في كنائس نهاية الحقبة القوطية في القرن الرابع عشر.
سمات العمارة القوطية
كانت الخصائص الهيكلية الرئيسية للتصميم المعماري القوطي في العصور الوسطى تنبع من جهود البنائين من القرون الوسطى لحل المشكلات المرتبطة بدعم قبو سقف المباني الثقيلة (الأسقف المقوسة) الواسعة. ظهرت المشكلة لأن السقف التقليدي المقنطر كان يسبب ضغطًا هابطًا للأسفل وللخارج على الجدران التي استند عليها، مما تسبب في كثير من الأحيان في الانهيار.
اعتقد المصممون أن الجدران الداعمة الرأسية يجب أن تكون سميكة وثقيلة للغاية من أجل مواجهة وامتصاص ضغط القبو، لكن مصممي القوطية حلوا هذه المشكلة بالعديد من الابتكارات الرائعة.
كانت الكاتدرائية هي المركز الذي تم فيه وضع الاختراعات الأساسية للعمارة القوطية مثل القوس المدبب، والقبو المتقاطع المضلع، ودعامات الطيران
المباني العملاقة
تم استخدام أقبة الأضلاع، ودعامات الطيران، والأقواس المدببة كحلول لمشكلة بناء هيكل طويل للغاية مع الحفاظ على أكبر قدر ممكن من الضوء الطبيعي. قاموا بتقليل وزن السقف، فصنعوا سقفًا (قبوًا) مضلعًا، يتكون من قبو متقاطع الأضلاع من الألواح الحجرية الرقيقة. واستبدلوا الأقواس المستديرة لخزينة الأسطوانة بأقواس مدببة وزعت وزن القبة في اتجاه أكثر رأسية. وبكل بساطة، انخفض وزن السقف بالكامل على الجدران الداعمة. قام المعماريون القوطيون بتحويل وزنه على طول أضلاع السقف عبر الجدران إلى دعامة تحلق (نصف قوس)، ثم نزول الدعامات الرأسية (الأرصفة) إلى الأرض. فلم يعد السقف يعتمد على الجدران للحصول على الدعم. ونتيجة لذلك أصبح بناء جدران الكاتدرائيات أعلى بكثير.
تميزت بناياتهم بالتالي:
استخدام الحجر والرخام بدلًا من الطوب، مما سمح بإنشاء الكاتدرائيات والكنائس عالية الارتفاع.
أقواس مبالغ فيها.
نوافذ عالية وكبيرة.
جدران أكثر سمكًا من العمارة الرومانيسكية.
منحت ألواح النوافذ الزجاجية الملونة (Stained Glass) تأثيرات داخلية مذهلة بأشعة الشمس، وهي من أهم سمات العمارة القوطية وأهم أشكال التزيين الرئيسية فيها.
الزجاج الملون بكاتدرائية نوتردام.
النحت القوطي
قام كل عنصر من عناصر تصميم الكاتدرائية القوطية بنقل رسائل دينية. وعكست الطبيعة الهيكلية للبناء والمنحوتات (النقوش والتماثيل والأعمدة) والنوافذ الزجاجية الملون والجداريات رسائل للكتاب المقدس.
رغم أن الفضول القوي حول الجسم الإنساني أنتج الفن اليوناني ببراعته ودقته، لكن كان هناك نوع آخر من الفضول المسؤول عن روح الفن القوطية في العصور الوسطى يكمن جوهر تماثيله في قدرتها على الإيحاء. ليس الكمال النهائي بالنسب الكلاسيكية، ولكن البحث الديناميكي عما لا يمكن بلوغه.
Diptych with The Last Judgement and Coronation of the Virgin.
والفن القوطي يشبه الخليط وجب أن يرى مع بعضه البعض، فمكوناته المنفصلة لا تمثل النتيجة النهائية. ليس من السهل فصل قطعة من النحت -مهما كانت معبرة- عن مأواها المعماري دون سرقة قدر كبير من معناها، لأنها جزء من إيقاع أكبر. بالرغم من ذلك، يمكن رؤيتها مفردة وستبقى محافظة على الإبهار، وليس فقط لحيويتها وخيالها ونعومتها، ولكن بسبب معناها المتأصل بذاته.
ظهر النحت القوطي في زخرفة واجهات الكاتدرائية بشكلٍ واضح جدًا، كونها مرتبطة ارتباطًا وثيقًا بهندستها المعمارية والمساعدة في تقسيمها إلى طوابق. وقد كانت تنحت على الأعمدة أكثر من كونها تماثيل منفصلة ومستقلة بذاتها.
منحوتات قوطية من كاتدرائية ستراسبورغ، فرنسا.
وقد تنوعت موضوعاتها ضمن السياق الديني بين العهد القديم والجديد، وذلك كنهاية العالم والحساب الأخير. كما حضر كثير من أبطال الكتاب المقدس وصورت قصصهم، بالإضافة لاحتلال العذراء مكانًا متميزًا بينهم.
التصوير القوطي
ظهرت اللوحة المصورة القوطية متأخرة قليلًا عن الأشكال الأخرى للفن القوطي من العمارة والنحت في العصور الوسطى. وبدأ الفنانون القوطيون في استخدام الألوان والأبعاد والمناظير الأكثر إشراقًا، وانتقلوا نحو المزيد من الواقعية. كما بدأوا في استخدام المزيد من الظلال والضوء في فنهم مع تجريب مواضيع جديدة تتجاوز الدين، كالحيوانات في المواضيع الأسطورية.
تم رسم الأشكال لتضفي حركة مع مساحة أكبر داخل مساحة الخلفية، وقد رسمت في الكنائس بتقنية الفريسكو. توجد أكبر مجموعة من اللوحات الجدارية في الدنمارك والسويد والمليئة بقصص الكتاب المقدس من العهد القديم والعهد الجديد.
أصبحت اللوحات الفردية ، مثل اللوحات الزيتية على القماش، مشهورة في القرن الرابع عشر وقد مهدت لعصر النهضة. ونشأت حركة “الفن الهولندي المبكر” في شمال أوروبا في ذلك الوقت واعتُبرت أعماله قوطية على الرغم من بدء عصر النهضة.
The Miracle of the child falling from the balcony. Location: Church of St. Augustine Novello, Siena, Italy.
أما الاتجاهات الكلاسيكية الجديدة في جنوب أوروبا فلم تكن وصلت بعد إلى المنطقة، فبقي النمط القوطي قائمًا.
تضمنت تقنيات الحركة الهولندية تفاصيل دقيقة ورمزية وواقعية، بالإضافة إلى موضوعات لاهوتية بمشاهد دينية معقدة. وقد رسمت هذه اللوحات بأحجام صغيرة لتوضع في المنازل، وغالبًا ما تظهر صورة المالك إلى جانب القديسين.
التصوير القوطي الإيطالي
كانت إيطاليا واحدة من آخر الأماكن التي وصلتها القوطية، وواحدة من أول من قفزوا إلى عصر النهضة الفريد الخاص بها. وحين كانت النوافذ الزجاجية الملونة الشيء الرئيسي لتزيين الكنيسة الداخلية في العصر القوطي، حيث قلت الجداريات والفسيفساء بجانبه، استثنت إيطاليا نفسها من تلك القاعدة. لعبت اللوحات الجدارية وغيرها من أشكال التصوير دورًا رئيسيًا لتزيين الكنائس في إيطاليا.
تطور استكشاف الفنان القوطي للمنظور الهندسي، لكن لم يقصد بذلك استعادة مجد الفن الكلاسيكي. يمكننا أن نرى تطور المنظور القوطي الإيطالي في شكلين رئيسيين: المنظور الداخلي وتوفير العمق لمساحة مغلقة، والمنظور الخارجي مع مقدمة راسخة وظهور لمنتصف الأرض والخلفية.
ومن أهم وأشهر اللوحات في ذلك العصر هي لوحة: “Adoration of the Magi”.
Adoration Of The Magi. by: Giotto 2 m x 1.85 m
ومن أكثر الأشياء إثارة في هذه اللوحة القوطية الإيطالية، أنه ولأول مرة منذ فترة طويلة عرفنا أسماء لمعظم الفنانين في هذا العصر. كان أغلب الفنانين القوط -من معماريين أو نحاتين- مجهولين الهوية.
أهم فنانين التصوير القوطي
جيوتو – Giotto
دوتشيو – Duccio
تشيمباو – Cimabue
الأخوان لوريزنتي – Lorenzetti
جنتيلي دا فابريانو – Gentile Da Fabriano
ومن خلال متابعة عمل هؤلاء الفنانين، يمكننا رؤية اتجاهين يتطوران في الفن القوطي الإيطالي: شخصيات واقعية بشكل متزايد واستخدام المنظور في الرسم. هذه الاتجاهات هي ما ستؤدي في النهاية إلى النهضة الإيطالية.
معظم الناس لا يفهمون أهمية هذه المعركة، والتي كانت بين القوط الغربيين والمسلمين. فهي التي تسببت في حكم المسلمين لـ الأندلس (اسبانيا) منذ قرون طويلة، وقد أدى خطأ طفيف واحد من طموحاتٍ شخصية إلى معركة كبيرة مما تسبب في خلق مشكلة عظيمة للبلدان الأوروبية حينها.
لكن ماذا لو لم يتم ارتكاب ذلك الخطأ وظلت المملكة القوطية قائمة ولم يتم فتح الأندلس؟ وكيف غيرت تلك المعركة مسار تاريخ أوروبا بالكامل؟
كانت تلك الفترة في أوروبا غير مستقرة البتة ، وقد تسبب سقوط الإمبراطورية الرومانية في الغرب بفراغٍ كبيرٍ، وتم إنشاء ممالك جديدة وقتها. وقد بنيت تلك الممالك على أساس ممالك أخرى سقطت في العصور الوسطى.
دارت معركة “وادي لكة” بين الخلافة الأموية والقوط الغربيين، والذين كانوا عبارة ألمان بماضٍ مثير؛ والذين قد تسببوا في بعض المشاكل للإمبراطورية الرومانية.
وقد انتقلوا في النهاية إلى شبه الجزيرة الأيبيرية وقاموا بتأسيس مملكتهم الفريدة من نوعها في الأندلس. وقد تأسست مملكة القوط الغربيين عام 418م وانتهت بين عام 718 – 720م.
لكن كيف تغير كل شيء؟
كانت المملكة في حالة جيدة وكان كل شيء راسخًا، ونعمت السلطة المركزية بالاستقرار بشكلٍ كبير، لكن الأمور كانت تتغير طوال الوقت مما عقّد الأمور كثيرًا.
فقد تمت إدارة المملكة من قبل من الأشخاص ذوي سلطةٍ لا بأس بها عبر اسبانيا منهم الحاكم الأصغر والذي يدعى “ويتيسا”، وقد كان يحظى باحترامٍ كبير مع معلومية اكتسابه الكثير من الخبرة لما سبق له من الحكم مع والده.
وكانت الأندلس حينها في وقتٍ سلميّ دون أية حروب بالرغم من وجود هجمات عبر الحدود من بيزنطة والفرنسيين، مع بعض الصراعات الداخلية الطفيفة، لكن عدا ذلك كان كل شيء جيدًا.
ثم فجأة، وفي عام 710 تقريبًا، تم إلقاء الملك الشاب من على العرش لأسباب غير معروفةٍ جيدا، مع احتمالية أنه تم اغتياله.
وعقِب ذلك مجيء نبيل من عائلة كبيرة يسمى “رودريك” تم تتويجه ملكًا، والذي يعرف أيضًا باسم الملك الأخير من القوط، والذي دام حكمه لمدة عامين من 710 – 712م. لكن تم تتويج ملك آخر في الوقت نفسه لوجود أشخاصٍ معارضين، وهو “أخيلا” والذي كان له مطالبة بالمملكة هو الآخر، مما جعل المملكة في طريقها للانقسام.
كانت الأمور تزداد توترًا يومًا بعد يوم، لأن واحدًا منهم كان يحكم الجزء الجنوبي من اسبانيا والآخر كان يحكم الشرق. وكان هناك بالطبع خطر كبير يتمثل في اندلاع حرب أهلية، لكن لم يقتصر الأمر على ذلك، بل كان هناك تهديد آخر لم يكن في الحسبان.
الخلافة الأموية وفتح الأندلس
كان القائد الأموي حينها هو (موسى بن نصير) والي إفريقية (تونس حاليًا) -وهي تختلف عن إفريقيا القارة- وكان يحتل الساحل الشمالي لإفريقيا والتي كانت قريبة جدًا من الأراضي الأوروبية الإسبانية. وقد بدءوا بهجماتٍ صغيرة لرؤية ما إن كان عليهم التخطيط للغزو القادم أم لا.
وقد قام موسى بإرسال (طارق بن زياد) –والي مدينة طنجة- إلى إسبانيا، عن طريق عبور المضيق الواصل بين البحر الأبيض المتوسط والمحيط الأطلسي، والذي تمت تسميته “مضيق جبل طارق” تيمنًا بذلك العبور.
وبسبب الوضع والانقسامات التي كانت تحدث في المملكة، قام باحتلال جزءٍ كبيرٍ من أراضي الحدود الجنوبية لإسبانيا. ولعلمهِ أن هناك وضعًا متزعزعًا داخل المملكة يجعل الأمور لصالحه بنسبةٍ كبيرة؛ فقد أرسل المزيد من القوات إلى (طارق) للاستيلاء على المزيد من الأراضي.
رد الفعل
كان يعلم (رودريك) أن هناك دخلاء كانوا يعبرون ويحتلون حدود مملكته، وقام بما يفعل به كل ملك من تجهيز واستعداد وتجنيد القوات للدفاع عن مملكته، وكان الاجتماع على دفع الغزاة مثيرًا للاهتمام حتى أن “أخيلا” الملك الآخر والعدو قام بإعطائه القوات كمساعدة للدفاع عن مملكتهم، بالإضافة لمساعدة النبلاء أيضًا. وبشكل ينم عن كامل الاستعداد اجتمعت جميع القوات في المملكة للدفاع.
عندما جمع رودريك قواته كان على استعداد للتحرك جنوبًا لبدء المعركة، وكانت قواته تبلغ حوالي من 25000 – 35000 حين بلغت قوات المسلمين من 6000 – 000 14.
خسارة القوط
كان معظم جنود رودريك غير جاهزين للمعركة، ولم يكن لديهم تدريب وخبرة بالإضافة إلى أنهم كانوا من الطبقة الاجتماعية المنخفضة، والذي يمكن أن يكون عاملا في خسارة المعركة. ولكن ما الذي حدث بالفعل؟
قام الجيشان بالالتقاء وجهًا لوجه بالقرب من نهر وادي لكة، وكان كل شيء جاهزًا وكانت المعركة على وشك البدء.
وعندما سارت القوات نحو بعضها، انقسم جيش القوط الغربيين وراء 3 أوامر في نفس الوقت بشكلٍ مفاجئ، فقد قام الجزء الأوسط من الجيش بالهجوم والذي كان بقيادة (رودريك) -وكان ذلك الشيء المنطقي والذي ينبغي القيام به- لكن لم يشترك الجناح الأيمن والأيسر معهم وتحرك أوسط الجيش بمفرده.
ولم يكتفِ الجناحان بعدم الاشتراك في الهجوم فقط، بل قام الجنرالات بأمرهم بالابتعاد والرجوع إلى الوراء، مما شكّل ذلك خيانة واضحة وصريحة ومدبرة!
وقد أدرك (رودريك) حينها بأن تلك الخيانة وتدبير قتل قواته بدخولهم وحدهم داخل وحدات الأمويين؛ كانت لعقد الجنرالات صفقة بالتأكيد مع الأمويين، لكن كان الأوان قد فات لإدراك ذلك.
وقد ارتكب ذلك الجزء المنسحب خطأً فادحًا ولم يهزموا العدو عندما أتيحت الفرصة، فقد تقدم جيش الخلافة إلى إسبانيا وقام بقهرهم، وقاموا بتدمير مملكة القوط الغربيين في 718 – 720م.
وقد أدرك النبلاء بالتأكيد فداحة الخطأ الذي ارتكبوه عندما قاموا بخيانة (رودريك)، ومن الممكن أن يكونوا قد حصلوا على شيءٍ في المقابل، لكن هذا الخطأ والغباء كان له تأثير كبير على تاريخ أوروبا وآسيا.
يعتبر النوم جزءًا مهمًا من الروتين اليومي، فنحن نقضي ثلث وقتنا تقريبًا فيه. ويعد النوم الجيد -بالحصول على ما يكفي منه في الأوقات المناسبة– ضرورة من ضروريات الحياة كالطعام والشراب.
ولا يمكن للعقل أيضًا تكوين –أو حتى الحفاظ- على مساراتٍ تتيح التعلم وإنشاء ذكريات جديدة بدون النوم، كما أنه من الصعب التركيز والاستجابة بسرعة. وفي الواقع، يبقى العقل والجسم نشيطين بشكل ملحوظ أثناء النوم، فهو يعمل عمل المكنسة الكهربائية؛ منقيًا العقل من السموم والشوائب التي تراكمت أثناء يقظتك، وهو ما تشير إليه النتائج الحديثة.
يؤثر النوم على كل نوع من الأنسجة والأجهزة في الجسم تقريبًا، بدءًا من المخ والقلب والرئتين وحتى المناعة والمزاج ومقاومة الأمراض. ويحتاج الجميع للنوم بالطبع لكن الغرض البيولوجي منه لا يزال لغزًا.
لكن ما الذي يجعلنا ننام؟ وما الذي يحدث داخل المخ؟
تحتوي منطقة ما تحت المهاد في المخ –منطقة بحجم الفول السوداني في عمق الدماغ- على مجموعات من الخلايا العصبية التي تعمل كمراكز مراقبة تؤثر على النوم والإثارة، وتوجد أيضًا هناك منطقة أخرى تسمى (النواة الحركية) –وهي مجموعات من الخلايا تتلقى معلومات من العين حول التعرض للضوء مباشرة.
في البداية، تنتج الخلايا المعززة للنوم مادة كيميائية في المخ تسمى (جابا) تعمل على تقليل نشاط مراكز الإثارة، ثم يرسل جذع الدماغ إشارات لإرخاء العضلات المحركة للجسم والأطراف؛ حتى لا نقوم بتحقيق أحلامنا أثناء حدوثها.
ثم تستقبل الغدة الصنوبرية إشارات وتزيد من إنتاج هرمون (الميلاتونين)، والذي يساعد على النوم بمجرد إطفاء الأنوار. فمثلًا لا يمكن لفاقدي للبصر تنسيق دورة النوم والاستيقاظ الطبيعية باستخدام الضوء الطبيعي، لكن يتم تثبيت أنماط نومهم عن طريق تناول كميات صغيرة من الميلاتونين في نفس الوقت كل يوم.
لكن لم ننتهِ هنا بالطبع، فيوجد بجانب كل ذلك (الأدينوسين) – ليدعم دورة النوم، والذي يقوم الكافيين بعرقلته منتجًا مقاومة للنعاس، فهناك حربًا تدور لتظل مستيقظُا.)
وخلال معظم مراحل النوم، تعمل منطقة (المهاد) بمثابة ناقل للمعلومات، وذلك من الحواس المختلفة إلى القشرة الدماغية -غطاء الدماغ الذي ينقي المعلومات من الذاكرة القصيرة إلى الطويلة المدى- ولكن أثناء نوم الريم، يكون المهاد نشطًا، حيث يقوم بإرسال الصور والأصوات والأحاسيس الأخرى لتملأ بها أحلامنا.
المواد الكيميائية المسببة للنوم
تصبح مجموعات الخلايا العصبية المعززة للنوم في أجزاء كثيرة من الدماغ أكثر نشاطًا عند الاستعداد للنوم، فالناقلات العصبية يمكن أن تغلق أو تثبط نشاط الخلايا التي تشير إلى الإثارة، وتشمل الناقلات العصبية الأخرى التي تشكل النوم واليقظة كالميلاتونين والأسيتيل والهستامين والأدرينالين والكورتيزول ووالسيروتونين.
لكن ما الذي ينظم النوم داخل جسدنا رغمًا عنا؟
يتم تنظيم النوم عن طريق آليتين بيولوجيتين يعملان معًا، إيقاع الساعة البيولوجية والتوازن. تظهر آثار إيقاعات الساعة البيولوجية في مجموعة واسعة من الوظائف اليومية للجسم أثناء اليقظة، فتظهر مثلًا في درجة حرارة الجسم والهرمونات.
والتي تتحكم بدورها في توقيت نومك وتسبب الشعور بالنعاس في الليل والميل للاستيقاظ في الصباح دون سابق إنذار. تتحكم الساعة البيولوجية في جسمك على مدار 24 ساعة تقريبًا، في معظم الإيقاعات اليومية، والتي تتزامن مع الإشارات البيئية -كالضوء ودرجة الحرارة- لتظهر الوقت الفعلي لليوم، ولكنها تحدث أيضًا حتى في حالة عدم وجود تلك الإشارات.
صورة توضح مستوى الميلاتونين ودرجة الحرارة والضغط في الجسم على مدار اليوم وتأثيرهم على النوم
أما بالنسبة للتوازن، فإن توازن النوم والاستيقاظ يتتبع حاجتك للنوم. فيذكّر محرك النوم –الثابت- الجسم بالنوم بعد وقت معين وينظم كثافته، بل ويصبح أقوى كل ساعة كنت مستيقظًا فيها، مؤديًا إلى النوم لفترة أطول وبعمق أكبر بعد طول كل فترة من الحرمان من النوم.
وتشمل العوامل التي تؤثر على احتياجاتك للنوم الحالات الطبية والأدوية والإجهاد وبيئة النوم، وما تأكله وتشربه بالتأكيد، لكن لعل أكبر تأثير هو التعرض للضوء، فالخلايا المتخصصة في شبكية العين تعالج الضوء وتُخبر المخ ما إذا كان الوقت نهارًا أم ليلًا.
مقدار ما يحتاج إليه الجسم من النوم
إن حاجة الشخص للنوم وأنماط النوم نفسها اتغير مع تقدم السن، ولكنها ليست قاعدة لوجود اختلافات كبيرة بين الأفراد من نفس العمر، فلا يوجد عدد ساعات النوم سحري يصلح للجميع من نفس العمر.
فالأطفال ينامون مبدئيًا ما بين 16 إلى 18 ساعة يوميً، مما يعزز النمو والتطور -خاصة الدماغ-، في حين يحتاج الأطفال والمراهقون في سن المدرسة في المتوسط إلى حوالي 9.5 ساعات من النوم في الليلة.
في حين يحتاج معظم البالغين إلى 7-9 ساعات من النوم في الليلة الواحدة. ولكن بعد سن الستين، يميل النوم ليلًا إلى أن يكون أقصر وأخف يقطعه استيقاظٌ متعدد لعدة أسباب أخرى.
لكن وبشكل عام، يحصل الناس على نوم أقل مما يحتاجون إليه بسبب طول ساعات العمل وتوفر وسائل الترفيه على مدار الساعة وغيرها من الأنشطة.
وقد يشعر الكثير من الناس أنهم يستطيعون (اللحاق) بالنوم المفقود خلال عطلة نهاية الأسبوع اعتمادًا على مدى حرمانهم من النوم، والذي لا يكون كافيًا حتى إن نام الشخص لفترةٍ أطول من المعتاد.
كان الفن البيزنطي ناتجًا من الإمبراطورية البيزنطية والتي انبثقت من أعماق الإمبراطورية الرومانية القديمة، والتي قامت بقيادة الإمبراطور قسطنطين الكبير الذي أنشأ الطريق للدولة البيزنطية الدينية الجديدة.
بعد تسمية العاصمة البيزنطية بـ (القسطنطينية) تيمنًا باسم الإمبراطور الجديد(قسطنطين) تكريما له، قام بتزيين المدينة بتماثيل يونانية متقنة وفنًا رائعًا من الذهب والرخام والفسيفساء؛ تمجيدًا للدين المسيحي في المقام الاول.
ظلت الإمبراطورية قائمة حتى سقوطها عام 1453 م، وذلك عند استيلاء الأتراك العثمانيون بقيادة محمد الفاتح على العاصمة ذات يوم.
التأثير البيزنطي على الفن الإسلامي
كان للإمبراطورية البيزنطية قوة فنية هائلة، لدرجة أنها ظلت فترة طويلة مؤثرًا رئيسيًا في مجالات الفن والعمارة بعد فترةٍ طويلة من سقوطها.
استقت المناطق الإسلامية من الامبراطورية البيزنطية –مثلًا- مجموعة واسعة من الأساليب الفنية، وقامت بتطبيق فسيفساء متقنة ودقيقة على جدران كل مبنى، والتي تم إنشاؤها على أيدي الفنانين المسيحيين.
وقد أحدثت التجارة بين الحضارتين البيزنطية والإسلامية تبادلًا ثقافيًا هائلًا، فكانت الكنيسة الأولى في دير هوسيوس لوكاس (Hosios Loukas) باليونان –المتضمن على كنيستين- أول ما أظهر ثمار هذا التبادل.
دير هوسيوس لوكاس (Hosios Loukas)، اليونان، بيوسيا، ديستومون.
عندما عبر الدبلوماسيون واللاجئون والتجار والعبيد الحدود بين الحضارتين والديانتين، جلبوا ثقافاتهم الأصلية معهم. ورغم عودة العديد من هؤلاء المهاجرين في وقت لاحق إلى أرضهم الأصلية، أسفر هذا التدفق المستمر للأشخاص عن انتقالٍ سريع وواضح للابتكارات من ثقافة من ثقافة إلى أخرى.
في الوقت نفسه، يمكن رؤية بقايا الثقافة البيزنطية واليونانية في القسطنطينية الحديثة –إسطنبول حاليًا- بوضوح في (آيا صوفيا)، الكنيسة الشهيرة التي تم تحويلها إلى مسجد، وفي العديد من الكنائس الأخرى والقصور.
“آيا صوفيا” كاتدرائية أرثوذكسية شرقية سابقًا قبل أن تتحول إلى مسجد على يد محمد الفاتح، ومن ثم إلى متحف ديني عام 1935م. تركيا، إسطنبول.
وعلى الرغم من وجود التأثيرات المتبادلة بين الحضارات، كان تركيز الفن البيزنطي على الأيقونات بشكلٍ رئيسي، والتي كانت تمثل عادةً صور ليسوع أو مريم، والتي كانت محظورة بشكل عام في الفن الإسلامي.
تعتبر أحد أهم السمات المميزة للعمارة الإسلامية هي الزخرفة القائمة على الكتابة العربية، بدلاً من تمثيل الناس والحيوانات.
واحدة من أشهر الفسيفساء البيزنطية الباقية في آيا صوفيا، صورة المسيح على جدران الرواق الجنوبي العلوي حيث يحيطه من أقصى اليمين مريم العذراء، ومن أقصى اليسار يوحنا المعمدان. 4.08 م× 4.2 م
لكن دعونا الآن نلقي نظرة على التأثير البارز للفن البيزنطي في المجالات التالية.
الهندسة المعمارية
بعد استيلاء العثمانيون على الإمبراطورية البيزنطية، قاموا بدمج عناصرها وأسلوبها المعماري في مبانيهم، والذي شمل تحويلهم للكنائس بشكلها التقليدي إلى مساجدٍ ضخمةٍ ومتميزة.
من أهم الامثلة المعمارية المزينة بالزخرفة الإسلامية البيزنطية هي قبة الصخرة بالقدس، فقد قام البيزنطيون بتزيينها بدعوة من الحكام المسلمين.
تظهر التفاصيل المعقدة الموجودة في الفسيفساء لتلك الفتر، بأن المسلمين كانوا راضين تمامًا بالسماح للفنانين المسيحيين باتخاذ نهج عملي أكثر في الفن في هذا الوقت.
هذا يعني أن بعض المباني الفريدة التي أقيمت خلال هذه الفترة تم بناؤها بالفعل من قبل المسيحيين باستخدام الأنماط البيزنطية التقليدية.
مسجد سليمان القانوني، إسنطبول، تركيا.
الفسيفساء
صنعت الفسيفساء التي تزين جدران العمارة المسيحية الكلاسيكية، وأصبحت فنًا بارزًا آخر انتقل إلى الأراضي الإسلامية.
وكان أحد أهم الاختلافات الرئيسية بين الفسيفساء البيزنطية والإسلامية أن المشاهد الجميلة غالباً ما تم إنشاؤها دون استخدام الأشكال الإنسانية في الفن الإسلامي.
وقد وضع بعض البلاط الشبيه بالفسيفساء بنقوش ثلاثية الأبعاد، والتي كانت مزينة بألوان صريحة وواضحة، في نمط هندسي تجريدي.
صورة مقربة لفسيفساء بمسجد الجمعة في هراة أو ااجامع الكبير في هراة. ولاية هراة، شمال غرب أفغانستان. Image by: Artacoana
السجاد
أنتج نساجو السجاد تصميمات جميلة ومعقدة باستخدام خطوط وحواف مستقيمة، وذلك باستخدام أشكال فنية متأصلة بعمق في المجتمعات الإسلامية، ودمجوا الحلقات المنحنية والمنحوتة بالأرابيسك (أسلوب الزخرفة الإسلامية) في العديد من تصميماتهم في الاحتفالات بالتراث الإسلامي، والذي سيصبح فيما بعد ميزة رئيسية في هذا الأسلوب الفريد.
سجادة أثرية على الطراز الفارسي. Image by Nazmiyal
وكان الطلب على السجاد الإسلامي المرموق متزايدًا بتكليفٍ من الملوك الأوروبية.
الفخار
لعب الفخار دورًا كبيرًا في الأحداث اليومية للفن الإسلامي. وعلى الرغم من الأشكال السابقة صُنعت دون تزجيج، لكن يقال إن أول دمج لتقنيات تزجيج الفخار يعود إلى القرن الثامن.
تأثر الفخار الإسلامي بشدة بالخزف الصيني، ومع أن الأشكال والزخارف تعبر عن أنماطٍ وقصصٍ خاصة بالثقافة الصينية، إلا أن الفنانون المسلمون أعجبوا إلى حد كبير بتصميماتها المعقدة.
استمر المسلمون في صناعة السيراميك باتباع أساليب الصينيين حتى ظهور أسلوب (هيسبانو موريسك) (Hispano-Moresque) الذي خلط العناصر الإسلامية والأوروبية معًا.
كما نرى، فقد استمر الفن الإسلامي في التطور على الرغم من تأثره في بدايته بالفن البيزنطي، وقام بدمج أنماطٍ عديدة من المناطق والثقافات المختلفة في تصميماته، وإنتاج أشكال وزخارف جميلة وفريدة من نوعها.
إن الأمراض العقلية يمكن أن تسببها العديد من الأشياء، فقد تتسبب بها عوامل بيئية أو نفسية أو وراثية. وتؤثر هذه الاضطرابات على القدرة الإدراكية للشخص المصاب. ويعتبر تأثير تلك الأمراض كبير على المصاب وأسرته على وجه الخصوص، فهي اختبار لأساس وقوة الأسرة المتأثرة به والتي يمكن أن تبرز أفضل واسوأ ما فيهم.
و سنرى في هذا المقال بعض الأفعال القاسية التي قد لا تتفق معها ضد الأمراض العقلية، ولكن قبل أن يبدأ أي شعور سلبي لديك في التزايد، يجب أن ندرك أن تلك الأوقات كانت مختلفة، وكان الناس يفعلون ما نفعله إلى يومنا هذا، وهو محاولة البقاء على قيد الحياة.
و يجب أن ندرك أيضًا أن الناس في هذه الأوقات قد تأثروا بشكل كبير بالدين ، فقد كانوا يرون في كثير من الأحيان أن الأمراض العقلية عقاب من الله. ولإعطاء الصورة الكاملة عن سبب قيامهم بما فعلوه، سنحتاج إلى البدء من العصور القديمة.
العصور القديمة
يعود أول دليل على محاولة الأشخاص علاج الأمراض العقلية إلى عام 5000 قبل الميلاد. وذلك بدليل يتضمن جماجم ثلاثية تم العثور عليها بالقرب من المناطق التي توجد فيها الحضارات القديمة. في تلك الأوقات كان هناك الكثير من الأشياء التي لم يفهمها الناس، ولم يدركوا معنى أن يتصرف شخص ما بطريقة مختلفة عنهم، ومع عدم وجود معرفة كافية بالطب وصحة الإنسان، فقد قاموا بإضفاء مواضيع شيطانية على المرضى المصابين بأمراض عقلية، وبدأوا بإجراء بضع أشياء ولكن معظمها كانت وحشية.
أحد تلك هذه الإجراءات كان يسمى “Trephining”، حيث كان يتم إحداث ثقب في جمجمة المريض حيث يمكن للأرواح الشريرة أن تغادر رأسه! وقد تم ذلك باستخدام أدواتٍ حجرية، وبمرور الزمن، تم استخدام تلك الطريقة لتخفيف الصداع النصفي وإصلاح كسور الجمجمة.
لوحة “Cutting the stone” توضح إحداث ثقب بجمجمة المريض. اللوحة بواسطة الفنان: Hieronymus Bosch.
وفي الحضارة البابلية، كان الكهنة يقومون بطقوس لطرد الأرواح الشريرة. فقد كانوا يعاملون الروح الشريرة في بعض الحالات كإنسان محاولين رشوته وتهديده وعقابه، ولقد تم كل هذا بإدراك منهم أنهم يعاملون شخصًا ما، وليس مجرد “روح”.
أما الفرس، فقد اعتقدوا بأن طريقة علاج هذه الأمراض هي أن يكون لديك عقل وجسد وروح خالصة، ولحصول ذلك، عليك أن ترتكب أعمالًا حسنة وأن تكون لديك أفكار جيدة تجاه الأشياء، وذلك في نفس الوقت الذي تحافظ فيه على ممارسة العادات السليمة والمقبولة والمحافظة.
تم استخدام طريقة “Trephining” لعلاج العديد من الأشياء، أهمها هو طرد الأرواح الشريرة من رأس المريض.
أما بالنسبة للمصريين القدماء، فقد كانت طرق علاجهم هي الأفضل في هذه الفترة الزمنية. فقد حاولوا مساعدة المرضى العقليين عن طريق إشراكهم في المجتمع وفي المناسبات التي تتضمن الرقصات والحفلات الموسيقية وغيرها من الأنشطة الاجتماعية المختلفة، والتي قد تؤدي إلى “جعلهم طبيعيين” مرة أخرى. وقد كانت الحضارة الفرعونية في المقدمة بين أقرانها من الحضارات الأخرى في ذلك الوقت؛ وذلك بسبب التقدم الطبي الهائل الذي حدث لديهم، فقد عالجوا الجروح وأجروا العمليات الجراحية بفعالية، وافترضوا أيضًا أن المخ هو مصدر جميع الوظائف العقلية.
ولكن بغض النظر عن مدى جودة علاجهم، فقد افترضوا أيضًا وجود أرواح وقوى غير طبيعية لتسبب تلك الأمراض العقلية.
أما اليونانيون، فقد تحدوا التفكير المعتقد والسائد في ذلك الوقت، وكانوا يقومون بعمل جيد إلى حد ما في هذا المجال. فقد نفى الطبيب “أبقراط” الاعتقاد السائد بأن الأمراض العقلية ناجمة عن قوى خارقة للطبيعة، وأنها نتيجة حوادث طبيعية داخل جسم الإنسان. وقد ادعى الطبيب الروماني “جالين” في وقت لاحق أن هناك أربعة سوائل أساسية يتكون منها جسم الإنسان، وهي: الدم، والبلغم، والعصارة الصفراوية، والصفراء السوداء –وهي مادة اعتقد قديمًا أنها تفرز عن طريق الكلى أو الطحال وتسبب الحزن والكآبة-، والتوليفات المختلفة من هذه السوائل من شأنها أن تبرز شخصية الفرد.
كيف عومل المرضى عقلياً في هذه الفترة الزمنية؟
كانت تعتمد المعاملة بشكلٍ كبير على نوع المرض، وفي تلك الأيام لم تطلق عليها الأسماء بعد، لذلك لا يمكننا أن نعرف حقًا كيف كان رد فعل الناس لكل مرض. لكن الأفعال كانت من نصيب المشرفين على هؤلاء المرضى، وقد اختلف نوع من يشرف على المريض بناءً على مدى ضرر المريض لنفسه وعلى من حوله. فإن لم يتمكن من الاندماج في المجتمع لكن بدون أن يتسبب بأضرار فمن المرجح أن يكون تحت إشراف أحد أفراد الأسرة أو خادمة أو صديق مقرب في المنزل. أما إن كانت لديك ميول عنيفة ضد نفسه أو ضد من حوله، وشعرت عائلته بالخزي الشديد منه، فسيتم تركه وحيدًا منبوذًا ليتجول في العالم.
العصور الوسطى
تم ربط الممارسات الطبية بالمسيحية في أوروبا في العصور الوسطى، وهذا يعني المزيد من الأرواح الشريرة والتعذيب. فكان الناس ما زالوا يعتقدون أن السوائل (المذكورة أعلاه) هي المتسببة في الأمراض، ولإعادة التوازن إلى الجسم، تم إعطاء المرضى أدوية مسهلة، ومحفزة للقيء -باستخدام التبغ الذي استوردوه لاحقًا من أمريكا-، بالإضافة إلى إستخراج الدم باستخدام الحجامة أو العلق.
وقد صنعوا مستحضرًا يسمى “Hiera Logadii” وهو مزيج من الخربق الأسود والحنظل والصبار اعتقدوا بأنه يقوم بشفاء الشخص من الاكتئاب. وكان استخراج الدم علاجًا طبيًا شائعًا، وذلك باستخدام أي شكل يؤدي إلى النزيف، وقد تضمن ذلك استخراج الدم من الجبهة أو الأوردة أو الرأس.
لوحة توضح إحداث نزيف عن طريق الأوردة لمعالجة الأمراض العقلية.
وقد تم استخدام شكل فريد من نوعه لعلاج الصدمات خلال العصور الوسطى حيث تم إلقاء المرضى في المياه الباردة بحيث لترجع إليهم الحواس عن طريق الصدمة. وقد تركت رعاية المرضى العقليين عمومًا لعائلة الفرد، على الرغم من حدوث بعض التدخلات الخارجية (الكنيسة)، وكانت الإساءات مثل الضرب والتعذيب والنفي شائعة؛ بسبب وصمة العار المرتبطة بهذه الأنواع من الأمراض، بل وقامت العديد من الأسر بحبسهم في الأقبية وقد لجأت أسر أخرى إلى أقفاص وذلك تحت سيطرة الخدم.
وفي الصين، كان يعتقد أن المرض العقلي نتيجة لسلوك غير أخلاقي من قبل الفرد أو من أقربائه! وكان يعتقد أن المرضى يحملون “مصيرًا سيئًا”، لكن الأسوأ انهم اعتقدوا بأنه معديًا كحال معظم الأمراض غير العقلية. وكان الضرب يقام دائمًا على أمل أن العقاب البدني سيشفي من المرض الكامن بالفرد. وقد تم نفي الأشخاص الذين كانوا يعتبرون مصدر إزعاج بمرضهم ذلك خارج المدينة، أو إرسالهم إلى أقرب قرية مجاورة. وبعض المدن كان بها أبراج لسجن الشخص المريض. وقد تم وضع المرضى في غرفٍ خاصةٍ فيها تسمى “narrenturme”.
المستشفيات العقلية
لم يعالج الجميع المرضى بهذه الطريقة، فقد أنشئت بعض الأماكن لعلاج او استقبال المرضى، فقد كانت الأديرة على سبيل المثال ملاذاً مرحبًا بهم. و في فلاندرز، أنشأ مواطنو مدينة “جيل” ضريحًا للقديس (ديمفا) والذي أصبح مسكنا لإيواء المرضى العقليين، وهي موجودة حتى يومنا هذا. ويعد تاريخ أول مستشفى تم إنشاؤها لعلاج الأمراض العقلية إلى عام 792 ميلاديًا في بغداد.
واحدة من أكثر المستشفيات العقلية شهرة في العصور الوسطى هي “مستشفى القديسة مريم في بيت لحم”. وقد سميت في وقت لاحق باسم Bedlam، وقد أصبحت أكثر شهرة بعد استقبال المزيد من الأشخاص. وهي موجود إلى الآن في لندن باسم “Bethlem Royal Hospital”. وقد جاء التحسن في نهاية المطاف في مجال الأمراض العقلية في القرن التاسع عشر، حين بدأ الأطباء ينكرون الاعتقاد بأن الفرد يمكن أن يكون مريضا بسبب مظهر من مظاهر الأرواح الشريرة.
لكن لا يمكننا الحكم عليهم لافتقارهم إلى المعرفة في مجال الصحة العقلية، فقد كانوا يحاولون المساعدة باستخدام المعلومات المقدمة لهم في ذلك الوقت، وإذا لم تتم تلك المحاولات، فلن نكون وصلنا إلى ما نحن عليه هنا اليوم، طبياً وتقنياً.
يعد الفن الفارسي من أقدم وأعرق الفنون القديمة. وكانت بلاد فارس (إيران الآن) واحدة من الدول التي غزاها المسلمون في القرن السابع، والتي تقع في جنوب غرب إيران الآن.
ظهر العصر الذهبي لـ الفن الفارسي خلال القرنين التاسع والعاشر، حين حكمت الإمبراطورية الساسانية في عام 651 وانتهى حكمها بالفتح الإسلامي لبلاد فارس.
أنشأ الفرس إمبراطورية هائلة تمتد من وادي السند إلى شمال اليونان، ومن آسيا الوسطى إلى مصر، وكانت أول إمبراطورية عرفت بالديانات واللغات والمنظمات السياسية المختلفة لمواطنيها.
تبادلت الثقافات ومجموعات الفنون بين تلك الدول على نطاقٍ واسع، وخصوصًا شمال إفريقيا مماأدى إلى خلق نوعٍ من الفن يُعرف بالفن الإسلامي، لكن لم يكن بالضرورة كل من شارك فيه مسلمين سواء من الدول أو الفنانين.
كان الفرس من أكثر تلك الدول نفوذاً بين تلك الدول الإسلامية بسبب خلفيتهم في الفن والعمارة.
أصبح تأثير إيران واضحًا في الأدب العربي، فقد تم نقل العديد من الأساطير والحكايات عبر إيران إلى العالم العربي، ومنه إلى أوروبا الغربية. وقد شمل هذا التأثير: الفن المرئي والعمارة والموسيقى والطب.
رُسمت لوحات الكتب –الممنمات- لشخصيات حيوانية لتصوير الإخلاص والغدر والشجاعة- والتي أدت لانتشار الخط الفارسي الذي أصبح دراسته أحد أكثر التخصصات المرغوبة حتى الآن.
سمات الفن الفارسي
بعد أن أصبحت فارس جزءًا من الإسلام، تطورت فنونها البصرية وفقًا للقواعد الإسلامية، ويعد أحد أهمها هو حظر تصوير الكائنات الحية ونحتها، مما أدى إلى انخفاض فوري في النحت الفارسي، وإجبار اللوحة الفنية على أن تصبح زخرفية أكثر.
مع ذلك، استمرت الأشغال المعدنية والفن الزخرفي والسيراميك والنسيج بالازدهار، بالإضافة إلى اعتبار الخط العربي والأزهار والتصاميم الهندسية أساس هذا الفن.
يمثل الشكل التالي التصاميم المستوحاة من الأزهار:
كُتبت وحفرت الكلمات بالخط العربي باعتبارها وسيلة الوحي الإلهي، فقد حفرت على الجدران وحول القباب وذلك باستخدام القواعد الهندسية. وطُبقت أصول الفن الفارسي بعدة أشكال:
الفسيفساء
استخدمت الفسيفساء والزخارف الأخرى على نطاق واسع في المساجد والمباني الأخرى، فكانت الأسطح الملونة بالأزرق والأحمر والأخضر المستخدمة في البلاط الخزفي، جزءًا من الهندسة المعمارية الفارسية.
التذهيب والخط
مثال على التذهيب الفارسي.
ومع منع رسم الأشكال الحية، طوّر أحد أشكال الفن الإسلامي الشعبي في بلاد فارس وهو ما يسمى بالتذهيب، وهو زخرفة المخطوطات والنصوص الدينية وخاصة القرآن.
الفن الفارسي والمغول
حين غزا المغول إيران تحت قيادة جنكيز خان، بدأت حقبة فنية جديدة بشكلٍ جديد، فقد شكلت هذه الحقبة العديد من السلالات طوال القرن الثالث عشر، وذلك بسبب تقسيم الإمبراطورية بين أبناء جنكيز خان.
نتيجة لذلك، ساهمت كل أسرة في الفن وساعدته على النمو مما أدى إلى ظهور العصر الذهبي للفن الفارسي وخصوصًا الرسم.
كانت الرسوم التوضيحية (Illustrations) والخط هي التخصصات الرئيسية التي انتشرت على نطاق واسع في زمن الفن الفارسي، بالإضافة إلى اللوحات التي مثلت ثقافة المغول، رغم وجود انتقادات ضد عرض الفرس كأشخاص مغوليين في ذلك الوقت.
التصوير والمنمنمات
حوالي عام 1150، ظهرت العديد من مدارس الفن الديني والتي تخصصت في تصوير المخطوطات من مختلف الأنواع، وكلها موضحة برسومات مصغرة.
مخطوطة من كتاب “عجائب المخلوقات وغرائب الموجودات” للقزويني. دار الكتب والوئاثق القومية. مصر، القاهرة.
تطور هذا الشكل الفني ليصبح تقليدًا فنيًا مهمًا في إيران ليصبح اسمه (فن المنمنمات).
كان الفنان الفارسي بهزاد من أشهر رسامي المنمنمات، والذي أصبح رئيس أكاديمية (هيرات) للرسم والخط في نهاية القرن الخامس عشر. وقد تم تنفيذ لوحاته ذات المناظر الطبيعية بأسلوب واقعي باستخدام لوحة ألوانٍ غاية في الزهو واللمعان.
منمنمة للفنان كمال الدين بهزاد، 1488.
أصبحت حينها بغداد وهيرات وسمرقند وبخارى وتبريز مراكز الفنون الرئيسية.
تطور فن المنمنمات في بلاد فارس بشكل ملحوظ، وقد ارتبطت إيران بالصين من خلال التبادلات التجارية التي يشار إليها عادة باسم طريق الحرير، والذي كان فعالًا ليس فقط للتوسع في التجارة، ولكن في تبادل الأفكار الفنية أيضًا.
توسعت العلاقة أكثر بين الفنانين الصينيين والفرس بعد غزو المغول للصين وإيران.
أما الفنانين، فقد تعاونوا في تحسين فن المنمنمات وجعلوه فنًا شائعًا لزخرفة الكتب وصنع الصور لشخصيات أسطورية وعائلات ملكية، بالإضافة لمشاهد الصيد والمعارك والاحتفالات.
سمات المنمنمات
في المنمنمات الفارسية التقليدية، لا يتم تطبيق مبادئ المنظور، فالفنان يعتقد أن المنظور هو وهم بصري، ولكي يتمكن من الوصول إلى الوسط الإلهي عليه أن يمتنع عن مراعاة مبادئ المنظور.
ومن الخصائص الأخرى لهذا الفن، أنه يستخدم النقاط لإنشاء ظلال، كما هو الحال في بعض أعمال الانطباعيين، وفي فن البوب.ومع ذلك، لم تجد المنمنمات الفارسية مكانا في الهندسة المعمارية والديكور للمباني الدينية، فكان عالم الهندسة هو المصدر الرئيسي لإلهام الفنانين لتزيين المساجد ومدارس العلم الشرعي والأضرحة.
ومن أهم المميزات لهذا الفن أنه يتمتع بدقة عالية في التفاصيل. فقد كان الفنان الفارسي يتجنب الفراغ في فنه لنجد أن كل جزء من العمل الفني يحمل تفاصيل مستقلة عن العمل بأكمله.
الفن القديم والفن الآسيوي الفن الصيني والفن الياباني
أنجبت القارة الآسيوية الضخمة أنواعًا عديدة من الفنون التي تسبق أي شيء ينظر إليه في الغرب لكن يعتبر أهمها الفن الصيني والفن الياباني.
Dogū – 1000 BC – 400 BC One of several small Japanese statues in which human and animal are combined. Tokyo Museum, Japan.
كان للفن الصيني تأثيرًا كبيرًا على الفنون والحرف اليدوية الأخرى في دول شرق آسيا كالهند واليابان، وعلى الرغم أن الأخيرة حققت شهرة عالمية في مجالات متنوعة كالخزف وطي الورق (الأوريغامي) والتصوير بالحبر ونحت الخشب.
وقد تطور الفن الهندي -والذي تميز بطول العمر الاستثنائي- بشكل أكثر استقلالية عن الفن الصيني على الرغم من تأثره بشدة بالنحت اليوناني والفن الإسلامي الفارسي.
الفن الصيني
انتجت الصين فنًا متنوعًا على مدار آلاف السنين، وعلى الرغم من التطور المستمر للتقنيات والتغيرات الكثيرة للخامات والأذواق بالإضافة لتأثير الأفكار الجانبية الفردية، يوجد بعض الصفات الكامنة في الفن الصيني والتي تجعل معرفته وتمييزه ممكنًا بشكل واضح، بغض الظر عن مكان وزمان إنتاجه.
وتشمل تلك الصفات الأساسية حب الطبيعة، والإيمان بالقدرة الأخلاقية والتربوية للفن، بالإضافة للإعجاب بالبساطة وتقدير كل ما تنجزه الفرشاة.
وقد لوحظ الولاء للعناصر والتصاميم المستخدمة بشكل كبير، كأوراق اللوتس والتنانين.
أثر الفن الصيني تأثيراً هائلاً على جيرانه في شرق آسيا، ولا يزال التقدير العالمي لإنجازاته، لكن الفرق المهم بين الصين والعديد من الثقافات القديمة الأخرى هو أن نسبة كبيرة من الفنانين الصينيين لم يكونوا محترفين، بل كانوا هواة.
طلاب الفيلسوف (كونفوشيوس) بمعرفتهم لمبادئه الرصينة مَن نشروا الشعر كرجال أدب، وكان الفن بالنسبة للصينيين عمومًا وسيلة لالتقاط وعرض النهج الفلسفي في الحياة، لذا غالباً ما كان الفن الذي أنتجوه ضئيلًا أو متقشفًا فنيًا قليلًا للعين الفنية الغربية.
كان الفن طوال تاريخ الصين يُقصد به التعبير عن الشخصية الجيدة للفنان وليس مجرد عرض لمهاراته الفنية العملية.
كانت الفنون الحقيقية الصينية هي الخط والرسم، وقد تمت طباعة النصوص لتوجيه الناس حول تاريخ الفن الصيني مع معلومات مفيدة لمزايا الفنانين السابقين، فأصبح شكل الفن موحدًا بطريقةٍ ما باتفاقياتٍ يجب الالتزام بها، وذلك حين نسخوا فنون القدماء للتعلم منها.
واحدة من أشهر النصائح حول الفن الأكثر شهرة وطويلة الأمد، هي القائمة المكونة من ست نقاط للناقد والمؤرخ في القرن السادس الميلادي (شي هي).
عند النظر في مزايا اللوحة ، يجب على المشاهد تقييم ما يلي (والنقطة الأولى هي الأكثر أهمية):
صدى الروح وانعكاسها، أي وجود الحيوية في اللوحة.
حركة العظام (الجسد)، أي طريقة استخدام الفرشاة.
الاتصال بين الفنان والعنصر، وهو إتقان الأشياء لتأخذ شكلها.
جدارة طريقة الكتابة، والتي تتعلق بوضع طبقات الألوان.
التقسيم والتخطيط ، أي أهمية الترتيب.
وراثة طباع الفن القديم، وذلك بنسخ النماذج الفنية القديمة.
وقد كانت هذه القواعد صارمة نسبيًا لإنشاء الفن وتقديره؛ للاعتقاد بأنه يجب أن يفيد المشاهد بطريقة أو بأخرى.
لكن هذا لا يعني أنه لم يكن هناك من تجاهل الاتفاقيات وخلق أعماله بطريقته الفريدة، كحال أي فن في العالم. فقد سُجلت حالات لفنانين رسموا على أنغام الموسيقى ولم يرمقوا حتى إلى اللوحة بنظرةٍ أثناء الرسم، ولشخص آخر لم يرسم إلا وهو في حالة سكر، وذلك باستخدام قبعته قبعته بدلاً من الفرشاة!
هناك أيضًا من استخدم أصابع يده وقدمه للرسم، حتى أن واحدًا قام برش حبر على الحرير على أرضية الاستوديو، وقام بجر مساعدٍ له فوقها!
التصوير الصيني
رسم الصينيون بمواد مختلفة العديد من الأشكال، وقد رسموا على الجدران والتوابيت والصناديق، وقاموا بتزيين لفائف الحرير المحمولة في اليد أو المعلقة على الجدران، بالإضافة لأغلفة الكتب، لكن كان على كل فنان أن يصنع أحباره الخاصة بشق الأنفس لعدم وجود إنتاجٍ تجاريٍ لها.
أما الموضوعات الأكثر شيوعًا للوحة الصينية هي الصور الشخصية (البورتريه) والمناظر الطبيعية. وقد تمتعت لوحات الوجوه بضبطٍ وإتقانٍ شديدين؛ لأن الشخص المرسوم عادةً ما كان عالمًا أو راهبًا أو مسؤولًا في المحكمة.
مما دعاهم لتصوير تلك الشخصيات الأخلاقية باحترام، لتخرج لنا النتيجة بتلميحات واضحة للعاطفة، أو معبرة بشدة عن السمات الشخصية بمهارة.
تفصيلة من لوحة جدارية في مقبر “هان” لامرأتين. 25-220 م. Zhengzhou, Henan province, China.
خُصص فرع كامل لرسم الشخصيات التاريخية في بعض المشاهد التعليمية من حياتهم، وذلك لإظهار السلوكيات الأخلاقية بشكلٍ واضحٍ في اللوحة.
بطبيعة الحال، كانت هناك لوحات أكثر واقعية يمكن رؤيتها في اللوحات الجدارية للمقابر، بالإضافة للوحات للحياة الأسرية الصينية والتي وضعت عادةً في حدائق البيوت.
أما المناظر الطبيعية، فقد كانت موجودة طوال فترة وجود الفنانين لكنها قد انطلقت عندما اهتم الفنانون أكثر بمكانة الإنسانية في الطبيعة.
عادةً ما قصد بلوحات المناظر الطبيعية التقاط موسم معين من السنة، ولا ينبغي أن تفاجئ عند رؤية هيمنة المياه والجبال على تلك اللوحات؛ فجملة “منظر طبيعي” باللغة الصينية تترجم حرفيًا إلى “الجبال والمياه”.
وفقًا للإيمان بأهمية التفكير والتأمل في الطبيعة الهادئة، فنادرًا ما وجد أي شيء يزعج هدوء لوحات المناظر الطبيعية، كالعمال مثلًا والزراعيين.
كانت اللوحات التفصيلية لحيوان أو زهرة أو طائر مشهورة بشكل خاص، وأصبحت بعض الحيوانات رمزية لبعض الأفكار، فقد أشير إلى الزواج السعيد بزوج من بط الماندرين، ورسمت الغزلان إشارة للمال، حين دلت الأسماك على الخصوبة والوفرة.
نفس الشيء للنباتات، فالخيزران ينمو بشكل مستقيم وصحيح؛ كما ينبغي أن يكون عليه الباحث الجيد، ويمثل الصنوبر والسرو القدرة على التحمل، أما الخوخ فيعبر عن طول الدوام.
النحت الصيني
أما بالنسبة للنحت، فقد اتخذ معاييرًا أخرى لا تقل جمالًا عن سابقتها، لكن للأسف لم تنج أعمال كثيرة مه، لكن لا يزال من الممكن رؤية بعض الأمثلة الضخمة مثل تلك المقطوعة من الوجه الصخري في كهوف Longmen، ومعبد Fengxian بالقرب من لويانغ.
يوجد مثال آخر من أشهر ما أنجب النحت الصيني وبمقياس الحجم الطبيعي للإنسان، هو “جيش التيرا- كوتا”، وهو عبارة عن أكثر من 7000 محارب و 600 خيل، بالإضافة للعديد من العربات؛ وذلك لحراسة مقبرة الإمبراطور (تشين).
“Terracotta Army”
وما يميز تلك القطع الفنية هو المجهود الجبار المبذول لجعل كل شخصية فريدة على حدى، على الرغم من أنها مصنوعة جميعها من أجزاء مجمعة محدودة من الجسم والمصنوعة من قوالب، لكن تم إعطاء وهم أن الجيش لشخصيات حقيقية مكون بأفرادٍ مختلفين، بتعديلات ماهرة وبسيطة لكلٍ من الوجه والشعر.
الفن الياباني
جاء محو الأمية إلى اليابان عبر الصين، وتم اعتماد نظام الكتابة الصيني على الرغم من أنه تم تطوير أبجدية صوتية، وكما هو الحال في الصين، كانت النتيجة أن الرمزية المرتبطة بالنباتات والحيوانات وغيرها من الأشياء أثرت بشدة على محتوى ومعنى الفن الياباني والتصميم.
بعد القرن الرابع عشر، تطورت اللوحة اليابانية بطرق مختلفة، وأصبحت تلك الاختلافات واضحة حين عزلت اليابان نفسها عن العالم الخارجي (خلال القرنين 17 و 19).
تميل اللوحة اليابانية إلى أن تكون كلا الشيئين: أكثر تجريدية وأكثر طبيعية وواقعية من نظيرتها الصينية، ويميل النمط الياباني عمومًا إلى التقليل من الأساسيات بمحاولة لالتقاط الشكل والخصائص الأساسية لموضوع معين.
كما طور أسلوب الرسم المسمى “Ukiyo-e” والذي أصبح معروفًا للغربيين بشكل رئيسي من خلال المطبوعات المحفورة على الخشب في القرن التاسع عشر، طرقًا مميزة ومثيرة لاستخدام الخط واللون في المناظر الطبيعية والبورتريه وغيرها من الموضوعات.
Example for (Ukiyo-e). “The Great Wave off Kanagawa”, 1615–1868, color woodblock print.
تطور فن المناظر الطبيعية إلى مستوى عالٍ، حيث خلقت الترتيبات المصممة بعناية وَهم تم فيه التقاط جوهر الطبيعة. وقد تم عزل الزهور الفردية أو الأشجار وغيرها من النباتات والحيوانات وحتى الحشرات، بالطريقة نفسها؛ في سياق الرمزية المرتبطة بكل لوحة.
النحت الياباني
تعتبر اليابان خزانة لبعض أعظم المنحوتات في العالم، وكلها دينية تقريبًا، وتعتمد بشدة في البداية على نماذج من الفن الصيني.
ينقسم التاريخ الياباني قبل أن تأتي البوذية إلى ثلاثة عهود رئيسية، وبدأت من هذه الفترات في الغالب النحت الخزفي الصغير.
التصوير بالحبر – Zen-Ink Painting
اشتهر اليابانيون بطريقة التصوير والتلوين بالحبر الأسود، والتي تسمى Zen-Ink Painting. واعتمدت الطبقة المحاربة على ذلك النوع من الفن.
فقد تأسست أخلاقيات الساموراي (المحاربين) وبراعتهم على مبادئه، فكان يجب أن تكون ضربات الساموراي عفوية وفورية، دون أي تفكير يتداخل بين الهدف والفعل، وكان ذلك مضمون تلك التقنية الفنية.
وبحلول القرن الرابع عشر، سيطرت تلك التقنية على الفنون في اليابان حيث هيمنت على الفن الآسيوي كله. وقد استخدم الحبر الصيني الأسود الخالص كالوسيط الرئيسي، وقد تم رسم المواضيع أيضًا من المرجع الصيني، كالمناظر الطبيعية وفصول السنة والبورتريهات.
كانت تلك التقنية مرهفة الحس للغاية، وذلك أثناء إنشاءها ومشاهدتها، وهي تتطلب الكثير من الجمال والرؤية مباشرة، باعتبارها انعكاس عفوي حساس للطبيعة على الورق، وقد تم تحقيق ذلك من خلال تقنيات التأمل العديدة.
تميز فن الحبر الياباني بالاستخدام المتكرر للمواضيع الشائعة كالدينية، لكن من المهم أن نلاحظ هنا أنه على الرغم من أن اللوحات لشخصيات دينية، فإنها عادة ما تجعل الموضوع إنسانيًا تمامًا وخاليًا من العديد من زخارف الدين.
لعل أكثرالموضوعات شهرة بتلك التقنية هي المناظر الطبيعية، لكن يكمن التميز هنا بأن الموقف الآسيوي عمومًا تجاه قوة الطبيعة قام بتشريب تلك اللوحات بروحانية معينة، غير شائعة في المناظر الطبيعية الغربية.
في كثير من الأحيان تم تصوير شخصيات أخرى من الطبيعة كالطيور والخيزران والأشجار، بنفس الجودة الروحية.
ما ذكرناه آنفاً هو ما ميّز الفن الصيني والياباني بحق.
كان الفن الروماني القديم واسعًا ومنتشرًا للغاية، فقد امتد إلى ما يقرب من 1000 عام بين ثلاث قارات، أوروبا وإفريقيا وآسيا. ويعود تاريخ الفن الروماني إلى عام 509 ق.م مع تأسيس الجمهورية الرومانية، واستمر حتى عام 330 م.
بدأ الفن الروماني بصب الكثير من الثقافات في مدينة روما باعتبارها بوتقة انصهار حضارية، ولم يكن لدى الرومان أي قلق بشأن التأثيرات الفنية الأخرى من ثقافات البحر المتوسط التي أحاطت بها وسبقتها.
من الشائع أن نرى التأثيرات اليونانية والمصرية والإتروسكانية -حضارة قديمة عاشت في إيطاليا- على جميع أشكال الفن الروماني.
عندما أدرك النقاد أن عدد كبير من أفضل القطع الرومانية كانت في الواقع نسخًا، أو على الأقل مستوحاة من الأصول القديمة التي فُقدت، بدأ تقدير الفن الروماني -بعدما ازدهر جنبًا إلى جنب بجانب فنون العصور الوسطى وعصر النهضة– بالنزول.
على الرغم من أن روما ظلت لفترة طويلة مركزًا للفن الروماني، ظهرت حينها مراكز عديدة لإنتاج الفنون متبعة اتجاهات وأذواق خاصة بها، لا سيما في الإسكندرية وأنطاكية وأثينا.
نتيجة لذلك، جادل بعض النقاد في أمر عدم وجود شيء اسمه (الفن الروماني).
تطور الفن الروماني
من الجدير بالذكر أن القطع الفنية المنتمية للمدن التي غزاها الرومان سُلبت وتمت إعادة عرضها على الجمهور.
تم إنشاء المدارس الفنية في جميع أنحاء الإمبراطورية تحت تدريس الفنانين الأجانب، بالإضافة لنشر ورش العمل في كل مكان، وقد أصبح الفن متعلقًا بشكلٍ شخصي بالأفراد والأفكار، وذلك للزيادة الكبيرة لرعاة الفنون من الجهات الخاصة، بدلاً من رعاية الدولة.
يظهر ذلك جليًا في الأشكال النابضة بالحياة للأفراد في اللوحات والمنحوتات. وعلى غير عادة الحضارات السابقة، أصبح الفن متاحًا لجميع طبقات المجتمع وليس للأثرياء فقط.
العلاقة بين الفن الروماني واليوناني (الإغريقي)
كثيرًا ما اختلط علينا الأمر بين الفنين اليوناني والروماني؛ وذلك لأن الفن اليوناني أثّر تأثيرًا قويًا على الممارسات الفنية الرومانية، وعلى الرغم من غزو روما لليونان، فقد أخذت روما الكثير من التراث الثقافي والفني منها، معتمدةً عليها في إنتاج أكثر أعمالها شهرة.
كُلِّف العديد من الرومان بإصدار نسخ من الأعمال اليونانية الشهيرة تعود لعدة قرون سابقة؛ مما نراه الآن في إصداراتٍ رخاميةٍ رومانية، من تلك الأصول البرونزية اليونانية المفقودة، مثل تمثال “Doryphoros” للفنان (Polykleitos).
نسخة من تمثال “Doryphoros” من العصر الروماني للفنان (Polykleitos). متحف نابولي الأثري الوطني. المادة: الرخام. الارتفاع: 2.12 متر (6 أقدام و 11 بوصة).
ولم يؤمن الرومان -كما نفعل اليوم- أن نسخة العمل الفني تقل قيمة من العملي الأصلي، لكن رغم ذلك صُنعت النسخ في أغلب الأحيان بتغييرات بسيطة عليها، ولم تكن نسخًا مباشرة.
وقد تم إجراء تلك التغييرات على سبيل الدعابة، وذلك بتحويل العنصر الجاد و”البائس” في الفن اليوناني رأسًا على عقب.
لذا فالفنان الروماني لم يكن مجرد ناسخ، بل تكيف بطريقة واعية ورائعة مع الثقافات الأخرى، فتلك القدرة الإبداعية على التحويل وجمع العناصر وإضافة لمساتٍ من الفكاهة، هي ما جعلت الفن الروماني “رومانيًا”.
سمات الفن الروماني
أعتنق فنانو العصر الروماني الفن الكلاسيكي بشكلٍ مذهل، والذي أخذوه عن الفن اليوناني بفترتيه: الكلاسيكي والهيلينستي.
وتشمل تلك العناصر الكلاسيكية عدة خصائصٍ، منها:
الخطوط الناعمة والأقمشة الأنيقة
الأجسام العارية المثالية
الأشكال الطبيعية بشكلٍ مبهر، والنسب المتوازنة
والتي أتقنها الإغريق على مدار قرونٍ من الممارسات الشاقة.
وقد ولع معظم أباطرة الرومان بالفن الكلاسيكي، فقد تم صنع تمثال “Augustus of Primaporta” في نهاية حياة الإمبراطور “Augustus“، ورغم ذلك جسّده التمثال في فترة الشباب وأظهره بوسامة مثالية وجسم رياضيّ، وتم استخدام جميع سمات الفن الكلاسيكي عليه.
“Augustus of Primaporta”، القرن الأول الميلادي. متاحف الفاتيكان. حقوق ملكية الصورة: Steven Zucke.
وكان الإمبراطور “Hadrian” معروفًا باسم ” philhellene”، أي العاشق لكل ما هو يوناني! فقد بدأ في ارتداء “لحية الفيلسوف” اليونانية في ظهوره الرسمي أمام الشعب، والتي لم يكن سمع أحد بها من قبل هذا الوقت، وقام بتزيين قصره بالكثير من اللوحات اليونانية المشهورة.
لكن بعد ذلك، بدأت الإمبراطورية بالابتعاد عن التأثيرات الكلاسيكية السابقة والرجوع لفنون العصور القديمة، والذي نراه واضحًا في منحوتة (Chariot procession of Septimus Severus).
وقد شملت خصائص الفنون القديمة عدة أشياءٍ، أهمها:
الإظهار بواجهةٍ أمامية
صلابة الأقمشة والملابس وعدم انسيابها
الخطوط العميقة المحفورة؛ مما يجعل الشكل يبتعد عن الطبيعة
ظهور الأشخاص كمجموعات وقلة الفردية
Chariot procession of Septimus Severus، تعود لعام 203 ق.م. متحف القلعة، طرابلس، ليبيا.
وقد شمل الفن الروماني مجموعة واسعة من الوسائط والخامات، فقد تضمن أعمالًا من التصوير الجداري (الفريسكو) والفسيفساء والرخام، وأنتج الكثير من الأعمال الفضية والبرونزية وغيرها، بالإضافة لاستعماله الأحجارِ الكريمة.
وذلك بالإضافة لاهتمامهم بالفنٍ المصنوعٍ خصيصًا للمنازل، والذي قام ملّاكها بعرض الأعمال الفنية فيها للجمهورِ والزوار، بغرض العرض والتعليم.
أخذت الزخارف اهتمامًا كبيرًا في منازل ذلك العصر، وتم دمج جميع اللوحات الجدارية والفسيفساء والمنحوتات بسلاسة مع العناصر الفاخرة الصغيرة كالتماثيل البرونزية والأوعية الفضية.
أما بالنسبة للمواضيع التي استخدموها، فقد تراوحت بين عدةٍ شائعين:
تماثيل الأسلاف المهمة والمشهورة
المشاهد الأسطورية والتاريخية
الطبيعة الصامتة والمناظر الطبيعية
وقد أدى استخدام تلك الأفكار لخلق فكرة رئيسية عند الجمهور تعبر عن مدى وسع معرفتهم الفكرية، وكأنما نقعوا في الثقافة نقعًا.
النحت الروماني
صنع النحاتون الرومانيون نسخهم الشهيرة من روائع وأعمالٍ لا تقدر بثمن من اليونان القديمة؛ والتي كانت ستخسر تمامًا وجودها في الفن العالمي، وقد خُصصت مدارس لنسخ الأعمال اليونانية الأصلية الشهيرة، في أثينا وروما نفسها.
فضّل الرومان البرونز والرخام على أي شيء آخر على أعمالهم، وقد أنتجوا أيضًا نسخًا مصغرة من النسخ الأصلية اليونانية، والتي جُمعت من قبل عشاق الفن ووضعها في المنازل.
لكن بحلول منتصف القرن الأول الميلادي، بدأ الروم بالابتعاد عن جذورهم اليونانية فسعى الفنانون لالتقاط وإنشاء تأثيرات بصرية للضوء والظل من أجل واقعية أكبر.
نُحتت التماثيل النصفية باهتمامٍ أكبر بالتجاعيد والندوب لتحاكي الحقيقة، بالإضافة لجعلهم التماثيل الكبيرة أكثر ضخامة.
التصوير الجداري الروماني
كانت التصميمات الداخلية للمباني الرومانية بدميع أنواعها مزخرفة بألوان وتصاميم جريئة، والتي تراوحت بين تفاصيلٍ معقدة وواقعية إلى الأشكال الانطباعية. وقد وجدت في المباني العاملة والمناز والمعابد والمقابر، وصولًا للهيئات العسكرية.
تفصيلية من لوحة جدارية لحديقة في الهواء الطلق من غرفة الطعام من قصر “Livia” زوجة أوغسطس. قصر ماسيمو، روما، إيطاليا.
فضل رسامو الجدران الرومان ألوان الأرض الطبيعية، مثل الدرجات الداكنة من الألوان من الأحمر والأصفر والبني، وقد استخدمت الأصباغ الزرقاء والسوداء أيضًا في التصاميم البسيطة.
شملت موضوعات التصوير الجداري مشاهد من الأساطير والطبيعة، بالإضافة لاستخدامهم المنظور المعماري لإضفاء خداعٍ بصري، بالإضافة للنباتات والحيوانات.
قام الرومان بتصوير المناظر الطبيعية ومناظر كاملة للمدينة بتقنية البانوراما وبزاوية 360 درجة بشكلٍ مذهل، والتي نقلت المشاهد من حدود غرفته الصغيرة إلى عالمٍ لا حدود له من خيال الرسام.
من الأمثلة البارزة على ذلك، بيت ” Livia” في روما والذي يتضمن بانوراما لحديقة تم صنعها بشكل انطباعي، والذي يدور حول غرفةٍ واحدة بشكل كامل متجاهلًا الزوايا تمامًا.
أغراض الفن الروماني
تم استعمال الفن الروماني لعدة أغراض، منها: العسكري والديني والجنائزي. أما العسكري، فقد قامت الأعمال التذكارية ذات الوظيفة التعليمية والاحتفالية باحتلال مكانة كبيرة في فن ذلك العصر.
عبّرت الأقواس والأعمدة -مثل قوس تيتوس (Arco di Tito) وعمود تراجان (Trajan’s Column)- عن الانتصارات والحروب والحياة العسكرية عن طريق تصوير الأراضي الأجنبية وأعداء الدولة أحيانًا.
عمود تراجان أو “Trajan’s Column”. من أشهر المعالم الأثرية الرومانية، يرجع لعام 113 م . روما، إيطاليا.
ثم تم التعبير عن الفن الديني في العصر الروماني بشدة –كحال كل الفنون القديمة-. فقد صنعت تماثيل غاية في الجمال للعبادة تمثلت في آلهتهم: ك ڤينوسوجوبيتر.
شقت ديانات وآلهة من ثقافات أخرى طريقها للعاصمة الرومانية، كالإلهة المصرية “إيزيس” والإلهة الفارسية “ميثراس” حتى وصول المسيحية في نهاية المطاف.
جلبت كلًا من هذه الديانات مجموعاتها الفريدة من القطع الفنية إلى الثقافة الرومانية؛ لنشر عبادتها وتعليم أتباعهم.
أما بالنسبة للفن الجنائزي، فقد ترك الرومان وراءهم صورًا عرفتهم كأفراد معروفين بعد موتهم، وغالبًا ما أكدت الصور الجنائزية على السمات الفريدة للأشخاص، أو الآلهة المفضلة لديهم.
استخدم الفن الجنائزي الروماني العديد من الخامات وامتد على جميع الفترات، وقد تضمن عدة أشياء، منها:
التماثيل النصفية
نقوش على الحائط في المقابر جماعية للطبقة العاملة
والمقابر المزينة للعائلات العريقة
بالإضافة إلى ذلك، وجدت لوحات لوجوه الفيوم –والتي ذكرناها في مقالنا السابق- مرسومة على المومياوات والتوابيت، ولأن الموت قد مس جميع مستويات المجتمع، رجالًا ونساءً وأباطرة وعمالًا وأحرارًا-، سجل الفن الجنائزي تجارب متنوعة عديدة لمختلف الشعوب التي عاشت في الإمبراطورية الرومانية القديمة.
بدأ الفن الهيلينستي اليوناني مع وفاة الإسكندر عام 323 قبل الميلاد واستمر حتى 31 قبل الميلاد. وقد نما الفن الهيلينستي من الأساس القوي للفن اليوناني المتميز بكلاسيكيته الآخاذة.
بدأ الفن الهيلينستي حين شن الإسكندر الأكبر حملاته على بلاد فارس والشرق الأدنى ومصر، وجلب بذلك الثقافة اليونانية إلى تلك الأراضي الشاسعة.
تم دمج التقاليد الفنية الإقليمية مع هذا التأثير اليوناني الجديد لإنتاج فنٍ مختلفٍ في الأسلوب حسب كل منطقة إلى أخرى، لذا سيكون من الصعب تعريف الفن الهلنستي وحده دون الإشارة إلى الفنون الإقليمية المؤثرة عليه.
لكن يمكن تلخيص مصطلح “الهيلينستية” بأنه الإعجاب بأفكار وأسلوب الحضارة اليونانية الكلاسيكية، ثم تقليدها وتطويرها لينتج لنا الفن الهيلينستي.
وعلى الرغم من أن الفن الكلاسيكي للعصر الذهبي لليونان -خصوصًا في أثينا- يحصل على كل المجد، إلا أن فن العصر الهيلينستي غني ومتنوع بشكل كبير. وهو العصر الذي ترجع له بعض أعظم المنحوتات في العالم، مثل: Venus de Milo و Winged Victory of Samothrace.
حينما ركز الفن اليوناني الكلاسيكي على المواضيع الدينية، اهتم الفن الهيلنستي بالتعبيرات الإنسانية بشكل أكبر ودون أي إهمال للشكل الخارجي.
فقد طوّرت تلك الكلاسيكية بواسطة عدة أشياء:
أوضاع ومشاهد تتسم بالدرامية أكثر.
الخطوط الظاهرة والكبيرة.
التباين العالي للظل والضوء.
إظهارضخم للعواطف والمشاعر الإنسانية.
وقد تطورت مثالية الفن الكلاسيكي خلال هذه الفترة حتى أصبحت على درجة عالية من الأشكال الحقيقية؛ نتيجة لجهود النحاتين العظماء في القرن الرابع أمثال (Praxitelis ، Skopas ، و Lysipos).
سمات الفن الهيلينستي
سعى الفنانون الهيلينستيون إلى نقل المشاعر الإنسانية من خلال أعمالهم.
استمر الاهتمام بالآلهة والمواضيع البطولية والأسطورية منذ بداية الفن اليوناني حتى ظهوره في الهيلنستي؛ بخلاف أنه تحول من الموضوعات الدينية إلى تعبيرات إنسانية أكثر درامية، واهتمامٍ بإظهارها بشكل مسرحي شديد.
إتاحة مجموعة جديدة كاملة من المواد، بعدما أخذ الموضوع الديني الصدارة لفترة كبيرة، كاستخدام الناس من جميع الأعمار والأعراق -خاصة الشعوب التي أدخلت حديثا- والتي أصبحت الموضوعات المفضلة للفنانين.
أظهر الفنانون اهتمامهم بتماثيل النساء العارية حتى أصبحت ذات شعبية كبيرة في الفن الهيلنستي، فقد اجتاحت تماثيل (فينوس) مختلف المواقف حينها.
والذي لا يزال يحظى بالإعجاب اليوم لتجسيده الجمال بنسبه المثالية؛ بداية من الخصر العالي، نزولًا إلى منعطف الساق الأنيق، حتى المنحنى المثالي لجذع الجسم.
ونرى تلك التماثيل الآن تزين قاعات العديد من المتاحف وأكاديميات الفنون في جميع أنحاء العالم.
Venus de Milo, Between 130 and 100 BC, 203 cm (80 in), Louvre Museum, Paris, France
وهبت التعبيرات الكلاسيكية المثالية الحياة للرخام البارد!
فقد أظهر مثلًا كلًا من تأرجح صندل أفروديت في تمثال “Aphrodite, Eros, and Pan” وابتسامتها التي تظهر روح الدعابة، مظاهر بسيطة وعبقرية تقوم بإحياء ذلك المشهد.
و يظهر هنا إله المراعي والصيد البري والغابات (بان) وهو يحاول إغواء (أفروديت) بشدة، حين تحاول هي صده بابتسامة، مؤرجحة صندلها استهزاء به.
APHRODITE, PAN, AND EROS, 6 meters, National Archeological Museum, Athens.
مظاهر تطور الفن الهيلينستي
Eros with the bow, 2nd century AD, 123 cm, Palazzo nuovo, Galleria.
الفن الهيلينستي متنوع بشكل غني بالموضوع وفي تطور الأسلوب، فقد تم إنشاؤه خلال عصر يتميز بإحساس قوي بالتاريخ. ولأول مرة، كانت هناك متاحف ومكتبات رائعة كالتي توجد في الإسكندرية وبيرجامون.
وقد قام الفنانون الهلنستيون بنسخ الأساليب السابقة بالإضافة إلى خلقهم ابتكارات رائعة، كأخذ تصوراتهم للآلهة بأشكالٍ جديدة.
فقد طوروا تمثال (ديونيسوس) إله الخمر والغزاة الأسطوريين للشرق – وهو من العناصر البارزة في الفن الهلنستي- وتمثال (هيرميس) إله التجارة. وقد تم تصوير (إيروس) إله الحب اليوناني كطفلٍ صغير.
كما خرجت التماثيل الهلنستية عن الصندوق المعروف وشملت أي شيء يمكن رؤيته من كل زاوية، فقد عكس التنوع المواضيع مجموعة متنوعة من الأفراد.
فكان هناك النساء والرجال والأطفال وكبار السن. بالإضافة إلى كشف الستار عن المشاعر وتجسيدها، كالعذاب أو اللطف أو الحكمة محفورة بشكل واضح على الوجوه.
“Boy with Goose,” 2nd century BCE
النحت في الفن الهيلنستي
واصل الفنانون تقديم أشكالهم باهتمام كبير بالتفاصيل، وعرضها على مقربة من الطبيعة قدر استطاعتهم خاصة في النحت، وقد تميز النحت في العصر الهيلنستي بعدة أشياء:
التخلي عن الأنماط السابقة بتجسيد مواضيعهم في “ذات” التماثيل فقط، لكنها تتميز بدخولها في الوسط البيئي وبقوة من خلال مشاهد درامية مساعدة، وذلك بواسطة وضع المنحوتات وسط الطبيعية المناسبة لسياقها.
فمثلًا تم وضع تمثال (Winged Victory of Samothrace) في ملاذ تم بناؤه على حافة جرف مع بركة مياه عاكسة لصورته، ووجود صخور كجزء من المنظر الطبيعي.
وهو مثال نادر على براعة حضور التمثال رغم أنه مادة جامدة، والفهم الفكري العميق من خلال تطبيق للتقنيات الجمالية الكلاسيكية.
لقد اختار النحاتون أن يزينوا شخصياتهم بـ “القماش” لثلاثة أسباب رئيسية:
Winged Victory of Samothrace”, 244 cm, Louvre, Paris, France”.
إبراز الحركة المقترحة للشخصية.
التأكيد على ملامح تشريحها النابض بالحياة.
إظهار مهاراتهم في النحت.
وقد ظهر هذا الأسلوب المعروف باسم “الأقمشة الرطبة” لأول مرة خلال الفترة الكلاسيكية، وتم تبنيه وتطويره من قبل الفنانين الهيلنستيين.
ونرى ذلك في التطابق المثالي -في نفس التمثال- لثنيات القماش العميقة مع الجسم العاري تحتها؛ كاشفة عن الوجود البشري للإلهة وهي تقاوم الرياح والقوة الخارجية.
وتتجسد تلك الرياح الخيالية في التمثال نفسه بتشكيلها للقماش في ترابط مرن بين الأجسام المادية والمتخيلة، مخلدة بذلك حالة الفنان الإنسانية حينها في حجر.
استخدم النحاتون الديناميكية والأشكال الملتوية التعبيرية المبالغ فيها لتوضيح الحركة، لتبدو التماثيل إنسانية قدر الإمكان. وهو ما يظهر بشدة في تمثال Laocoön and His Sons.
قام الفنانون الهلنستيون بصياغة منحوتات مستوحاة من أوضاع بشرية حقيقية.
فبدلاً من تجسيد التماثيل بأوضاعٍ غير واقعية، تم تقديم شخصيات مثل (Venus de milo) بشكلٍ غير رسمي، من خلال استخدام توزيع واقعي للوزن والجسم على شكل حرف S، كأنها شخص يقف بشكلٍ طبيعي لا مبالغة فيه.
اهتم النحات الهيلنستي بالمظهر الخارجي الحقيقي بشكل كبير، لكنه سعى للتعبير من خلاله عن العالم الداخلي للمشهد، وتجسيد المواقف المجتاحة للعواطف والأفكار النفسية الداخلية.
التصوير في الفن الهيلنستي
وجوه الفيوم
كانت البلدان والمستعمرات في جميع أنحاء شرق البحر الأبيض المتوسط معجبًا جدًا بالفن اليوناني، مما يظهر جليًا في اللوحات الشهيرة “وجوه الفيوم” الهلنستية والتي تعود لعام 50 قبل الميلاد.
من المحتمل أن تكون أفضل الأمثلة الباقية لللوحات الهيلنستية، هي لوحات وجوه الفيوم. وهي سلسلة كبيرة من اللوحات تم العثور عليها في الفيوم أكثر من أي مكان آخر في مصر.
وهي عبارة عن صور واقعية للغاية للرأس والكتف، رسمت من قبل فنانين مجهولين بأسلوب الفن اليوناني من الفترة الهلنستية.
عُلّقت تلك اللوحات على المومياوات التي تعود للعصر القبطي، حيث تم ربطها بقماش الدفن المستخدم لتغليف الجثث؛ بحيث تغطي وجه الشخص المتوفى.
وقد تم العثور حتى الآن على حتى الآن على حوالي 900 لوحة، والتي حافظت عليها الظروف الجافة في حالة جيدة للغاية، حتى أن الألوان المستخدمة فيها فقدت القليل فقط من بريقها الأصلي.
صوّرت تلك اللوحات الرأس أو الرأس والكتفين للشخص، ولقد شملت الموضوعات الرجال والنساء والأطفال من جميع الأعمار.
وقد قال الفنان (علاء حجازي) -فنان مصري حاصل على بكالوريوس الفنون الجميلة عام 1986- معبرًا عن رأيه الشخصي عنها:
“إن التعبير المشترك -إلا بعض الإستثناءات- الظاهر على وجوه الفيوم هو نظرة المفارق للحياة، والوجه بكامله كأنه صورة لجواز سفر للحياة الأخرى، والعيون الحزينة. لكن هل بالفعل هذه الحالة الحقيقية لأصحاب تلك الوجوه؟ وهل كانوا يعرفوا انهم يُرسموا لتوضع وجوههم على التابوت، وأنها الصورة التي يريدوا أن يبعثوا عليها؟”
وقال مجيبًا تلك التساؤلات:
“كل ذلك ينفيه وجوه الأطفال القليلة الموجودة ضمن وجوه الفيوم، لأنه لا يعقل أن يخمن أحدهم أن ذلك الطفل سيموت ويبدأ الرسام في رسمه وهو حي ليوضع على التابوت بعد مماته.”
وأضاف: “أو أن ذلك كان طقس من طقوس التحنيط بتلك الفترة الزمنية، وأن الفنان كان يرسم الوجه مستعيناً بالمتوفي نفسه كموديل، إما ان يضع التعبير الأخير على وجه المتوفي، أو يبتكر له ليعبر عن الحالة وهذا هو الأرجح”.
تأثير الفن الهيلنستي على بقية العصور
The Veiled Virgin, by Italian sculptor Giovanni Strazza 1818–1875
أصبح الملوك الهلنستيون رعاة بارزين للفن، فقد كلفوا بالأعمال العامة للهندسة المعمارية والنحت، حتى خلّدت بجدارة واستفادت منها جميع الأجيال اللاحقة.
وتعد أكبر ميزة لهذا العصر هي التنوع الكبير، وقد ظلت التماثيل الهلنستية على مدار عدة قرون واحدة من أكثر الأنواع تأثيرا في الممارسة الفنية.
فطوال عصر النهضة، تم التركيز على تشريح تماثيلها من قبل الفنانين كـ (مايكل أنجلو)، وخلال عصر الباروك، أخذ (برنيني) الإلهام من حركتها الديناميكية.
أما في القرن التاسع عشر، استخدم (جيوفاني ستراتزا) تقنية “الأقمشة الرطبة” في تمثاله The Veiled Virgin بمهارة كبيرة أظهرت جمال التقنية وبراعة الفنان.
بعد أن استقر الإنسان في الأرض، وقام بتعميرها زراعيًا واقتصاديًا وفنيًا، وابتعد عن الحياة البدائية،، بدأ يحول اهتمامه نحو الحياة الأخرى بشكل كبير، وهذا ما فعله بالضبط الفن الفرعوني.
أثناء ازدهار حضارة بلاد الرافدين، برزت حضارة أخرى بلغت إسهاماتها للحياة الأخرى ما يميزها عن غيرها، وتوثقه توثيقًا متقنًا بوسائل فن فاقت جميع ما سبقها من حضارات وفنون، فنشأت تلك الحضارة هي الفرعونية متميزة تميزًا ضخمًا.
التسلسل الزمني للفن الفرعوني
أصبح تاريخ الحضارة الفرعونية معروفًا من خلال فنه إلى حد كبير، فقد تطور الفن في مصر القديمة بشكلٍ ملحوظ خلال فترة ما قبل الأسرات (6000 ق.م – 3150 ق.م) من خلال الرسوم الصخرية والأعمال الخزفية.
لكن تم إدراكه بالكامل في فترة الأسرات المبكرة (حوالي 3150 – 2613 ق.م.) في لوح نارمر الشهير.
وكان ذلك أول أبواب الفن في الحضارة الفرعونية، فلوح نارمر من أشهر القطع الفنية في ذلك العصر، وهو طبق حجري تم عمله احتفالًا بالنصر لتوحيد مصر وهو الأمر المدوّن على وجهيه، والمنحوت فيهما مشاهد توحيد الملك نارمر لمصر العليا والسفلى بشكلٍ معقد.
وتتجلى أهميته في التركيبة الغريبة التي تتميز برؤوس أربعة ثيران –والتي ترمز للقوة- في أعلى كل جانب، وبتمثيل غاية في التوازن لشخصيات القصة.
ويعتبر هذا العمل تحفة فنية من عصر الأسرات المبكرة؛ مظهرًا بشكلٍ كبير مدى تقدم الفنانين المصريين في ذلك الوقت.
لوحة نارمر ، مصر ، ج. 3100 قبل الميلاد. يصوّر اللوح الملك نارمر وهو يغزو أعدائه ويُخضع الأرض. المتحف المصري، القاهرة.
وقد استمرت إسهاماتهم الفنية بعد هذا اللوح بهرم زوسر (هرم سقارة)، والذي عكس بطبيعة الحال المهارة المصرية في العمل في الحجر على الأعمال الفنية الضخمة.
وقد ازدهر الفن بشكل ملحوظ خلال عصر الدولة الوسطى (2040-1782 قبل الميلاد) والذي يعتبر عمومًا أهم مكان في الثقافة المصرية.
فقد بدأت صناعة التمثال الهائل الحجم، وهي نفس الفترة التي بني فيها معبد الكرنك العظيم في طيبة، مرورًا باستبدال مثالية تصورات المملكة القديمة للتماثيل واللوحات بأشكال واقعية، حتى ظهور فن الطبقات الدنيا أكثر من السابق، والذي كانت تحتكره نخبة المجتمع والطبقات العالية.
معبد الكرنك، أكبر معبد في العالم، مدينة الأقصر، مصر.
لكن حينما ظهرت المملكة الحديثة (1570 – 1069 ق.م) تم اعتبارها فورًا الفترة الأكثر شهرة من تاريخ مصر، وقد أنتجت بعض أروع وأشهر الأعمال الفنية: كتمثال نفرتيتي والقناع الذهبي لتوت عنخ آمون.
ويتميز فن المملكة الحديثة بجودة عالية في رؤيتهم الفنية وتقنياتها؛ وذلك لتفاعل الدولة المصرية مع الثقافات المجاورة، بما أن ذلك العصر هو عصر دخول الإمبراطورية إلى مصر.
سمات الفن الفرعوني
يحتاج أي عمل ببساطة إلى أن يكون جميلًا، ويحظى الفن المصري بإعجاب دائم بجماله بسبب القيمة التي قدمها المصريون القدماء فيالتماثل – Symmetry.
يعكس التوازن المثالي في الفن المصري القيمة الثقافية للإلهة (ماعت) -إلهة الحق والنظام والعدل- والذي كان نظامها أساسًا قويًا للحضارة المصرية.
فقد جعلت الكون مرتبًا من فوضى متماثلة، وكانت تلك الفوضى هي مفهوم الوحدة، لكنها جعلت الازدواجية -الليل والنهار، الإناث والذكور، الظلام والضوء- منظمة بدقة.
ويجب النظر إلى الفن المصري القديم من وجهة نظر المصريين القدماء لفهمه، فقد كانت التماثيل والصور دائمًا ما تتميز بأوضاع ثابتة إلى حد ما، تحيطها هالة العادات الرسمية، بالإضافة إلى ظهورها بشكل تجريدي.
وغالبًا ما أدت الطبيعة الغامضة للعديد من الفن المصري القديم إلى مقارنات غير عادلة مع بقية الفنون اللاحقة ، كالفن اليوناني أو فن عصر النهضة.
لكن هذا لا يعني أن المصريين لم يكن لديهم شعور بالجمال. فقد كُتبت الهيروغليفية المصرية مثلًا مع أخذ علم الجمال في الاعتبار بشكل كبير وواضح.
وظيفة الفن الفرعوني
خدم فن المصريين غرضًا مختلفًا تمامًا عن غرض هذه الثقافات، فقد تم إنشاؤه لغرض عملي، بينما كان الفن اللاحق مخصصًا للمتعة الجمالية.
فبينما نتعجب من الكنوز المتلألئة من قبر توت عنخ آمون، والنقوش البارزة في مقابر المملكة الحديثة ، والجمال الهادئ للتماثيل في الدولة القديمة، من الضروري أن نتذكر أن غالبية هذه الأعمال لم يُقصد منها أن يستمتع بها؛ بل صُممت لتفيد الآلهة أو المتوفيين.
فقد كان غرض التماثيل هو تجسيد المتلقي (الآلهة أو المتوفي) للظهور أمام الشعب وبالتالي استفادتهم من الطقوس المقدمة لهم.
تُظهر معظم التماثيل بشكل أمامي ورسمي متجهة للأمام؛ لمواجهة الطقوس التي تُجرى أمامها. فالتماثيل -سواء كانت إلهية أو ملكية أو لأفراد من نخبة المجتمع- وفرت نوعًا من القنوات للروح للتفاعل مع العالم الأرضي.
معبد أبو سمبل، 230 كم جنوب غرب أسوان، مصر.
وقد أظهرت لوحات القبور مشاهد من حياة المرء على الأرض حتى تتذكرها الروح، أو مشاهد من الجنة يأمل المرء في بلوغها حتى يعرف كيفية الوصول إليها.
وعلى سبيل المثال، فقد صُممت حديقة تعود للأسرة الحادية عشرة لتحكي قصة رحلته صاحبها في الحياة وصولًا إلى الجنة.
فقد بنيت أعمدة الرواق على شكل أزهار اللوتس والتي ترمز إلى منزله في صعيد مصر، ويمثل حوض السباحة في الوسط بحيرة (ليلي)، التي يتعين على الروح عبورها للوصول إلى الجنة.
وقد تم تزيين سور الحديقة البعيدة بمشاهد من الحياة الآخرة، لذا في كل مرة يجلس فيها في حديقته؛ستذكره كل تلك المشاهد بطبيعة الحياة باعتبارها رحلة قصيرة، والذي من المرجح أن يضفي عليه نظرة زاهدة للحياة عند مروره بأي ظروف قد تكون مزعجة!
السجلات
تم تسجيل مشاهد تروي قصصًا في مختلف مجالات الحياة بشكلٍ متوازٍ على الحائط يعرف باسم السجلات، وهذه السجلات تفصل المشاهد عن بعضها بخطوط أرضية.
ويوجد نوع آخر من المشاهد المدونة لا تحتوي على سجلات، وعادة ما تسجل مشاهد للقتال والصيد، وفي كثير من الأحيان تظهر الجيوش دون خطوط أرضية.
الخامات المستخدمة في الفن الفرعوني
كان من طبيعة حال الفن في تلك العصور أنه استخدم بواسطة مواد طبيعية ولكن معدة بطرق متقنة، وبالنسبة للحضارة الفرعونية، فقد مزج الفنانون الألوان المصنوعة من معادن طبيعية.
فقد صنعوا الأسود من الكربون، والأحمر والأصفر من أكاسيد الحديد، أما بالنسبة للأزرق والأخضر فكانوا من من الأزوريت والملكيت، أما الأبيض كان من الجبس.
يتم خلط المعادن مع المواد العضوية بنسب مختلفة، ثم يتم خلطها مع بياض البيض لجعلها لزجة بحيث تلتصق بالسطح، بالإضافة لمواد غير معروفة حتى يومنا الحالي.
تفاصيل من عرش( توت عنخ آمون) الذي يظهر مع زوجته (عنخ إست آمون) على اليمين. المتحف القومي للحضارة المصرية، القاهرة، مصر.
وكان الطلاء المصري متينًا لدرجة أن العديد من الأعمال ظلت حية بعد أكثر من 4000 عام، حتى الغير المحمية منها في المقابر!
أما بالنسبة للنحت بنوعيه البارز والغائر، فيتم تنعيم سطح الجدار وهو ممزوج بالجص، ثم يغطى بالرمل.
وفي البداية، يقوم أحد الفنانين بإنشاء نموذج مصغر للعمل الكبير بطريقة دقيقة، ثم يرسم الخطوط الأساسية عليه بتقنية الشبكة ويقوم بنقلها على الحائط بالنسب الجديدة.
ولن تواجه الفنان أية مشاكل مع النسب عند النقل؛ لأنه سيتمكن من نسخ الصورة بالنسب الصحيحة باستخدام العمل الأصغر كنموذج ومرجع.
وحينما ينتهي الفنان من نقل النسب الصحيحة، يُرسم المشهد على الحائط ثم يتم تحديده بالطلاء الأحمر.
وقبل أن يباشر العمل النهائي، يجب المرور على مرحلة الملاحظة والتصحيح، فسيتم إجراء تصحيحات على العمل بواسطة فنان أو مشرفٍ آخر، ثم عند التأكد من كل شيء فيها يتم طلاؤها باللون الأسود، وبمجرد انتهاء تلك المرحلة يبدأ الفنان في النحت والتلوين.
هل ما نراه في المتاحف هو كل شيء؟
إن معظم الأعمال التي نراها في المتاحف هي في الحقيقة نتاج ورش ملكية أو تعود ملكيتها لصفوة المجتمع؛ فتلك القطع تتناسب بشكل أفضل مع أفكارنا الحديثة عن الجمال!
ومع ذلك، فإن معظم أقبية المتاحف يوجد بها الآلاف من القطع الأخرى والمصممة للأشخاص ذوي المكانة المنخفضة – كالتماثيل الصغيرة والتمائم والتوابيت والأحجار- والتي يمكن التعرف عليها بشكلٍ كامل، ولكن نادرًا ما يتم عرضها.
تُظهر هذه القطع بشكل عام جودة أقل في المصنعية؛ بمشاكلٍ في النسب أو لسوء تنفيذها، والتي قليلًا ما يتم اعتبارها (فنًا) بالمعنى الحديث.
لكنها تخدم رغم ذلك نفس الوظيفة بالضبط المتمثلة في توفير المنفعة لأصحابها وبنفس درجة الفعالية، كتلك التي صُنعت للنخبة.
حوالي 10000 قبل الميلاد، أرست بلاد الرافدين أعمدتها من قبل قبائل مجهولة من صيادي العصر الحجري القديم.
وبعد فترة قصيرة من العصر الحجري، سنة 7000 قبل الميلاد تقريبًا، تغيرت الثقافة من النمط البدائي شبه البدوي -والذي عُرف بالصيد وجمع المواد الغذائية- إلى نمط حياة أكثر استقرارًا، يعتمد على الزراعة وتربية الحيوانات المستأنسة.
فقد أودى تشكيل القرى والمدن إلى سلسلة من الأنشطة الجديدة، كالتجارة وبناء القوارب لنقل البضائع، بالإضافة إلى نمو المعتقدات الدينية والاحتفالات والطقوس الخاصة بها.
وهي الأمور التي أدت مباشرة إلى تحسينات بالإمداد الغذائي، وبالتالي ارتفاع عدد السكان، لتنشأ بذلك أول مدن حضارية في العالم مثل أور وأوروك وإيردو، تليهم فيما بعد نينوى ونيبور وآشور وبابل.
السومريين
عاش السومريون القدماء في الجزء الجنوبي من العراق الآن، ويقع معقل سومر بين نهري دجلة والفرات، فيما أطلق عليه اليونانيون فيما بعد بلاد ما بين النهرين.
امتهن السومريون العديد من المهن، فقد عملوا كمزارعين وتجار وبحارة، وتعترف ديانتهم بالعديد من الآلهة الذين تم وصف مآثرهم ومعاركهم في الأساطير العديدة، والتي من الواضح أنها كتبت للأجيال القادمة.
أوروك
تنتهي فترة ما قبل التاريخ ببداية مدينة أوروك مباشرةً. ولقد سيطرت على جنوب بلاد الرافدين، وعرفت بإتقان نظام الري والإدارة فيها.
بداية الكتابة
لقد كانوا مبدعين بشكل مميز بشكل يجعلهم مسؤولون عن تطوير الكتابة الأولى، ويكاد يكون من المستحيل تخيل فترة ما قبل الكتابة، ومع ذلك، قد تشعر بخيبة أمل عندما تعلم أن الكتابة لم يتم اختراعها لتسجيل القصص أو الشعر أو الصلوات؛ بل لحساب السلع الفائضة، كفائض الشعير والماشية، وجرار الزيت!
فقد نشأ أصل اللغة المكتوبة بدافع الضرورة الاقتصادية، وكان أداة للنخبة الحاكمة (الكهنوتية) التي كانت تتتبع الثروة الزراعية للمدن بشكل أساسي.
الأحرف المسمارية
يمكن كتابة تلك الأحرف إما أفقيًا أو رأسيًا، على الرغم من أن النظام الأفقي كان الأشمل. ويوجد عدد قليل جدًا من تلك الحروف التي ليس لها سوى معنًا واحدًا، فمن الممكن أن تمثل العلامات المسمارية كلمة كاملة أو فكرة أو رقمًا أو مقطعٍ لفظي.
ونتيجة لذلك، كتبت الكثير من اللغات بالأحرف المسمارية عبر تاريخ الشرق القديم بسبب هذه المرونة.
وقد مر فن بلاد الرافدين بعدة فترات، تغير وتطور بها تطورًا ملحوظًا، ويمكن أن نقسم تلك الفترات إلى:
الفترة المبكرة
كان الفخار الخزفي هو الوسيلة الرئيسية لفن العصر الحجري الحديث، خلال الفترة المبكرة في بلاد الرافدين – والذي امتلك جودة أعلى بكثير من أي نوع من الفخار اليوناني الذي تم إنتاجه-.
وقد ظهرت حينها التصميمات الهندسية و الزخارف النباتية والحيوانية؛ حينما بدأوا بزخرفة العديد من المعادن الثمينة لتنتج لنا أجمل القطع الأثرية والأعمال الفنية.
وحوالي عام 3200 قبل الميلاد في بابل تم اكتشاف أول طلاء أظافر على الإطلاق، عندما قام الرجال بتلوين أظافرهم بالكحل، وهي مستحضرات تجميل قديمة تحتوي على كبريتيد الرصاص.
كان المعبد الأبيض من أعظم الأماكن الأثرية في أوروك تلك الفترة، والذي يعود تاريخه إلى أواخر الألفية الرابعة قبل الميلاد.
منظر عام لموقع المعبد الأبيض الأثري في العراق. اكتشف بواسطة وليام كينيت لوفتوس عام 1849. ويعتقد أن الاسم العربي لبابل، العراق، مشتق من اسم أوروك.
الألفية الثالثة
تمثال من الديوريت بتكليف من جوديا الذي أعاد بناء معابد لاجاش العظيمة وأمر بصنع تماثيل لنفسه فيها.
ظهر التمثال الميداني القائم بذاته من الحجر والخشب خلال الألفية الثالثة، إلى جانب التماثيل البرونزية والمجوهرات الشخصية البدائية. وكانت النقوش الطينية أو النقوش على الأسقف شكلًا فنيًا مشهورًا، كوسيلة تستخدمها الطبقات المتعلمة لرواية القصص.
وتضمنت سلسلة من الأضرحة بعض التماثيل البرونزية، وخلال هذه الفترة، ظهر فن الأسر الغنية من خلال شخصيات بشرية رائعة مجسمة بالحجم الطبيعي بالحجر والنحاس، و بعض من الأختام الأكثر جمالًا على الإطلاق.
وهو الأمر الذي يشير إلى وجود أفضل نحاتين في المنطقة، ومما يؤكد على ذلك عدد “تماثيل جوديا” الذي لا يحصى، والتي مازالت حتى الآن.
الألفية الثانية
سقطت سلالة أور الثالثة في عام 2003 قبل الميلاد، وكان شمال بلاد ما بين النهرين تحت سيطرة آشور، بينما سيطرت بابل على الجنوب.
كانت هذه هي الفترة التي طور فيها الآشوريين منحوتاتهم الحجرية؛ كما يتضح من التماثيل والنقوش الأثرية التي زينت قصور الملوك.
قوانين حمورابي
كانت قوانين حمورابي واحدة من أقدم وأكمل القوانين المكتوبة، التي أعلنها الملك البابلي حمورابي.
وهي مجموعة من 282 قانون للتعاملات التجارية والغرامات، وعقوبات للوفاء بمتطلبات العدالة. تم نقش تلك القوانين على أسطوانة حجرية سوداء ضخمة، تم نهبها من قبل الغزاة لكن اكتشفت أخيرًا في عام 1901.
الإمبراطورية الآشورية وسقوط بابل (934-539)
ظهر الآشوريون في القرن العاشر قبل الميلاد كقوة مهيمنة في الشرق الأدنى، فقاموا ببناء قصور ضخمة ومعابد في نينوى ونمرود؛ والتي كانت تحرس بواباتها الحجرية الأسود أو الثيران المجنحة.
إمبراطور بابل ومدينته الأسطورية
حدائق بابل المعلقة
شرع الملك البابلي (نبوخذ نصر الثاني) في جعل عاصمته ببلاد الرافدين واحدة من أكثر المدن روعة في العالم. ففي تلك الفترة، خصوصًا في أواخر القرنين السابع والسادس قبل الميلاد، قام بتزيين المدينة بالمعابد والقصور وبنى أهم ما فيها: بوابة عشتار، وحدائق بابل المعلقة.
تمثيل لحدائق بابل المعلقة، الحدائق الأسطورية التي زينت عاصمة الإمبراطورية البابلية. بواسطة فرديناند كناب، ١٨٨٦ م.
حينما أضاف الإمبراطور تلك الحدائق الواسعة إلى مدينته، انتشر صيتها في جميع أنحاء العالم القديم. تعد حدائق بابل واحدة من عجائب الدنيا السبع، وهي المعجزة الوحيدة التي يتنازع وجودها بين المؤرخين.
يزعم بعض العلماء أنها كانت في نينوى، عاصمة الإمبراطورية الآشورية، وبعضهم يتشبث بالكتّاب القدامى وينتظرون علم الآثار لتقديم دليل إيجابي، وما زال آخرون يعتقدون أنها مجرد نسج من الخيال القديم.
يتم وصف تلك المدرجات الحجرية العالية بأنها تشبه الجبال، والتي زرعت مع العديد من أنواع الأشجار الكبيرة والزهور. لكن لم تكن المدرجات قد خلقت فقط تأثيرًا جماليًا لطيفًا للنباتات المعلقة؛ ولكنها جعلت الري أسهل.
ويقال أن سبب إنشاء الحدائق هو لجعل زوجة الملك البابلي تشعر بالحنين إلى وطنها الأخضر المليء بالتلال، لكن للأسف لا توجد إشارة إلى ملكة بهذا الاسم في السجلات البابلية.
بوابة عشتار
بنيت بوابة عشتار 575 قبل الميلاد مع أبراجها الجميلة، وتصويرها في بلاطات من الحيوانات الحقيقية والخيالية. زينت تلك البوابة بالثيران والتنانين والأسود بطريقة غاية في الجمال.
وفي غضون قرن من الزمن ، تم نسيان الفن السومري والأكادي والبابلي والآشوري، حيث بدأ العالم في تجربة النحت اليوناني ، كما يتضح من التماثيل المعمارية في البارثينون، وكذلك التماثيل السامية للنحت اليوناني الكلاسيكي الرفيع.
