أظهرت لنا العديد من الألواح التاريخية والحاويات المكتشفة استخدام السفن في التجارة البحرية والاستكشاف قبل 4000 سنة قبل الميلاد وتسيير قوى الرياح لصالح التقدم البشري.
وشهدت البحار على مر السنين تطور النقل البحري من استخدام الرياح كمصدر رئيسي لتسيير تلك الرحلات واستخام الوقود الأحفوري فيما بعد في بداية الثورة الصناعية خلال القرنين المنصرمين.1
ويحتل النقل البحري حوالي 90% من نسبة التجارة العالمية والتي تساهم بدورها في انبعاثات وقود الشحن بنسبة تصل إلى 30% من أكاسيد النيتروز المنبعثة في الغلاف الجوي، 9 % من أكاسيد الكبريت و 3% من ثنائي أكسيد الكربون.
واستجابةً للمخاوف المتزايدة بشأن الاحتباس الحراري؛ حددت المنظمة البحرية الدولية التابعة للأمم المتحدة هدفاً لخفض الانبعاثات بنسبة 40% بحلول نهاية هذا العقد.2
حلول بيئية بديلة لسفن الشحن التقليدية
تدرس العديد من الشركات طرق استبدال وسائل الشحن البحرية التقليدية بوسائل نقل صديقة للبيئة ومستدامة؛ من أمثلتها الشركة السويدية Wallenius Marine والتي أعلنت منذ أسبوعين عن سفينة نقل بحري مستدامة وصديقة للبيئة بخفض انبعاث السفينة إلى 90% وسعتها الكبيرة لاستيعاب 7000 سيارة واعتماده الأساسي على طاقة الرياح.
جاء هذا الإعلان في لقاء تلفزيوني مع كبير مسؤولي التشغيل Per Tunell ومهندس العمارة البحرية Carl-Johan Söder لكشف الستار عن سفينة النقل Oceanbird، حيث أوضح بير رؤية الشركة في قيادة الطريق نحو الشحن المستدام، وترحب بانضمام الآخرين إليها؛ لأنها لا تراها منافسة، بل اتجاه على الجميع اتخاذه. ومن خلال شفافية المشروع، تريد الشركة إلهام الآخرين لاختبار الحد الأقصى لما هو ممكن. لأننا بحاجة إلى إجراء تغيير ولا يمكنه الانتظار بعد الآن.3
مواصفات Oceanbird
تعد سفية oceanbird في منتصف عملية التصميم في الوقت الحالي، لكن ما أظهرته التصميمات الأولية هو 5 صواري (الأشرعة المجنحة) من المعدن وبعض المواد المركبة تشبه إلى حد كبير أجنحة الطائرات لكنها تدور حول محورها 360 درجة؛ قابلة للامتداد لتصل لارتفاع 80 متر وهو ارتفاع قياسي مقارنة بالسفن النقل الحالية. مما يعطي السفينة ارتفاعاً يصل إلى 105 متر فوق خط الماء. ولكن بفضل الهيكل التلسكوبي للصواري يمكن خفضها ليصل ارتفاع السفينة الكلي فوق خط الماء 45 متر لتتمكن من العبور أسفل الجسور وتقليل مساحة السطح المعرضة للرياح أثناء العواصف لتقليل سرعة السفينة.
ستتمكن سفينة الشحن التي يبلغ طولها 200 متر وعرضها 40 متر من عبور المحيط الأطلسي في غضون 12 يوماً بدلاً من 7 أيام بواسطة ناقلات الشحن التقليدية. وكإجراء أمان؛ سيتم تجهيز السفينة أيضاً بمحرك إضافي مدعوم بالطاقة النظيفة. وستكون السفينة الأولى في الإنتاج سفينة شحن، ويمكن تطبيق المفهوم على السفن بجميع أنواعها، مثل السفن السياحية.4
وتعتزم الشركة على إجراء الاختبارات الأولية مع شركائها: مركز KTH للتكنولوجيا في ستوكهولم وSSPA. حيث ستشمل هذه الاختبارات نموذج أولى يبلغ فيها ارتفاع الأشرعة 7 أمتار في الحوض والمياه المفتوحة خلال الخريف.
سيتم تطوير التصميم في جوانب مختلفة من خلال إدخال بيانات جديدة من الاختبارات في عمليات المحاكاة. بالإضافة إلى اختبار التسرب في حوض مناورة SSPA من نهاية سبتمبر. وستكون هذه اختبارات فريدة حيث سيتم تزويد النموذج بمراوح من أجل التقاط التأثيرات الديناميكية الهوائية والمائية في النموذج الأولي.3
الغرض من Oceanbird ورؤية رواد المشروع
منذ أن أسس Olof Wallenius شركة Wallenius في عام 1934، ركزت الشركة على المدى الطويل للاستدامة ، فيما يتعلق بالابتكار التكنولوجي وظروف العمل للطاقم. ومع Oceanbird، تتخذ الشركة خطوة كبيرة للاقتراب من رؤيتها للشحن الخالي من الانبعاثات، بينما تضع في الوقت نفسه معياراً جديداً للصناعة بأكملها.4
في كل عصر هناك عباقرة يغيرون مسار التاريخ. أنت تعرف الكثير عن نيوتن، وأينشتاين، وأديسون، والخوارزمي، وأرسطو، وغيرهم. أما في العالم القديم، فلا أحد يضاهي إموحتب في شهرته وعبقريته. يمثل إموحتب الوجه المشرق للحضارة المصرية القديمة وريادتها. وفقًا لما تداوله القدماء، كان إمحوتب وزيرًا وكاهنًا ومهندسًا وطبيبًا وحكيمًا وفلكيًا. تميز ونبغ في كل شيء، وشملت اهتماماته كافة مناحي الحياة.
إموحتب
الوزير
إمحوتب-تعني الآتي في سلام بالمصرية القديمة-معروف بأنه وزير الملك زوسر، وباني هرمه المدرج. ترجح بعض المصادر أيضًا أنه عمل في خدمة خلفاء زوسر من ملوك الأسرة الثالثة. ولد إموحتب بين العامة، وبفضل مواهبه أصبح الرجل الأكثر نفوذًا في مصر. حمل ألقابًا عديدة منها:
الأول بعد ملك مصر العليا
مدير القصر الكبير
مستشار ملك مصر السفلى
كاهن هليوبوليس الأكبر
كبير النحاتين والبنائين
يبدو أن زوسر كان معجبًا للغاية بوزيره حيث دونت هذه الألقاب على آثار الملك الشخصية خلافًا للقاعدة السائدة بتدوين اسم الملك فقط عليها.
المهندس
هرم زوسر المدرج بسقارة
تكونت المقابر قبل زوسر من مصطبة واحدة. لكن الأمر اختلف على يد إمحوتب الذي بنى الهرم المدرج المكون من ست مصاطب بارتفاع 61 مترًا. يعد هرم زوسر أقدم بناء هرمي في التاريخ. كما يعد أول بناء من الحجر الجيري في التاريخ. حيث استخدم الحجر الجيري المقطوع على شكل طوب بدلا من استخدام الطوب المصنوع من الطين. تم بناء الهرم للداخل بدلًا من بنائه بشكل عمودي لتقليل الجهد المطلوب لبنائه. الأحجار منحنية قليلًا للداخل نحو المركز لتزيد استقرار بنيته وتقلل فرصة انهياره. يحتوي الهرم من الخارج على 13 بابًا كلها مزيفة عدا بابًا واحدًا. أعاد إمحوتب تصميم المقابر كليًا محافظًا على التقاليد القديمة في نفس الوقت، فالأعمدة تشبه حزم البردي والقصب، والنقوش والزخارف هي نفسها المستخدمة في المقابر الطينية.
التصميم الداخلي للهرم المدرج
يرجح العلماء أيضًا مساهمة إموحتب في بناء هرم الملك “سيخمخت” الذي لم يكتمل لوفاته بعد 6 سنوات فقط من توليه الحكم، تاركًا خلفه قاعدة ومصطبة أولى لهما ذات الطابع المعماري الخاص بإمحوتب. كما حمل الهرم غير المكتمل لولي عهده “خابا”-الذي توفي قبل إتمامه أيضا-الطابع ذاته. لا نعرف من بنى هذين الهرمين بالتحديد. إما إمحوتب، أو من تأثروا بطابعه في البناء.
الطبيب
بالرغم من غياب الأدلة العائدة إلى عصر إموحتب حول ممارسته الطب، إلا أنه اشتهر قديمًا بقدراته الشفائية كون الكاهن الأكبر في الدولة القديمة هو كذلك الطبيب الأكبر. كما تعتبر بردية إدوين سميث التي تعود لسنة 1600 قبل الميلاد-أي بعد قرون من وفاة إمحوتب- نسخة حديثة عن مخطوطة طبية كتبها إمحوتب بنفسه. اشتملت البردية المسماة نسبة لجامع الآثار الذي اشتراها في القرن التاسع عشر على وصف 48 إصابة مختلفة وكيفية تشخيصها وعلاجها. على عكس معظم المراجع القديمة، قليلًا ما أتت البردية على ذكر السحر أو استعماله. كما تعد أول مخطوطة تتعرض لأخلاقيات الطب، حيث يبتدئ الطبيب توقعاته للمريض بذكر إذا ما كان المرض قابلًا للعلاج أم صعب العلاج أم يستحيل علاجه، بما يفسح المجال للثقة بين الطبيب ومريضه، ويحافظ على سمعة الطبيب بإخباره سلفًا باحتمالية فشل العلاج.
بردية إدوين سميث
الإله
ظل إمحوتب موضع احترام وتقدير من المصريين والحكام طوال عهد الأسرة الثالثة. وبعد وفاته بحوالي مئة عام اعتبره المصريون نصف إله. وبحلول عصر رمسيس الثاني أطلق عليه ابن الإله بتاح. وفي عصر الأسرة 26 في فترة الغزو الفارسي أصبح إلها كاملًا للشفاء. ثم أصبح خلال حكم اليونانيين والرومان نظيرًا للإله “اسكبيلوس” إله الطب، وبنيت له معابد في ممفيس وجزيرة فيلة حيث كان يتوافد المرضى ويبيتون هناك طلبًا للشفاء. ونقش اسمه في معابد الأباطرة “تيبيريوس” و”كلوديوس” كإله للشفاء.
ترك إمحوتب خلفه تراثًا ثريًا من الشعر والكتابات الدينية والملاحظات العلمية والهندسية التي لم تصلنا ولكنها ذكرها الكتاب القدماء الذين أتوا بعده.
لقد كان إمحوتب رائدًا عظيمًا فتح الباب لمن بعده بفضل فكرته الفريدة في استخدام الحجر الجيري لأول مرة في البناء. لولاه لما وجدت أهرامات الجيزة والمعابد الشامخة في مصر والتي نقل عنها اليونانيون ثم الرومان. مثلت عبقريته تحولًا في تاريخ الهندسة والطب، وألهم من أتوا بعده حتى اشتد عود الحضارة المصرية القديمة وأصبحت سيدة العالم القديم بفضل إمحوتب وغيره الكثيرين الذين ظلوا جنودًا مجهولين في كافة نواحي الحضارة. واستحق أن يرفعه المصريون من منزلة العامة إلى سماء الآلهة.
ظهرت الحركة الرمزية في الفترة التي خضع فيها الفن في القرن العشرين لعملية تغيير مستمر وسريع مثل البيئة الاجتماعية التي أنتج فيها. فلم يعد الواقع يُمثُّل عن طريق الفن في أوروبا. بل كان يتم تسجيل الأحداث التاريخية بدقة من خلال الوسائط الأحدث: كالتصوير الفوتوغرافي والسينما.
وقد انتقل سوق الفن أيضًا من الصالونات العامة الكبرى إلى نظام صالات العرض الخاصة. فأصبح حجم اللوحات أصغر، ومواضيعها شخصية بشكل أكبر واستطاعت أن تكون حرة وأكثر تجريبية. وقد مكّن ذلك الفنانين من الاستجابة للواقع المتغير من حولهم وجعلهم مواكبين للعصر. مما أدى إلى إنتاج لوحات مبتكرة ومليئة بالتأثيرات والمعاني الجديدة.
الحركة الرمزية
تطورت الحركة الرمزية في البداية كحركة أدبية فرنسية في ثمانينيات القرن التاسع عشر. وعلى الرغم من ذلك، فقد تبعها جيل من الرسامين ممن رفضوا تمثيل الواقع والطبيعة. فقد اعتقد رساموا الرمزية أن الفن يجب أن يعكس عاطفة أو فكرة بدلاً من تمثيل العالم الطبيعي بطريقة المدرستين الواقعية والانطباعية.
وقد قامت الرمزية بالتمرد على العقلانية والمادية التي هيمنت على ثقافة أوروبا الغربية. وهي نفس الفلسفة التي شملت اقتناع الشاعرالفرنسي الرمزي (ستيفان مالارميه – Stéphane Mallarmé) بأن الواقع تم التعبير عنه بشكل أفضل من خلال الشعر، لأنه يوازي الطبيعة بالمعاني والعواطف بدلاً من تكرارها وتقليدها.
وغالبًا ما كانت اللوحة المرتبطة بالحركة الرمزية قائمة على الموضوعات الأدبية والأساطير، لكنها قامت أيضًا على الخيال الشخصي والحلم.
Angel, I will follow you, By: Jacek Malczewsk, 1901
وقد فكر الفنان الفرنسي (موريس دنيس – Maurice Denis) في إمكانية التقليل من الحاجة إلى الواقعية في الفن باستخدام الخط واللون بشكل أساسي. فشملت لوحاته موضوعات مألوفة -كالمشاهد الدينية، ونساء في الغابات. لكن تم تصويرها بألوان غير واقعية تحدها الخطوط الزخرفية المتدفقة. فلا يجب أن يتم وصف الحقيقة بشكل واضح ومباشر؛ بل يمكن للعقل البشري أن يفهمها من خلال الاستعارة الرموز.
بم تميزت الحركة الرمزية؟
ومما ميز الرمزية هو ابتعادها عن المبالغة لاستحضار المزاج أو الشعور. فكانت فكرتها الشائعة هي وجود مجموعة من الشخصيات التي لا تتفاعل بأي طريقة مباشرة. فلا تلتقي أعينهم أو تشير إيماءاتهم ونظراتهم لشيء، بل تدل على غوص كل واحد في خياله الخاصة.
The Yellow Sail, Odilon Redon, 1905, Pastel On paper
Mystical Conversation, By: Odilon Redon, 1896
فالتكوينات –العناصر والأشخاص والخلفية- في اللوحات الرمزية مصطنعة وليست واقعية. ويزداد هذا الإحساس من خلال التركيز على اللون والخط، وعلى الطرق التي ترتبط بها أجزاء اللوحة المختلفة مع بعضها البعض ضمن شكل عام.
كانت الحركة الرمزية موجهة نحو موضوعات نفسية معاصرة غذت أعمال الفنانين والكتّاب الرمزيين وكانت من المحرمات: كالرغبات الجنسية والشهوة والانحراف والحب والخوف والكرب، أو الصوفية الدينية والسحر.
Danaë, By: Gustav Klimt, 1908
Spirit of the Dead Watching, By: Paul Gauguin, 1892 قال غوغان أن العنوان قد يشير إما أن الفتاة تتخيل الشبح، أو أن الشبح يتخيلها.
حركة الانفصال الفيينية
في نفس الفترة الزمنية، ظهر بالتوزاي مع الرمزية حركة فنية جديدة تسمى (حركة الانفصال الفيينية). ومثلها أعمال الفنانين الشبان في (فيينا) الذين انفصلوا عن طرق وأساليب الأكاديمية المحافظة للفنون في المدينة. إذ ظلت مدارس فيينا الفنية وصالونها السنوي مرتبطين بالنمط الفني الأكاديمي القديم. وكان من أهم المؤسسين لتلك المدرسة (غوستاف كليمت – Gustav Klimt). يعتبر كليمت أشهر فنان في فيينا في ذلك الوقت. وكانت مكانته كبيرة كواحد من أعظم المصورين وفناني الديكور في القرن العشرين. وقد انتشر أسلوب الانفصال عن الأكاديميات عمومًا في العديد من المدن في جميع أنحاء أوروبا.
Death and Life, By: Gustav Klimt, 1908–1915
لم تكن هناك خصائص موحدة للتصوير أو النحت أو حتى العمارة لتلك الحركة. لكن التزم أعضاؤها بدلًا من ذلك بتحديث الفن من خلال التعرف على حركات الفن الحديث كما بعد التأثيرية. بالإضافة إلى الأنماط العصرية للفن الزخرفي كـ (الفن الجديد – Art Nouveau).
نشأت تلك الحركة وارتبطت ارتباطًا وثيقًا بذلك الأسلوب (Art Nouveau) لمصممين ملّوا من الكلاسيكية الجديدة والموضوعات التاريخية. أرادوا نقل العصر لاتجاه التصميم الحديث. فقد نظروا للتصميم على أنه أكثر من مجرد تطبيق للجماليات، وسعوا إلى دمج الموضوع والجماليات والتصميم في أشكال متناغمة.
Beethoven Frieze, By: Gustav Klimt, 1902
واصل كليمت تحسين الصفات الزخرفية بحيث أصبحت الأنماط المسطحة والمتلألئة لأعماله شبه مجردة. وتعرف الآن باسم “المرحلة الذهبية”، والتي تعتبر في النهاية الموضوعات الحقيقية للوحاته. وعلى الرغم من كونه فنانًا تابعًا “للفنون الجميلة”، إلا أنه كان من الدعاة البارزين للمساواة بين الفنون الجميلة والزخرفية.
اعتقد فنانو تلك الحركة بأن الفن يمكن أن يلعب دورًا مركزيًا في التحسن الاجتماعي. مما أدى إلى شمول جميع أنواع الفن وليس فقط التخصصات الأكاديمية كالتصوير والنحت. فقد أدرجت جميع الفنون التي طبقت ذلك المبدأ من الرسم إلى العمارة تحت ذلك العنوان. فحتى الحرف اليدوية والتي لم تكن تعتبر فنًا قامت تلك الحركة الجديدة باحتضانها كجزء منها.
وقد جاء في بيان مبكر نشرته المجموعة:
“نحن لا ندرك أي فرق بين الفنون العظيمة والثانوية، بين فن الأغنياء والفقراء. الفن ملك للجميع.”
تبعات الثورة الصناعة على الحركة الرمزية
وقد أدت الثورة الصناعية والإنتاج الضخم إلى استنساخ التحف القديمة بشكل سيئ، فحاولت تلك الحركة إحيائها لكن بدقة وحرفية شديدة. فقد أرادوا إحياء ذلك بعهد جديد من التصميم الذي يرفض العبث بأسس جماليات الشيء.
أشهر من قدموا إسهاماتٍ في هذا المجال هو (لويس كومفورت تيفاني – Louis Comfort Tiffany) أحد أشهر الفنانين الأمريكيين. تبنى كومفورت كل وسيلة فنية وزخرفية تقريبًا. وقام بتوجيه مرسمه لإنتاج نوافذ زجاجية وفسيفساء ووحدات إضاءة وزجاج وفخار وأعمال معدنية ومجوهرات وديكورات داخلية.
وبصفته نجل (تشارلز لويس تيفاني) مؤسس متجر السلع الفاخرة (Tiffany & Co)، تحوّل إلى شركة المجوهرات والفضة الشهيرة اليوم. واختار متابعة اهتماماته الفنية بدلاً من الانضمام إلى الأعمال العائلية.
water-lily table lamp, Designed by: Louis Comfort Tiffany, 1904–1915 وهو أحد أنجح تصاميم تيفاني التي تم تنفيذها لمنتجات شركته المعروفة المصنوع بخامة الزجاج المعشّق بالرصاص.
كانت الرمزية والفن الجديد (Art Nouveau) حركات فنية متزامنة موجودة كل منها بمفردها، لكنها غالبًا ما وجدت سويًا في قطعة فنية واحدة. بينما ركزت الرمزية على الاستخدام المجرد للرموز للتعبير عن الواقع الروحي وراء العالم المادي، حين سعت الأخرى إلى جلب الحداثة والأناقة للتكوين والتصميم. عندما أرادت الرمزية تكوين صور من الأحلام، ساعدتها الحركة الأخرى كثيرًا حين وفّرت لها خلفية مثالية بالخطوط الدائرية والطبيعة الأثيرية.
صابر صبري باشا هو مهندس معماري مصري ولد عام 1845 وتوفي عام 1915 على الارجح، وعلى عكس معظم معماريين جيله، لم يدرس بالخارج ولكن تلقى تعليمه في المهندسخانة، عمل عام 1881 كمدرس للرياضيات والهندسة الوصفية في المهندسخانة. تولى وظيفة “باشمهندس نظارة الأوقاف”، وهي أحد أعلى المراتب في النظارة، منذ تولى الخديوي عباس حلمي الثاني عام 1892 حتى عام 1906. إحتوى تقرير قدمه صبري بعد تقاعده، أن الأوقاف مسؤولة منذ عام 1892 عن بناء أو تجديد حوالي مائة مسجد وضريح، في حين تم تجديد أكثر من مائتي مبنى سكني وتجاري. وهذه الأرقام تبدو كبيرة إلى حد ما عند مقارنتها بنشاط الأوقاف في السابق، ففي عهد والده الخديوي توفيق، تم بناء وترميم عشرين مسجدًا وثلاثين مبنى تجاريًا فقط. لصبري العديد من التصميمات منها: تصميم مسجد أولاد عنان 1894، تصميم مسجد السيدة نفيسة 1895، تصميم مبنى وزارة الأوقاف بالتعاون مع آخرين 1896، تصميم مبنى جامعة القاهرة مع محمود بك فهمي 1914.
الأوقاف في أواخر القرن التاسع عشر
الأوقاف هي هيئة إدارية تشكلت عام 1835 لإدارة المؤسسات الدينية، أُعيد تنظيم الأوقاف في عام 1851 كديوان له سلطة على جميع مباني الأوقاف. وأصبح فيما بعد نظارة أو وزارة عام 1879؛ والأهم أنها اكتسبت، أو بالأحرى استرجعت، استقلالية كبيرة عند تحويلها إلى “هيئة إدارية” في 23 يناير 1884، على اساس أن تُدار الأوقاف وفقًا للشريعة وبالتالي تكون منفصلة تحت الوصاية المباشرة للخديوي. تلك الاستقلالية كانت قصيرة الأجل، حيث تم إعادتها إلى وزارة في 20 نوفمبر 1913.
الطراز المملوكي
الطراز المملوكي هو الطراز الذي تطور في مصر اثناء حكم المماليك (1250-1517) ويعتبره الكثيرون الطراز المعبر بصدق عن مصر العربية والاسلامية حيث أنه استمد سماته من التراث المصري. معظم المباني التي بنيت في الفترة من 1892 حتى 1906 تنتمي الى إعادة إحياء الطراز المملوكي. وذلك بعد سيطرة اتجاهات التغريب على العمارة المصرية في عهد الخديوي اسماعيل. وبالرغم أن تلك المباني يمكن تمييزها بسهولة من المباني المملوكية الأصلية، إلا انها قدمت نماذج رائعة لفهم الطراز المملوكي وتعبير صادق عن البراعة في فهم خصائص الطراز. نستعرض في المقالة مثالين من ذلك الطراز.
1- تصميم مسجد أولاد عنان
يمثل مسجد أولاد عنان مشروعًا مبكرًا لصابر صبري في الأوقاف. تم بناؤه في باب الحديد، الآن رمسيس، مقابل محطة سكة حديد القاهرة، حيث يقع مسجد الفتح الآن. نجا مسجد أولاد عنان من الهدم لبناء مسجد الفتح، في عام 1979 تم تفكيكه ونقله .إلى الميدان الكبير أسفل القلعة، وأعيد تسميته باسم مسجد السيدة عائشة
مسجد أولاد عنان بُنى مكان ضريح قديم من القرن الرابع عشر تم هدمه اثناء الحملة الفرنسية. انتقلت ملكيته الى الأوقاف عام 1893. وتم البدء في انشاؤه عام 1894 وتم افتتاحه عام 1896 بتكلفة اجمالية بلغت حينها 7000 جنيه مصري.
تم بناء المسجد من الحجر، مع الطبقات المعتادة من الحجر الأحمر والأبيض (المشهر والأبلق) من محاجر المقطم. احتوى التصميم على قاعة صلاة مغطاة، مضاءة بواسطة مِشكاوات (كما كان الحال في العديد من المدارس المملوكية)، كما تضمن كُتاب في الطابق الأول. وكانت عائدات صيانة المبنى تنتج عن طريق إيجار شقة ومخزن ملحق بالمسجد. والتي اضيفت نتيجة الانحراف الناتج عن الدوران لاتجاه القبلة ومحاذاة حدود الشارع.
تظهر الاقتباسات الحرفية من الآثار المملوكية في زخرفة المئذنة، والتي تجمع بين البدن والجزء السفلي من مئذنة قايتباي في الأزهر (1494)، مع الجزء العلوي من مئذنة قايتباي الملحقة بضريحه في المقبرة الجنوبية (1472). كما تستحضر قبة المسجد المنحوتة عمارة قايتباي أيضًا، كما تظهر في موقعها الحالي من القلعة. شكلت العمارة المملوكية المتأخرة المصدر الأساسي لإلهام تصميم مسجد أولاد عنان.
2- تصميم مبنى وزارة الأوقاف
المثال الثاني هو مبنى الأوقاف (1898) وهو مازال قائم في وسط القاهرة حتى الآن، مع إضافات تمت لاحقا عام (1911 و1929). يتوافق المسقط الأفقي مع الوظيفة الإدارية للمبنى، وهي منظمة حول فناء داخلي. تحمل الرسومات هذه المرة اسم مهندس أوروبي غير معروف. والذي يذكر انه رسم ونسخ الرسومات في يونيو 1896. ووقع صابر صبري المشروع في اليوم التالي. وفقا للنقوش على الواجهة، تم الانتهاء من المبنى في عام 1898.
المبنى عبارة عن مجموعة (تلقيطية – Eclectic) من المفرادات المستعارة من آثار مملوكية متنوعة: فتحات غاطسة، تعلوها نقوش وزخارف جصية واستخدام الأبلق، استخدام تكوين مجموعة نوافذ قلاوون. وتم استخدام التلقيطية في هذه الحالة حيث أنه لا يمكن اللجوء إلى مثال تاريخي لتصميم مثل هذا النوع من المباني. والذي يعني بالضرورة الحاجة الى ابتكارات مختلفة.
توضح (Mercedes Volait) أن تصميمات صبري لمسجد أولاد عنان وجدت طريقها إلى مجلة معمارية فرنسية: وكان هذا وضعًا استثنائيًا لمهندس شرق أوسطي في ذلك الوقت! وبالرغم من ذلك تعرض صبري للنقد عام 1915، فتصميم مسجد أولاد عنان اعتمد بدون شك على نموذج قديم، ولكن كان يُنظر إلى المسجد الآن على أنه ذو مئذنة غير متناسبة ومراجع تاريخية غير صحيحة. وكانت الحداثة التي ستقطع العلاقات بالماضي هي التيار القادم.
في النهاية، إعادة إحياء الطراز المملوكي في القاهرة في نهاية التاسع عشر. يعتبر ظاهرة معقدة إلى حد ما، مع معاني وقراءات محتملة ومتنوعة، تتجاوز الرمزية السياسية بشكل عام المتعلقة بالطراز.
ظهرت المدرسة الرومانسية في أواخر القرن الثامن عشر كرد فعل على المدرسة التي سبقتها – الكلاسيكية الحديثة -، فقد احتضنت الرومانسية الفردية والذاتية لمواجهة الإصرار المفرط على الفكر المنطقي الذي كان يكسو الفن الكلاسيكي الحديث.
فقد بدأ فنانو الرومانسية في استكشاف حالات عاطفية ونفسية مختلفة بالإضافة إلى الحالة المزاجية. فبدأوا باستخدام الأحداث والمصائب التي تحدث لتسليط الضوء على الظلم بتراكيب درامية تنافس لوحات التاريخ الكلاسيكي الحديث الأكثر رصانة والذي كان مقبولًا بشكل كبير من الأكاديميات الوطنية.
لكن أصرت الرومانسية على احتضان ذلك الأسلوب والنضال من أجل الحرية والمساواة وتعزيز العدالة.
الحرية تقود الشعب، يوجين ديلاكروا
تضمنت مبادئ الرومانسية العودة إلى الطبيعة، والذي يتجلى في التركيز على الرسم العفوي في الهواء الطلق. كما آمنت بخير الإنسانية، تعزيز العدالة للجميع، بالإضافة إلى الإيمان القوي بالحواس والعواطف بدلاً من العقل.
مال المصورون والنحاتون الرومانسيون إلى التعبير عن الاستجابات الشخصية العاطفية للحياة، على النقيض من القيم العالمية التي دعى إليها الفن الكلاسيكي الجديد.
Caspar David Friedrich, Wanderer Above the Sea of Fog
وصف الشاعرالفرنسي “شارل بودلير” المدرسة الرومانسية قائلًا:
“Romanticism is precisely situated neither in choice of subject nor in exact truth, but in a way of feeling.”
“لا تقوم الرومانسية على دقة اختيار الموضوع ولا الحقيقة ذاتها، ولكن تقوم على طريقة الشعور”.
وقد ارتكزت أعمال الرومانسيين على المراقبة الدقيقة للمناظر الطبيعية خصوصًا السماء والجو. أدت تلك المراقبة إلى ارتقاء المناظر الطبيعية إلى مستوى جديد. وفي حين سعي بعض الفنانين على إظهار البشر كجزء من الطبيعة، صور آخرون قوة الطبيعة نفسها وعدم القدرة على التنبؤ بما فيها. أثار ذلك مشاعر السمو والرعب الممزوجين بالرهبة في المشاهد.
J. M. W. Turner, The Burning of the Houses of Lords and Commons (1835), Philadelphia Museum of Art
أكدت المدرسة الرومانسية على مشاهد الفولكلور والتقاليد والمناظر المحلية كالشوارع والأسواق، مما أدى إلى تعزيز الهوية الوطنية والفخر. وقد جمع الفنانون الرومانسيون بين المثالية والمشاعر الخاصة أو الفردية. دعت لوحاتهم إلى التجديد الروحي الذي من شأنه أن يبشر بالحريات التي لم يروها بعد. ومن خلال تأكيدهم على الخيال والعاطفة، ظهرت المدرسة الرومانسية كرد فعل على قيم التنوير للعقل والنظام وذلك في أعقاب الثورة الفرنسية عام 1789.
Louis Janmot, from his series “The Poem of the Soul”, before 1854
أهم فناني المدرسة الرومانسية
من بين أعظم فنانيين المدرسة الرومانسية:
هنري فوسيلي
فرانسيسكو غويا
كاسبر ديفيد فريدريش
جوزيف مولارد ويليام ترنر
جون كونستابل
ثيودور جيركولت
يوجين ديلاكروا
تأثير الرومانسية
حفّز الأسلوب الرومانسي للرسم على ظهور العديد من المدارس، مثل: مدرسة باربيزون للمناظر الطبيعية في الهواء الطلق، ومدرسة نورويتش لرسامي المناظر الطبيعية، ومدرسة نهر هدسون للمناظر الطبيعية.
The Gleaners. Jean-François Millet. 1857 (Barbizon school)
ولدت الكلاسيكية الحديثة كطفلٍ جديد في عصر التنوير عند اعتقاد الفلاسفة بقدرتنا على السيطرة على مصائرنا من خلال تعلم قوانين الطبيعة واتباعها. وقد جذب البحث العلمي المزيد من الاهتمام لذلك الأمر. ونتيجة لذلك، واصل المذهب الحديث ارتباطه بتقاليد الكلاسيكية القديمة لدلالتها على الاعتدال والتفكير العقلاني ولكن بروح جديدة ومشحونة سياسياً بشكلٍ أكبر.
الكلاسيكية الحديثة في الفن
تعني كلمة “Neo” أو “جديد” في الفن بأنه أسلوب قائم وموجود بالفعل لكن يعاد تأكيده بنمطٍ جديد. أما الكلاسيكية الحديثة، فهي شكل من أشكال الفن يتميز بأنه حاد وغير عاطفي، ويعيد إحياء أساليب العصور اليونانية والرومانية القديمة. وقد ظهر هذا التيار بتلك الصلابة ردًا على أسلوب الباروك المشحون بالعاطفة، والركوكو المليء بالأناقة.
Death of Marat, By: Jacques Louis David
وقد مثّل ظهور الكلاسيكية الحديثة جزءًا أساسيًا من إحياء الفكر الكلاسيكي بشكلٍ عام، والذي كان له بعض الأهمية في الثورتين الأمريكية والفرنسية. وحين كانت فرنسا على شفا ثورتها الأولى عام 1789، أراد الكلاسيكيون الجدد التعبير عن العقلانية والجدية والتي ناسبت عصرهم.
ألهم الفنان الفرنسي “نيكولا بوسان” باقي فناني الكلاسيكية الحديثة، وأصبح قرار الترويج لأعماله قرارًا أخلاقيًا. فقد اعتقد تلامذته وأتباعه أن الرسم القوي كان شيئًا عقلانيًا وبالتالي له الأفضلية من الناحية الأخلاقية. فكان اعتقاداهم أن الفن يجب أن يكون منطقيًا وليس حسيًا.
The Shepherds of Arcadia, By: Nicolas Poussin
بالإضافة إلى أن فناني الكلاسيكية الحديثة، مثل جاك لويس ديفيد، قاموا بتفضيل الشكل المحدد جيدًا -بالرسم والتظليل الواضح- باعتبار الرسم أكثر أهمية من إحساس اللوحة ككل. بالإضافة إلى وجوب سلاسة سطح اللوحة بشكلٍ كامل، وخلوِّه من أي دليل على وجود ضربات الفرشاة.
Oath of the Horatii, By: Jacques Louis David
الخصائص الفنية للعصر الكلاسيكي الحديث
التصوير
تميزت الكلاسيكية الحديثة بوضوح الشكل والألوان الرصينة والفراغ الضيق والخطوط الأفقية والرأسية القوية؛ مما أدى إلى ثبات عنصر الزمن في اللوحة بدلاً من الديناميكية الشديدة التي تميزت بها أعمال عصر الباروك.
كانت موضوعات الأعمال الكلاسيكية الحديثة (اللوحات والمنحوتات) جدية وغير عاطفية. فصوّر الرسامون الكلاسيكيون الجدد موضوعات من الأدب والتاريخ بالشكل الذي كنت عليه في كلا الفنين اليوناني والروماني، وذلك باستخدام ألوان قاتمة مع إضاءات بارزة من حين لآخر لنقل القصص الأخلاقية عن إنكار الذات والتضحية بالنفس بالكامل.
The Penitent Mary Magdalene (1752), Gemaldegalerie, Dresden
النحت
تعامل النحت الكلاسيكي الحديث مع نفس الموضوعات، وكان أكثر تحفظًا من فن النحت الباروكي الأكثر مسرحية، وأقل سلاسة من الروكوكو.
العمارة
كانت العمارة في عهد الكلاسيكية الجديدة أكثر ترتيبًا وتنظيمًا وأقل عظمة من الباروك، وعلى الرغم من عدم وضوح الخط الفاصل بينهما، لكنه كان يشبه إلى حد كبير الطرز اليونانية للعمارة، مع استثناء واحد وهو عدم وجود قباب في الأسلوب اليوناني القديم.
تمنح جائزة الآغا خان للهندسة المعمارية كل ثلاث سنوات لمشاريع ذات معايير جديدة للتميز في الهندسة المعمارية وممارسات التخطيط والمحافظة على التاريخ وهندسة المناظر الطبيعية. من خلال جهودها، تسعى الجائزة إلى تحديد وتشجيع بناء المفاهيم التي تلبي بنجاح احتياجات وتطلعات المجتمعات في جميع أنحاء العالم. تؤكد عملية الاختيار على الهندسة المعمارية التي لا توفر فقط احتياجات الأشخاص المادية والاجتماعية والاقتصادية، ولكنها تحفز أيضا توقعاتهم الثقافية وتستجيب لها. يتم إيلاء اهتمام خاص للمخططات التي تستخدم الموارد المحلية والتكنولوجيا المناسبة بطرق مبتكرة، وللمشاريع التي من المحتمل أن تلهم جهودا مماثلة في أماكن أخرى. يحكم الجائزة لجنة توجيهية يرأسها صاحب السمو الآغاخان. يتم تشكيل لجنة جديدة في كل دورة لوضع معايير الأهلية لتقديم المشاريع، وتوفير التوجيه المواضيعي استجابة للأولويات والقضايا الناشئة، ووضع خطط لمستقبل الجائزة. اللجنة التوجيهية مسؤولة عن اختيار وتعيين لجنة التحكيم الرئيسية لكل دورة من دورات الجائزة، وعن برنامج الجائزة للندوات والمحاضرات والمعارض والمنشورات الدولية. يبلغ إجمالي صندوق الجوائز الحالي 1،000،000 دولار أمريكي ويتم تقديمه للمشاريع التي تختارها لجنة تحكيم رئيسية مستقلة. وهو ما يعترف بجميع الأطراف المشاركة في تصميم وتنفيذ مشروع مبني. علاوة على ذلك، لا تكافئ الجائزة المهندسين المعماريين فحسب، بل تحدد أيضا البلديات والبنائين والعملاء والحرفيين والمهندسين الذين لعبوا أدوارا مهمة في تنفيذ المشروع. أكملت الجائزة 13 دورة من النشاط منذ عام 1977، وتم تجميع الوثائق على أكثر من 8000 مشروع بناء في جميع أنحاء العالم. حتى الآن، اختارت هيئات المحلفين الرئيسية 110 مشاريع لاستلام جائزة الآغاخان للعمارة. جائزة الآغا خان للهندسة المعمارية هي جزء من صندوق الآغا خان للثقافة، الذي يضم مجموعة واسعة من الأنشطة التي تهدف إلى الحفاظ على التراث المادي والروحي للمجتمعات وتعزيزه. بصفتها الوكالة الثقافية لشبكة الآغا خان للتنمية فإن الصندوق الاستئماني يعزز التراث الثقافي كوسيلة لدعم وتحفيز التنمية. 1
والمشاريع ال 6 التي حازت على هذه الجائزة العام الفائت 2019 هي:
البحرين: إحياء المحرق بدأ المشروع، لأول مرة كسلسلة من مشاريع الترميم وإعادة الاستخدام. تطور المشروع ليصبح برنامجا شاملا يهدف إلى إعادة التوازن بين التركيبة السكانية للمدينة من خلال إنشاء مساحات عامة وتوفير أماكن مجتمعية وثقافية وتحسين البيئة العامة.
بنغلاديش: مشروع أركاديا التعليمي المشروع هو هيكل نموذجي يأخذ نهجا جديدا لموقع النهر الذي غالبا ما تغمره المياه لمدة خمسة أشهر كل عام. بدلا من تعطيل النظام الإيكولوجي لإنشاء تل للبناء، ابتكر المهندس المعماري حل بنية برمائية يمكن أن تجلس على الأرض أو تطفو على الماء، اعتمادا على الظروف الموسمية.
فلسطين: المتحف الفلسطيني في بيرزيت حصل مشروع بيرزيت، الذي يتوج تلة مدرجات مطلة على البحر المتوسط ، على شهادة LEED الذهبية بسبب بنائها المستدام. إن الأشكال المتعرجة لعمارة المتحف وحدائق التلال مستوحاة من التراسات الزراعية المحيطة، مما يؤكد الارتباط بالأرض والتراث الفلسطيني.
الاتحاد الروسي: برنامج تطوير الأماكن العامة، في كازان، جمهورية تتارستان. قام برنامج في جمهورية تتارستان، بتحسين 328 مساحة عامة في جميع أنحاء تتارستان. سعى البرنامج الطموح لمواجهة الاتجاه نحو الملكية الخاصة من خلال إعادة تركيز الأولويات على المساحات العامة عالية الجودة لشعب تتارستان. لقد أصبح الآن نموذجا في جميع أنحاء الاتحاد الروسي.
السنغال: وحدة التعليم والبحث بجامعة أليون ديوب، في بامبي. يحتوي المشروع في بامبي، حيث أدت ندرة الموارد إلى استخدام استراتيجيات مناخية حيوية، على مظلة سقف مزدوجة كبيرة وأعمال شبكية تتجنب الإشعاع الشمسي ولكنها تتيح تدفق الهواء عبره. من خلال استخدام تقنيات البناء المألوفة واتباع مبادئ الاستدامة، نجحت في الحفاظ على التكاليف ومتطلبات الصيانة إلى الحد الأدنى، مع الاستمرار في إصدار بيان معماري جريء.
الإمارات العربية المتحدة: مركز واسط للأراضي الرطبة، في الشارقة. هو عبارة عن تصميم تحول الأراضي القاحلة إلى أرض رطبة ويعمل كمحفز للتنوع البيولوجي والتعليم البيئي. على الرغم من استعادة نظامها البيئي الأصلي، فقد أثبت أيضا أنه مكان شهير للزائرين ليقدروا ويتعرفوا على بيئتهم الطبيعية. 2
كيف تمكن الإغريق من بناء معابدهم الضخمة بوسائل بدائية ؟
ظهرت الرافعات في اليونان لأول مرة منذ أكثر من 2500 عام، لكن يشيرُ بحثٌ جديد لوجود آلة رفعٍ بدائية (كنوع سابق من الرافعات) كانت قيد الاستخدام قبل حوالي 4 آلاف عام.
اشتهر الإغريق القدماء بضخامة عمارتهم الحجرية التي تمكنوا من بنائها دون مساعدة معدات حديثة، ويُذكر أنهم استفادوا من الرافعة التي ربما استخدمت لأول مرة في أواخر القرن 6 ق.م.
يُعتقد بأن الاغريق قاموا برفع الكتل الحجرية الثقيلة بواسطة منحدرات أرضية أو سلالم مصنوعة من الطوب على غرار ما فعله الآشوريون والمصريون القدماء منذ قرون.
وفقاً لبحثٍ جديد نُشر في المجلة السنوية للمدرسة البريطانية في أثينا، تبين أن بناة المعابد الحجرية الأولى في تاريخ اليونان بما فيها معابد Isthmia و Corinth، قد استخدموا رافعة بدائية في وقتٍ مبكر من منتصف القرن 7 ق.م. بناءً عليه يمكن اعتبار هذه الرافعة كآلة هامة سابقة للرافعة الحالية، كانت قادرة على رفع الكتل الحجرية المنحوتة في معابد Corinth التي يتراوح وزنها بين 200 و 400 كغ.
يشير Alessandro Pierattini (الكاتب الوحيد للدراسة الحديثة من جامعة نوتردام)، بأن آلة الرفع هذه قد تم اختراعها في الأصل من قبل الكورنثيين الذين استخدموها في بناء السفن وفي إنزال التوابيت الثقيلة Sacrophagi في حفرٍ ضيقة عميقة. من ناحيةٍ تقنية لم تكن رافعة (بالمعنى المعاصر الحالي) لعدم اعتمادها على السحب والرفع بأسلوب رافعات hoists وwinches، فعوضاً عن ذلك قام الإغريق بإعادة توجيه القوة باستخدام حبلٍ مارٍ عبر إطار.
الدليل الرئيسي لهذا الادعاء يأتي من وجود أخاديد محفورة في قاعدة الأحجار المستخدمة في بناء معابد Isthmia و Corinth. إن مؤرخي الآثار والباحثين على دراية بهذه الأخاديد وقد اقترحوا تفسيرات لها بأنه قد تم استخدامها إما لربط الكتل الحجرية بآلات الرفع أو لتحريك الكتل الحجرية ضمن مقالع الحجر.
يقوم بحث Pierattini على إعادة فحص الكتل الحجرية في معابد منتصف القرن 7 ق.م في Isthmia و Corinth بتقطيعاتها الفريدة (زوجٌ من الأخاديد المتوازية) على القاعدة السفلية للحجر التي تصل إلى الجزء الجانبي منه في نهاية واحدة. يخلص الفحص إلى أن الأخاديد قد استُخدمت في الرفع لتشهد على التجربة الأولى في رفع الكتل الحجرية المعمارية في تاريخ اليونان. أوضح Pierattini باستخدامه لأحجار وحبال فعلية، بأن الأخاديد قد تؤدي وظيفة مزدوجة مما يسمح للبناءين برفع الكتل الحجرية وتثبيتها بإحكام إلى جانب مجاورتها في الحائط.
تمثل هذه المرحلة من أعمال البناء خطوة مفصلية في تطور عمارة اليونان الحجرية الضخمة، متمثلةً بانتهاء البناء بالطوب في العمارة الطينية وبالتجارب الأولى في البناء بالحجارة.
قال Pierattini مع وجود كتل حجرية ثقيلة والاحتكاك الكبير بين أسطحها، كانت تشكل معضلة في عملية البناء تطلب في وقتٍ لاحق إحداث مجموعة من الثقوب المصممة خصيصاً لاستخدام الرافعات المعدنية.
الرافعة البدائية التي تم استخدامها للمباني الضخمة
يوضح البحث بأن بناة المعابد القديمة Isthmia و Corinth كانوا يستخدمون بالفعل الرافعات لعملية التموضع الأخير للكتل الحجرية وهذا يمثل أول استخدام موثق للرافعة في العمارة اليونانية في وقت مبكر من منتصف القرن 7 ق.م أي قبل حوالي 150 عام من بدء انتشار الرافعات المطورة بالكامل (للسحب) winch crane و ( للرفع) hoist crane وهذا الاكتشاف هو دليل آخر على الابداع الفذ للاغريق القدماء.
هو برج جرس في بيزا، إيطاليا. يشتهر برج بيزا عالميا بميله البارز من جانب واحد. بنيت أسس البرج على باطن ناعم واجه صعوبة في دعم وزن البرج (14500 طن). عندما بدأ الطابق الثاني، أصبح الميلان ملحوظا وتفاقم سوءا مع استمرار البناء. في الأصل انحنى البرج بزاوية 5.5 درجة، بعد أعمال الترميم بين عامي 1990 و2001، تم تخفيض هذه الزاوية إلى 3.97 درجة. يبلغ ارتفاع البرج المكون من 8 طوابق من الجانب المنخفض 55.86 م، ومن الجانب العلوي 56.67 م. بدأ إنشاء برج بيزا في عام 1173 وانتهى في عام 1372. توقف البناء وأعيد تشغيله مرتين على مدى 199 عاما بسبب الحروب. توقفت الحرب عن البناء لأول مرة منذ ما يقرب من قرن من الزمان مما أعطى الوقت الكامن للتربة للاستقرار والضغط. 1
بسبب هذا الميلان الذي لم يكن مخطط له أصبح برج بيزا من اشهر معالم العالم. لفهم السبب في أن البرج بدأ يميل، يجب أن نلقي نظرة على الموقع الجغرافي لمدينة بيزا الصغيرة. تقع بلدة بيزا الصغيرة بين نهري أرنو وسيرشيو، وتقع بالكامل على التربة الغرينية المكونة أساسا من الرمال والطين والقذائف. التركيبة الخاصة لهذه التربة تجعلها ناعمة جدا وغير مناسبة لتحمل الأحمال الثقيلة. لذا، فإن السبب الذي يجعلنا نعجب اليوم بهذا البناء المتميز هو التربة غير المستقرة التي بني عليها. بدأ البرج يميل حوالي خمس سنوات في بنائه عندما أنهى البنائين المستوى الثالث (ارتفاع حوالي 23 متر). بما أن التصميم الأصلي خطط لما مجموعه ثماني طوابق، فقد أصبح من الواضح على الفور أنه يجب إيقاف البناء حتى يتم العثور على حل لمشكلة غرق الأساس. في غضون ذلك، تم بناء برجين آخرين على الأقل في بيزا يتبعان نفس الإيمان: برج الجرس سان ميشيل ديغلي وبرج الجرس سان نقولا. بدأ كلا البرجين يميلان بعد البناء. ومع ذلك، بخلاف برج بيزا، استمرت الأعمال في هذين البرجين الآخرين دون انقطاع مما أدى إلى أبراج مستقيمة، تم بناؤها وفقا لتصميمها الأصلي تماما. من غير المعروف ما إذا كان هذا يرجع إلى حقيقة أن تلك الأبراج أقصر وبالتالي فهي أقل عرضة لخطر الانهيار أو أنها فقط بسبب أن الأبراج بدأت تغرق بعد الانتهاء منها. ما يجعل برج بيزا فريدا، هو الجهد الهندسي المبذول لمواصلة البناء على الرغم من الظروف غير المواتية للتأسيس. للتغلب على الميل الثقيل، كان على المهندسين مراجعة التصميم وتغيير هندسة البرج لتعويض الميل غير المخطط له. والنتيجة هي شكل الموز الفريد للبرج الذي يظهر بوضوح عند الدخول من الباب الغربي للساحة. كل يوم تشرق الشمس على البرج على جانبها الجنوبي، من الشرق في الصباح إلى الغرب في المساء. في إيطاليا، يكون الإشعاع الناتج عن الشمس قويا جدا ويتسبب في زيادة درجة حرارة الأسطح المعرضة لأشعة الشمس المباشرة. بشكل خاص في فصل الصيف حيث درجة حرارة الهواء يمكن أن تتجاوز 40 درجة مئوية. في هذه الحالة، يؤدي التمدد الحراري للجانب الجنوبي للبرج إلى زيادة طوله (ارتفاعه). لا يخضع الجانب الشمالي (الذي لم يتم تعريضه للإشعاع مباشرة) لنفس التغير في الحجم. إذا كان البرج يميل في اتجاه الشمال، لكانت هذه الظاهرة قد زادت من ميلها، وربما تنتهي في انهيار كارثي. كانت حقيقة أن البرج يميل في اتجاه الجنوب أمرا أساسيا حتى يقف حتى اليوم. عندما استؤنفت أعمال البناء، نجح كبير المهندسين جيوفاني دي سيموني في جعل البرج يقف. كانت زاوية الميل للبرج المكتمل حديثا حوالي 1.4 درجة. تشير التقديرات إلى أن البرج استمر في التراجع بمعدل 0.05 بوصة سنويا، حتى عام 1993 عندما وصل إلى درجة الميل 5.5. في تلك المرحلة، تم اعتبار البرج في خطر الانهيار وكان مغلقا أمام الجمهور. عندما أعاد البرج فتح أبوابه أمام الجمهور في عام 2001، تم تخفيض زاوية الإمالة بنجاح إلى أقل من 4.0 درجة. وفقا للخبراء، فإن الظروف الحالية للتربة جيدة بما يكفي لضمان بقاء البرج لمدة 200 عام على الأقل. ما لم يضرب زلزال توسكانا، مثل تلك التي تسببت في تدمير أبروتسو وأجزاء أخرى من إيطاليا. 2
يعزى تصميم البرج على نطاق واسع إلى Guglielmo و Bonanno Pisano، لكن الدراسات الحديثة تشير إلى أن المهندس المعماري Diotisalvi ربما شارك في التصميم. في حين أن المهندس المعماري الأصلي للبرج لم يتم التحقق منه على الإطلاق، فمن المعروف أن الكثير منهم قد عملوا على ذلك، بما في ذلك: Bonanno Pisano و Gerardo di Gerardo في المرحلة الأولى، و Giovanni Pisano، و Giovanni di Simone خلال المرحلة الثانية قبل أن يشرف Tommaso di Andrea Pisano على استكماله.
بسبب المستنقعات الكامنة في باطن الأرض هناك العديد من الأبراج الأخرى في بيزا مع قضايا إمالة أقل وضوحا. 1
هناك مجال جديد نسبيا للبحث، وهو “علم النفس المعماري”.
الهدف من هذا المجال الأكاديمي هو استكشاف تأثير الفراغ المعماري على البشر، ومشاعرهم وسلوكهم، وصياغة توصيات لتخطيط وتصميم المباني. يطرح هذا المجال البحثي أسئلة حول تأثير الفراغ المعماري و المساحات الداخلية و الخارجية على الأشخاص من الناحية المعرفية والعاطفية والاجتماعية، كيف يمكن تصميم المنازل والمكاتب والمباني بشكل عام وهيكليتها، بحيث تقلل من الإجهاد أو تعزز الرفاه؟
حيث يعيد المهندسيين المعماريين التفكير في تأثير المباني على مشاعرنا في عصر “الهندسة العصبية”.
“بنينا مبانينا ومن ثم هي من بنتنا”، صرح بهذه المقولة ونستون تشرشل عام 1943.
بعد أكثر من 70 عاما، سيكون من دواعي سروره بلا شك معرفة أن علماء الأعصاب وعلماء النفس قد وجدوا الكثير من الأدلة لدعمه
بأن الفراغ المعماري يمكن أن يؤثر على مزاجنا ورفاهيتنا، وأن الخلايا المتخصصة في منطقة الحصين من أدمغتنا تتوافق مع هندسة وترتيب المساحات التي نعيش فيها.
لكن المهندسين المعماريين في المناطق الحضرية غالبا ما يولون اهتماما ضئيلا للآثار المعرفية المحتملة لإبداعاتهم على سكان المدينة. تميل ضرورة تصميم شيء فريد من نوعه إلى تجاوز الاعتبارات المتعلقة بكيفية تشكيل سلوكيات أولئك الذين سيعيشون معها.
اليوم، بفضل الدراسات النفسية، لدينا فكرة أفضل بكثير عن نوع البيئات الحضرية التي يحبها الناس و يجدونها محفزة.
ففي الشهر الماضي، نظر مؤتمر المدن الواعية في لندن في كيفية جعل اكتشافات العلماء مفهومة لدى المهندسين المعمارين.
وقال أحد المتحدثين في المؤتمر، أليسون بروكس، وهي مهندسة معمارية متخصصة في الإسكان والتصميم الاجتماعي، إن الأفكار المستندة إلى علم النفس يمكن أن تغير كيفية بناء المدن.
وتقول: “إذا كان العلم يمكن أن يساعد مهنة التصميم في تبرير قيمة التصميم الجيد والحرفية، فستكون أداة قوية للغاية وربما تغير نوعية البيئة المبنية”.
من شأن التفاعل الأكبر بين التخصصات، على سبيل المثال، أن يقلل من فرص تكرار قصص الرعب المعمارية مثل مجمع برويت إيجو السكني في الخمسينيات في سانت لويس بولاية ميسوري، والذي يضم 33 مبنى سكني متميزا، صممه مينورو ياماساكي، المسؤول أيضا عن التجارة العالمية.
سرعان ما أصبح سيئ السمعة بسبب جريمتهم، وضعفهم الاجتماعي. جادل النقاد بأن المساحات المفتوحة الواسعة بين الكتل الشاهقة في الحداثة عطلت الإحساس بالانتماء إلى المجتمع، خاصة مع ارتفاع معدلات الجريمة.
تم هدمهم في نهاية المطاف في عام 1972.
إن الافتقار إلى البصيرة السلوكية وراء مشاريع الإسكان الحديثة في تلك الحقبة، وشعورهم بالعزلة عن المجتمع الأوسع والأماكن العامة الخاطئة، جعل الكثير منهم يشعرون، على حد تعبير الفنانة البريطانية تيني تمبا، التي نشأت في واحد، كما لو أنهم “صمموا لكي لا تنجحوا”.
كما جرت دراسات تدعم هذه الفكرة تعتمد على قياس الاستجابات الفسيولوجية للأفراد في الموقع، وذلك باستخدام أجهزة يمكن ارتداؤها مثل الأساور التي تراقب سلوك الجلد (علامة على الإثارة الفسيولوجية)، وتطبيقات الهواتف الذكية التي تسأل موضوعات عن حالتهم العاطفية، وسماعات رأس الدماغ الكهربائي (EEG) قياس نشاط الدماغ المتعلقة بالحالات العقلية والمزاج.
وقال كولن إيلارد، الذي يبحث في التأثير النفسي للتصميم في جامعة واترلو في كندا: “هذا يضيف طبقة من المعلومات التي يصعب الحصول عليها، عندما نسأل الناس عن إجهادهم يقولون إن هذا ليس بالأمر الكبير، ولكن عندما نقيس فسيولوجياتهم نكتشف أن ردودهم تكون خارج المخططات. الصعوبة تكمن في أن حالتك الفسيولوجية هي الحالة التي تؤثر على صحتك، إن إلقاء نظرة فاحصة على هذه الحالات الفسيولوجية يمكن أن يلقي الضوء على كيفية تأثير تصميم المدينة على أجسامنا”.
كما أن الهندسة المعمارية الخاطئة والأقل شأنا، إلى جانب عوامل أخرى، يمكن أن تعزز التوتر وتشجع الإرهاق وتحث على الأعراض النفسية الجسدية وحتى تعزز الانزعاج البدني. وكقاعدة عامة، لا تظهر هذه الآثار على الفور، ولكنها تظهر غالبا بعد فترة أشهر أو سنوات. وهذا يتيح الاستنتاج العكسي بأن المساحات يمكن أن تدعم أيضا عمليات الشفاء وتعزز الرفاه.
من أجل الشعور بالراحة في بيئة، لا يتطلب فقط مناخ داخلي لطيف. يلعب الضوء والمصانع والمواد وأساليب البناء ودرجة الحرارة وظروف الجو أيضا دورا في الرفاه والصحة.
علينا أن نضع في اعتبارنا أن البشر لديهم تصور كلي: حواسنا تؤثر على تفكيرنا ومشاعرنا وأفعالنا وبالتالي على الجسم كله إذا تم تحفيز حواسنا بشكل إيجابي، يمكن أن يكون لهذا تأثير منشط أو مهدئ. ونتيجة لذلك، يمكن للمساحات المحيطة أن تؤثر على تفكيرنا، وأنماط العمل، وتعزيز الدافعية واستعدادنا للعمل، وتعزيز أدائنا أو التركيز. إذا شعرنا بعدم الارتياح في الأماكن، فقد يؤدي ذلك إلى الشعور بعدم الراحة أو فرط الحساسية أو الخمول أو حتى القلق.
البيئة المعيشية التي نتحرك فيها ونحيط بها هي أرض خصبة لتطورنا. بالمعنى الإيجابي، يمكن أن تساهم المساحات في تعزيز شعورنا باحترام الذات والرضا. قد يتسبب العجز في هذا المجال في عدم الرضا والأرق والغربة والإهمال.
أن المرضى وكبار السن والأطفال مرتبطون ببيئتهم المعيشية أكثر من غيرهم، وبالتالي سيتأثرون بشدة بالأوضاع المكانية.
كلما كنا غير آمنين، كان تأثير البيئة أقوى علينا.
ومع ذلك، في الحالة الإيجابية، يمكن للهندسة المعمارية المصممة جيدا تسريع عمليات الشفاء (على سبيل المثال في المستشفيات)، وتقوية التمارين والحيوية، والمهارات العاطفية والمعرفية، والمهارات الاجتماعية التفاعلية والتواصلية.
لذلك من الضروري أن يراقب المهندسون المعماريون الوظائف المعمارية وتأثيرها على البشر. اعتمادا على المبنى، على سبيل المثال يجب أن تشع المستشفى بالسلام والثقة والأمل وفقاةلذلك، كما يجب أن تثير المدرسة الفضول والفرح والإثارة ويجب أن يدعم المكتب بالإبداع والإنتاجية والتركيز.
برج إيفل، رمز مدينة باريس ومعلم الحب الشهير أو كما يلقبونه الفرنسيون السيدة الحديدية. بدأ تصميمه عام 1889 استعدادا للمعرض العالمي في باريس تم بناؤه لإحياء ذكرى مرور مائة عام على الثورة الفرنسية ولإظهار براعة فرنسا الصناعية للعالم. عندما بدأ بناء برج الحديد المطاوع لم يكن الجميع في باريس مسرورًا بفكرة نصب تذكاري معدني ضخم يلوح في المدينة. على الرغم من أنه أصبح الآن رمزا عالميا للرومانسية، إلا أن التصميم الجذري لبرج إيفل ألهم أي شيء سوى الحب، حيث وقع 300 من الفنانين والمفكرين الباريسيين على البيان التالي الذي نشر في جريدة Le Temps يوم عيد الحب في عام 1887: “نحن، الكتاب والرسامين والنحاتين والمهندسين المعماريين وعشاق الجمال، نحتج بكل قوتنا، بكل سخطنا، باسم الذوق الفرنسي الذي لم يتم التعرف عليه، باسم الفن والتاريخ الفرنسي تحت التهديد، ضد البناء في قلب عاصمتنا برج ايفل عديم الفائدة والوحشية.” 1 وقال جودك سناجدار، مؤرخ فني في أمستردام ومدون في كالتشر توريست: على الرغم من أنه في البداية كان ينظر إليه على أنه أبشع مبنى في باريس، إلا أنه سرعان ما أصبح رمزا للمدينة. ينسب التصميم إلى غوستاف إيفل، مهندس مدني فرنسي، ومع ذلك، كان في الواقع رجلان أقل شهرة هما موريس كوشلين وإميل نوجير، اللذان وضعا الرسومات الأصلية للنصب التذكاري. يتكون هيكل الحديد المطاوع من أربعة أرجل ضخمة مقوسة ومثبتة على أرصفة البناء التي تنحني إلى الداخل حتى تنضم إلى برج واحد مدبب. يتطلب بناء البرج 2.5 مليون من المسامير المجمعة حراريا و7300 طن من الحديد لحماية البرج، قام العمال بطلاء كل شبر من الهيكل، وهو الأمر الذي تطلب 60 طنا من الطلاء. تم إعادة طلاء البرج 18 مرة. استخدم غوستاف إيفل الحديد المطاوع المصنوع من الصلب لبناء البرج لإظهار أن المعدن يمكن أن يكون قويا مثل الحجر بينما يكون أخف وزنا. كلف بناء برج إيفل 7،799،401.31 فرنك ذهب فرنسي في عام 1889، أو حوالي 1.5 مليون دولار. يبلغ ارتفاع برج إيفل 1063 قدما (324 مترا). كان أطول مبنى في العالم حتى تم بناء مبنى كرايسلر في نيويورك في عام 1930. برج ايفل يزن 10،000 طن. هناك 5 مليارات مصباح على برج إيفل و يتكون من 108 طابقا مع 1710 درجة و مصعدين. تصل المنصة الاولى له إلى ارتفاع 190 قدم فوق سطح الأرض، و يبلغ طول المنصة الثانية 376 قدما، بينما يصل ارتفاع المنصة الثالثة إلى 900 قدم تقريبا، يمكن للزوار تسلق للسلالم إلى المنصة الأولى فقط. 2
تسارع السلطات الصينية لبناء مستشفى في عشرة أيام في (ووهان- Wuhan)، المدينة تعتبر قلب تفشي (فيروس كورونا)، للمساعدة في مكافحة الفيروس سريع الانتشار. حيث أن تفشي المرض أجهد موارد مستشفيات (ووهان)، الذين أُجبروا على رفض المرضى بسبب نقص الأسرة والإمدادات الطبية الأساسية. من المتوقع أن يتم تشغيل مستشفى (هووشينشان – Huoshenshan) الذي يتسع لـ 1000 سرير في الثالث من فبراير، بينما من المفترض أن يكون الثاني، وهو مستشفى يتسع لـ 1600 سرير يدعى (ليشنشان – Leishenshan)، جاهزًا بحلول الخامس من فبراير، بعد 10 إلى 12 يومًا فقط من الإعلان عن إنشائهما. وبعيدًا عن مأساة تفشي الفيروس، فنستعرض في المقالة كيفية بناء ذلك في عشرة أيام فقط.
تصميم المستشفى
يقدم منظور تم نشره على موقع شركة الإنشاءات لمحة عن الشكل الذي قد يبدو عليه موقع (هووشينشان) بمجرد الانتهاء منه. كما تقدم الصور ومقاطع الفيديو وغيرها من المعلومات التي تقدمها شركة البناء والمسؤولون الصينيون صورة أكثر اكتمالًا عن كيفية بناء مثل هذه المنشأة بهذه السرعة. يمتد مستشفى (هووشينشان) على مساحة ثمانية أفدنة ويشمل وحدة العناية المركزة وأجنحة المرضى وغرف الاستشارات وغرف المعدات الطبية وغيرهم. سيتم بناء أجنحة منفصلة للحجر الصحي لتقليل مخاطر الإصابة بالعدوى، وفقاً لتلفزيون الصين المركزي.
سيكون المستشفى عبارة عن مبنى من طابقين يتكون من وحدات مديولية مسبقة الصنع، وفقًا لموقع (China State) للانشاءات الهندسية. بدأت مقاطع الفيديو والصور الخاصة بالبناء في موقع (هووشينشان) في الظهور على الإنترنت في 24 يناير، تحتوي على عشرات الحفارات والجرافات وغيرها من معدات الحفر التي تهرع لتسوية الأرض.
تصميم الوحدة المديولية
تبلغ مساحة كل وحدة حوالي 100 قدم مربع أي حوالي 9.2 متر مربع، ويمكنها استيعاب سريرين، وفقًا لصحيفة (People’s Daily)، الصحيفة الرئيسية للحزب الشيوعي الصيني. يتم تقليل الضغط في الغرف بحيث يتم سحب الهواء إليها، حيث ان الهواء يتحرك من الضغط المرتفع الى الضغط المنخفض، وهي ممارسة شائعة في المستشفيات لمنع الكائنات الحية الدقيقة الموجودة في الهواء من الانتشار خارج الغرفة وإلى الممرات. (وفقًا لمراكز السيطرة على الأمراض والوقاية منها.)
لكن كيف يمكن للصين ضغط جدول المشروع الى عشرة أيام؟
تثير وتيرة البناء المتسارعة في ووهان العديد من الأسئلة: كيف يمكن للصينيين ضغط مواعيد الإنشاء جذريًا؟ عادة ما يستغرق إنشاء مبنى – وهو مستشفى متكامل الخدمات به معدات طبية – عدة سنوات فكيف للصين بناء مستشفى في عشرة أيام فقط. وهل يمكن أن يكون البناء السريع آمنًا حقًا؟
يوضح (Scott Rawlings)، المهندس المعماري المسئول عن شركة الهندسة العالمية (HOK) المتخصصة في المنشآت الصحية، أن ما يبنيه الصينيون ليس منشأً طبيًا نموذجيًا، بل هو “مركز فرز لإدارة العدوى الجماعية”.
أتردد في الإشارة إلى المستشفى الذي أقيم اليوم في ووهان كمستشفى دائم، وهو بالتأكيد ليس مرفقًا متكامل الخدمات، عندما نقوم بتصميم ذلك، فإننا نأخذ في الإعتبار استخدام المبنى وقدرته على التكيف لمدة 75 عامًا في المستقبل… الصين ليس لديها هذا الترف في تصميم المستشفى الجديد في (ووهان).
يوضح رولينجز، الذي يعمل حاليًا في مستشفى جديد بسعة 500 سرير في مدينة (تشنغدو) ومستشفيين في (هونغ كونغ)، أنه بالنسبة لمشروع مستشفى نموذجي، يتم قضاء وقت كبير في التشاور مع المرضى والموظفين الطبيين ومسؤولي الرعاية الصحية والمجتمع المحيط. للتأكد من أن التصميم فعال لجميع المستخدمين.
مع عدم وجود وقت لإجراء الاستشارات لتصميم مخصص جديد، يستخدم مسؤولو (ووهان) مخططات من مستشفى (شياوتانغشان – Xiaotangshan)، وهو منشأة طبية تتسع لـ 1000 سرير في ضواحي (بكين) تم تجميعه خلال أسبوع خلال (وباء السارس) في عام 2003.
صورة: كهربائيون يتسابقون لبناء مستشفى (شياوتانغشان) في بكين خلال وباء السارس عام 2003.
استخدام الوحدات الجاهزة هو مفتاح الإسراع في مستشفيات ووهان. يتم تجميع الغرف المُصنَّعة بالكامل في المصنع وتنقل بالشاحنات وتوضع في مكانها. ليتم بناء مستشفى في عشرة أيام فقط.
يؤكد المهندس Thorsten Helbig، وهو مهندس إنشائي ومؤسس مشارك لشركة الهندسة الألمانية (Knippers Helbig)، والذي يُدَّرِس حاليًا في (Cooper Union) في مدينة نيويورك، أن تقنية البناء سابقة التجهيز هذه آمنة تمامًا من الناحية الإنشائية.
يوضح أنه نظرًا لأن الوحدات يتم تجميعها في ظل بيئة خاضعة لمراقبة الجودة بالمصنع، فإنه يمكن للمصممين والإنشائيين استكشاف أي مشاكل والتأكد من أن جميع الوحدات المديولية تعمل معًا قبل أن يتم تجميعها. يعتمد البناء التقليدي، من ناحية أخرى، على الظروف الجوية والجدول الزمني من مختلف المقاولين الذين يعملون على جوانب مختلفة من المشروع. اليوم، تضم سلاسل الفنادق من (Citizen M) و (Marriott) إلى شركة (KPMG) التي افتتحت حديثًا في فلوريدا ، الأجزاء مسبقة الصنع في خطة البناء الخاصة بها.
يقول رولينغز إن تاريخ الصين مع الأوبئة الجماعية قد أعدهم للأزمة المستمرة في ووهان.
“من نواحٍ كثيرة، تتفوق الصين على الولايات المتحدة والدول الأخرى عندما يتعلق الأمر بالرد على الإصابات الجماعية، كما حدث من قبل مع السارس في أوائل العقد الأول من القرن العشرين… يمكن أن يكون لدى الصين أيضًا قيود بيروقراطية أقل عندما يتعلق الأمر بتصميم وبناء مشاريع ضخمة مثل هذا المشروع، لا سيما عندما يكون الكثير على المحك”.
هناك عوامل جديرة بالملاحظة من شأنها تسريع مشاريع البناء في الصين: الافتقار إلى النقابات العمالية، والتدفق المستمر للعمالة الرخيصة من البلدات المحلية، وتوافر مواد البناء. ولكن هذا لا يعني بالضرورة أن معايير البناء في الصين أكثر تساهلاً مقارنة بالنظيرات الغربية.
المستشفيات المسبقة الصنع: آمنة ولكن ليست مستدامة دائما
يقول (Helbig)، الذي عمل في العديد من مشاريع البنية التحتية الرئيسية في الصين بما في ذلك مطار (Shenzhen Bao’an) ومنتجع ديزني في شنغهاي، إن هوس الصينيين الكبير بالهندسة والعمارة جعل البنائين الصينيين متفوقين وبارعين للغاية. ففي عام 2016، أكملوا 84 ناطحة سحاب (أبراج بارتفاع 650 قدمًا وأعلى) مقارنة بسبعة فقط في الولايات المتحدة، على سبيل المثال. كما تم بناء ناطحة السحاب الصغيرة المكونة من 57 طابقًا في (هونان) في 19 يومًا فقط.
يضيف (Helbig) أن الرغبة في الابتكار تساعد أيضًا. حيث يلاحظ أنه مقارنة بالدول الأمريكية والأوروبية، فإن الصينيين أكثر راحة في تبني طرق بناء جديدة.
“إنهم منفتحون جدًا على التقنيات الجديدة والتغيرات التكنولوجية، وهذا يختلف حقًا عن العالم الغربي في بعض النواحي. كمهندس، أقدر هذا الموقف جدًا. فنادراً ما يتمسك الصينيون بكيفية قيامهم بالأشياء في الماضي”.
ولكن بالرغم من سرعة وآمان تلك المباني في الصين، فإنها ليست بالضرورة مستدامة دائمًا، يوضح هيلبيج. “لا أستطيع أن أتخيل أن هذه المباني هي أفضل الحلول”. لقد تم التخلي عن مستشفى (شياوتانغشان) في بكين بعد احتواء وباء السارس، حسبما ذكرت هيئة الإذاعة البريطانية. نظرًا لأنه من الصعب إعادة استخدام مثل هذا المرفق المتخصص لأي استخدام آخر، مما يجعلها عديمة الفائدة إلى حد كبير بعد الطوارئ.
يقول (Helbig)، وهو مؤيد للعمارة المستدامة الخشبية، إنه لا يزال هناك عمل يجب القيام به في تصميم الوحدات مسبقة الصنع صديقة للبيئة، يمكن تفكيكها وإعادة استخدامها في حالات الطوارئ الأخرى أو غيرها من الهياكل المفيدة.
في بداية القرن الخامس عشر، شهدت إيطاليا نهضة ثقافية أثرت بشكل كبير على جميع فئات المجتمع. أدى ذلك إلى الابتعاد عن السمات القوطية والرومانية السابقة، مما أدى إلى ظهور “عصر النهضة”.
بدأ ظهور عصر النهضة بمجموعة من الفنانين واللوحات والسمات المتطورة، وقد عرفت أول فترة منها باسم “النهضة المبكرة”، ثم جاءت بعدها فترة سميت بـ “النهضة الحديثة”. حيث صاحبت النهضة الحديثة نهضة في شمال أوروبا، فلم يكن لعصر النهضة المبكرة تأثير يذكر خارج إيطاليا. لكن منذ أواخر القرن 15 بدأت سمات ذلك العصر بالانتشار خارج إيطاليا عابرة حدودها إلى شمال أوروبا.
حفّز الفنانون في إيطاليا على تجديد أمجاد الفن الكلاسيكي بما يتماشى مع عصر ناشئ معاصر يهتم بالإنسانية والفردية. وانطلاقًا من هذه البيئة الجديدة المزدهرة التي مكّنت المجتمع من الانغماس الكامل في دراسات العلوم الإنسانية، بدأ فنانو عصر النهضة في خلق أعمالٍ مكتظة بالمعارف المختلفة. شملت أعمال أولئك الفنانين الهندسة المعمارية والفلسفة واللاهوت والرياضيات والعلوم والتصميم.
استمرت الابتكارات التي نشأت في الفن خلال هذه الفترة في إحداث أصداءٍ لازالت تؤثر على الساحات الإبداعية والثقافية اليوم.
عصر النهضة المبكر
يعتبر عصر النهضة المبكر أول مراحل عصر النهضة، وقد استمرت الفترة المبكرة نحو 90 عامًا. تشير الفترة المبكرة في المقام الأول إلى الفترة الفنية التي سادت إيطاليا في القرن ال15.
بدأ الفنانون بالابتعاد عن الفن القوطي وتطورت الأساليب الفنية الجديدة جذريًا. ابتعدوا عن الأعمال الفنية ذات الأشكال المسطحة وثنائية الأبعاد، والتي شاعت في السابق.
Birth of Venus, By: Sandro Bottcili Location: Uffizi Gallery
وقد شمل ذلك إدخال أساليب ثورية مثل:
المنظور الخطي ذو النقطة الواحدة والمستمد من دراستهم للرياضيات والهندسة المعمارية.
التفاصيل الطبيعية والتشريحية.
الاهتمام بالنسب.
استخدام التباين العالي بين الظل والضوء.
الخداع البصري لغرض خلق الأوهام.
وقد تطورت الموضوعات لتبتعد عن القصص الدينية التقليدية التي سيطرت على الفن طوال تاريخه.
شمل ذلك التجديد مشاهد المعارك، والصور الشخصية – Portraits، وتصوير الأشخاص العاديين بعيدًا عن المقدسات. لم يعد الفن وسيلة لرفع مقام الشخصيات الدينية فحسب، بل أصبح وسيلة لتوثيق حياة الناس وأحداث العصر الحديث، بالإضافة لتوثيق التاريخ.
Jerome in his Study, By: Antonello da Messina, Location: National Gallery, London
ومن المؤكد أن فناني عصر النهضة المبكرة قد تأثروا بالفلسفة الإنسانية التي أكدت أن علاقة الإنسان بالعالم والكون والله لم تعد حكرًا على الكنيسة فقط. أدى ذلك التأثر إلى إنتاج أعمالٍ أكدت على الخصائص العاطفية والفردية للأشخاص بمواضيعٍ وطرقٍ جديدة. ترتب ذلك التأثر على بناء طرقٍ أكثر عاطفية بين المشاهد والتجربة الفنية.
من الأعمال الفنية في عصر النهضة المبكر
The Annunciation, By: Fra Angelico
Flagellation of the Christ, By: Piero della Francesca
بوابات النعيم: Gates of Paradise, By: Lorenzo Ghiberti
تيار التصوير الهولندي المبكر، الفن الفلمنكي
أما بالنسبة لتيار (التصوير الهولندي المبكر) والذي يطلق عليه أيضًا الفن الفلمنكي، فقد اشتمل على العديد من المجالات كالنحت والتصوير والعمارة والفنون البصرية الأخرى. نشأ وازدهر تيار الفن الفلمنكي في العديد من المجالات في أواخر القرنين الرابع عشر والخامس عشر.
كانت تباع اللوحات التي تم إنتاجها في تلك الفترة إلى الأمراء أو التجار الأجانب، لكن لسوء الحظ تم تدمير غالبية الأعمال في القرنين ال16 وال17. بقيت منها إلى اليوم بضعة آلاف فقط، فلم يوثّق رسامي تلك المرحلة وأعمالهم جيدًا حتى منتصف القرن التاسع عشر.
قضى مؤرخو الفن قرنًا تقريبًا في تحديد الصفات ودراسة الأيقونات ووضع الخطوط العريضة لحياة الفنانين الكبار للتيار الفلمنكي. حتى الآن، لا تزال بعض أهم أعمال ذلك العصر موضع جدل.
من أهم الفنانين الهولنديين
Robert Campin
Jan van Eyck
Rogier van der Weyden
Dieric Bouts
Petrus Christus
Hugo van der Goes
الفنان فان أيك van Eyck
Portrait of a Man in Red Turban, By: Jan van Eyk
يعتبر من أهم فناني التيار الهولندي، وبسبب ابتكاراته في استخدام الألوان الزيتية، جعل ذلك التدريجات اللونية بين مساحات الألوان ممكنة. لجأ فان أيك إلى الاعتماد على وقت الجفاف البطيء للألوان الزيتية، مما سمح لتصوير المنظور والمساحة البعيدة والقريبة بشكل أكثر قربًا من الواقع.
من أهم سمات أعمال فان أيك قيامه بتحقيق مستوى متطور من الواقعية ودقة التنفيذ والتفاصيل. ساعد أيك على تقديم ذلك المستوى الرفيع اختياره للعناصر الثمينة والراقية كالمجوهرات اللامعة والمعادن العاكسة والأقمشة المختلفة كالمخملية والساتان. كل ذلك، بالإضافة لعمله على تطوير الجسد البشري حتى وصوله إلى درجة عالية من الطبيعية.
من أكثر ما اشتهر به فان أيك فكرة اختراع عمل اللوحة بالألوان الزيتية، ونسبت إليه بعد قرنٍ من وفاته. ولقد كتب المؤرخ الفني جورجيو فاساري عن ذلك، ونسبه إلى أيك إلا أن ذلك غير صحيح، واستمرت تلك الأسطورة حتى القرن التاسع عشر. لكن حتى بعدما خمدت نيران تلك الشائعة، يظل فان أيك محتفظًا بلقب “أبو التصوير الزيتي” إلى اليوم.
يعود الفضل إلى فان أيك في اختراع البورتريه الحديث، والذي يظهر أسلوبه بشدة في لوحته الشخصية التي رسمها لنفسه بعنوان “بورتريه الرجل ذو العمامة الحمراء” Portrait of a Man in Red Turban.
من أهم أعماله أيضًا لوحة بورتريه أرنولفيني “The Arnolfini Portrait”، والتي أظهر فيها دقة فائقة في عمل التفاصيل والرموز.
The Arnolfini Portrait
من أعمال الفنانين الهولنديين
Portrait of Margaret van Eyck, By: Jan van Eyk
The Harvesters, By: Pieter Bruegel the Elder, Location: The Metropolitan Museum of Art
عصر النهضة الحديث
يشير عصر النهضة الحديث إلى فترة ثلاثين عامًا جسدتها الأعمال الفنية البارزة التي أُنتجت في إيطاليا. أدى تجديد الفن الكلاسيكي والذي تزاوج مع دراسة عميقة للعلوم الإنسانية إلى تحفيز الفنانين لإخراج أعمال فنية لا مثيل لها. أنتج فنانو ذلك العصر إبداعاتهم بمعرفة كثيفة بالعلم والتشريح والهندسة المعمارية. بقيت حتى اليوم الكثير من الأعمال المميزة والتي تعتبر الأكثر إلهامًا في تاريخ الفن.
School of Athens, By: Raphael لوحة مدرسة أثينا
وعلى الرغم من تنافس العديد من الفنانين على المكانة العالية خلال هذا العصر، فإن (ليوناردو دا فينشي) و(مايكل انجلو) و(رافاييل) و(دوناتو برامانتي) هم بلا شك أعظم أكثر شهرة في تلك الفترة باهتماماتهم المتعددة وإتقانهم لها.
استخدم فنانو عصر النهضة الحديث مجموعة من التقنيات المستعارة من فناني عصر النهضة المبكر مثل:
المنظور الهندسي لخلق عمق شديد.
التنفيذ الدقيق والصحيح علميًا للتشريح البشري.
دمج العناصر المعمارية والمنحوتات في اللوحة الفنية.
ظهرت أساليب جديدة في هذا الوقت، من ضمنها تقنية (سفوماتو) والتي اخترعها “دا فينشي”، وهو تأثير زجاجي أحدث ثورة هائلة في طريقة مزج الألوان. بالإضافة لظهور (لوحات السقف) والتي توفر للمشاهد تجربة رؤية المنظر بأسلوب يتفاعل فيه المشاهد مع العمل الفني، وهو ما يتحقق عند الرؤية من الأسفل.
تعد اللوحات المرسومة على سقف “كنيسة سيستين – Sistine Chapel” بالفاتيكان بيد العبقري مايكل أنجلو – Michelangelo هي أقرب مثال لذلك. تعد لوحة (خلق آدم – Creation of Adam) من أشهر ما وجد فيها، وهي لوحة واحدة من 9 لوحات متتالية على سقف الكنيسة.
Creation of Adam, By: Michelangelo
تشتهر هذه الفترة بإدخال أفكار الجمال إلى الفن، سواء بتصويرها لشخصياتٍ دينية أو أشخاص عاديين، فقد كانت اهتمامات الفنانين في عصر النهضة الحديث هي تقديم قطع تحتوي على الكمال والجمال البصري.
من الأعمال الفنية في عصر النهضة الحديث
Virgin of the Rocks, By: Leonardo da Vinci
David, By: Michelangelo
Madonna of the Harpies, By: Andrea del Sarto
Mona Lisa, By: Leonardo da Vinci
الفن الأسلوبي أو التكلفي
ظهر في أواخر عصر النهضة تيار فني أطلق عليه (الفن الأسلوبي) أو (الفن التكلفي)، وهو تيار ظهر كرد فعل للشكل الكلاسيكي المعتاد والذي تميزت به أعمال عصر النهضة. ويُعتبر هذا التيار جسرًا بين عصر النهضة الحديث وفترة عصر الباروك القادمة.
اهتم فنانو ذلك التيار بالكمال الذي تم تصويره في عصر النهضة لكنهم لم يسعوا إلى تكراره. وبالغوا في كثير من العناصر والنسب بدلًا من الكمال، مما أدى إلى إنتاج أعمال تعبر عن الذات أكثر من تحقيقها للمثالية.
بدأ الفنانون في خلق لوحات تتسم بالتراكيب المصطنعة والمتكلفة وغير الحقيقية، وكانت إحدى الطرق الأساسية التي اتبعوها هي المبالغة. لم يكن ذلك عن جهل أو مشكلة بالدقة، ولكنهم رفضوا الأبعاد الواقعية وقاموا بتقديم شخصيات بأطرافٍ مستطيلة وأوضاع غريبة للأجساد البشرية. فمن المحتمل أن استخدامهم لتلك الأشكال الممتدة والملتوية كانت رغبة منهم في إبراز الحركة أو لزيادة الدراما.
Self-portrait in a Convex Mirror, By: Parmigianino
تعتبر ناطحات السحاب رمزا للحضارة والتقدم المعماري، فكيف ظهرت وما تاريخها؟
ظهرت ناطحات السحاب الأولى، المباني التجارية الطويلة ذات الأطر الحديدية في أواخر القرن التاسع عشر وأوائل القرن العشرين. تعتبر ناطحة السحاب الأولى مبنى التأمين على المنازل في شيكاغو، على الرغم من أن ارتفاعه كان 10 طوابق فقط. في وقت لاحق، أصبحت الأبنية الطويلة ممكنة من خلال سلسلة من الابتكارات المعمارية والهندسية، بما في ذلك اختراع العملية الأولى لإنتاج المعدن الصلب على نطاق واسع. اليوم، تحتوي أطول ناطحات سحاب في العالم أكثر من 100 طابق وتتجاوز ارتفاع 2000 قدم. أول مبنى يمكن اعتباره ناطحة سحاب هو مبنى التأمين على المنازل في شيكاغو، والذي تم الانتهاء منه في عام 1885. كان المبنى بطول 10 طوابق ووصل ارتفاعه إلى 138 قدمًا. تمت إضافة طابقين إضافيين في عام 1891، وبذلك يصل الارتفاع إلى 180 قدم. تم هدم المبنى في عام 1931 واستعيض عنه بالمبنى الميداني، وهو ناطحة سحاب أطول تحتوي على 45 طابقا. على الرغم من أن ناطحات السحاب الأولى كانت صغيرة نسبيا وفقا لمعايير اليوم، إلا أنها تمثل منعطفا مهما في البناء والتطوير الحضري. بعض من أبرز الهياكل في التاريخ المبكر لناطحات السحاب كانت: مبنى تاكوما (شيكاغو): تم تشييد مبنى تاكوما بناء على هيكل من الحديد والصلب، وتم تصميمه من قبل شركة الهندسة المعمارية الكبرى هولابيرد آند روت. أصبح بناء ناطحات السحاب ممكنا بفضل الإنجليزي هنري بيسمر، الذي اخترع أول عملية لإنتاج الصلب بكميات كبيرة. كان الأمريكي، ويليام كيلي، قد حصل على براءة اختراع لـ “نظام هواء يهب الكربون من الحديد الخام”، لكن إفلاسه أجبر كيلي على بيع براءة اختراعه إلى بسمر، الذي كان يعمل على عملية مماثلة لصنع الصلب. في عام 1855، حصل بسمر على براءة اختراع عن “عملية إزالة الكربون الخاصة به، مستخدما انفجار الهواء”. هذا الاختراع في إنتاج الصلب فتح الباب أمام البناة لبدء صنع هياكل أطول وأطول. الرجل الذي استخدم هذه العملية بالفعل لإنشاء أول ناطحة سحاب كان جورج أ. فولر. طوال القرن التاسع عشر، دعت تقنيات البناء إلى وجود جدران خارجية لتحمل عبء وزن المبنى. فولر كان لديه فكرة مختلفة. لقد أدرك أن المباني يمكن أن تتحمل وزنا أكبر، وبالتالي ترتفع إذا استخدم الجوائز المصنوعة من الصلب لمنح المباني هيكلا محملا للحمل في داخل المبنى. أصبحت المباني الأطول ممكنة أيضا من خلال اختراع المصعد الكهربائي في عام 1883، مما قلل من مقدار الوقت الذي يستغرقه التنقل بين الطوابق. كما كان اختراع الإضاءة الكهربائية أمرا سهلا، مما جعل من السهل إضاءة المساحات الأكبر. تم بناء العديد من ناطحات السحاب في وقت مبكر على الطراز المعماري الذي أصبح يعرف باسم مدرسة شيكاغو. غالبا ما تميزت هذه الهياكل الفولاذية بنوافذ من الزجاج المسطح وأفاريز مفصلة. من بين المهندسين المعماريين المرتبطين بمدرسة شيكاغو دانمار أدلر ولويس سوليفان (الذين صمموا مبنى بورصة شيكاغو القديم) وهنري هوبسون وريتشاردسون وجون ويلبورن. (1)
وهذه قائمة بأطول عشر ناطحات السحاب تم بنائها حتى الأن :
1_ برج خليفة في دبي 828م
2_برج شنغهاي في شنغهاي، الصين 632م
3_ برج ساعة مكة في مكة، السعودية 601م
4_بينغ آن في شنجن، الصين 599م
5_غولدن فينانس في تيانجين، الصين 596.5م
6_مركز التجارة العالمي في نيويورك، الولايات المتحدة الأمريكية 541.3م
7_ctf finance في غوانزو الصين 530م
8_ تايبيه في تايبيه، تايوان 509م
9_ مركز شنغهاي المالي العالمي في شنغهاي، الصين 492م
فنون العصور الوسطى، الفن الكارولنجي والرومانسيكي والفن القوطي
ظهرت عدة فنون في العصور الوسطى مستمدة ومتطورة من الفن البيزنطي بعد انتهاءه على نطاق واسع في أوروبا، وكان من أهمها الفن الكارولنجي والفن الرومانيسكي والفن القوطي، وهو أكبرهم في التأثير.
لذا دعونا نتعرف معًا على تلك الفنون، ونرى كيف تطورت ومهدت لعصر النهضة العظيم.
الفن الكارولنجي (780 – 900)
يعتبر الفن الكارولنجي من أهم فنون العصور الوسطى، والذي بدأ حين قام شارلمان -ملك الفرنجة ومؤسس الإمبراطورية الرومانية المقدسة- بتحريض إحياء ثقافي معروف باسم عصر النهضة الكارولنجية، وذلك بدعوة أعظم العلماء من جميع أنحاء أوروبا للمثول أمام المحكمة وإبداء الاقتراحات لتجديد السياسة والكنيسة والفن والأدب.
قام ببناء قصر وكنيسة في آخن بألمانيا عام 805، لتصبح بمثابة مقر لسلطة “شارلمان” وما زالت تضم عرشه اليوم. ربما تكون الكنيسة أفضل مثال حي باق للهندسة المعمارية الكارولنجية، والتي أثرت في تصميم القصور الأوروبية لاحقًا.
كاتدرائية آخن – Aachen Cathedral. by: Frans Sellies
وكان لدى شارلمان أيضًا مركز لنسخ المخطوطات في آخن. وقد كانت أنماط الكتابة والنصوص في أوروبا قبل ذلك مترجمة ويصعب قراءتها. لم يكن بالإمكان قراءة الكتب في أوروبا يسيرًا في ذلك الوقت، حتى وإن كان كلا من الكاتب والقارئ يجيدان اللغة اللاتينية.
اعتمدت اللغة الكارولنجية المنتشرة من آخن عالميًا مما أتاح التواصل الكتابي بشكل أكبر. أصبحت الكارولنجية أكثر النصوص المستخدمة على نطاق واسع في أوروبا في وقتها.
انفوجراف مبسط حول الفن الكارولنجي.
الفن الرومانيسكي (1000 – 1300)
بدأت فترة الفن الرومانسكي في العصور الوسطى حوالي عام 1000 م واستمرت حتى عام 1300 تقريبًا. وقد تأثر بكل من الفن الروماني والبيزنطي، كما هو الحال مع كل الفنون؛ فقد تأثر كل عصر ومدرسة بما قبلهم على طول تاريخ الفن.
كان تركيز الفن الرومانيسكي على الدين والمسيحية. شمل الفن الرومانسيكي التفاصيل المعمارية كالزجاج الملون والجداريات الكبيرة على الجدران والأسقف، والمنحوتات على المباني والأعمدة.
أهم الأعمال الرومانيسكية
كنيسة سانت فوي – حوالي 1050- 1130
تنقل الواجهة شعورًا بالقوة والصلابة، وتزيد بساطة العناصر الزخرفية من قوتها. كانت القديسة “فوي” فتاة من آكيتاين استشهدت في الفترة من عام 287 إلى عام 303 م، وكانت الكنيسة تحتفظ بمخزن ذهب يحتوي على رفاتها.
كنيسة سانت فوي – Church of Sainte-Foy. حقوق ملكية الصورة: jean françois bonachera
انفوجراف مبسط حول الفن الرومانسيكي.
الفن القوطي
نشأ الفن القوطي في القرن الثاني عشر الميلادي وتطور من الطراز الرومانيسكي بعد انتصار القوط على الرومان. كان الاسم مرادفًا لكلمة “البربرية”، وقد استخدم لوصف الفن القوطي بأنه بعيد مقارنة بالفن الكلاسيكي عندما كان الناس يتطلعون إلى إحيائه.
وقد استخدم المصطلح في رسالة من “رافاييل” إلى البابا “ليو العاشر”، شبه فيه الأقواس المدببة للهندسة القوطية بأكواخ القوط الغربيين البدائية التي تم إنشاؤها عن طريق ثني قمم الأشجار معًا. فقد كان ينظر فناني ومؤرخي عصر النهضة إلى هذا الفن نظرة ازدراء؛ لبعده عن النسب الكلاسيكية الإغريقيةوالرومانية.
لكن على الرغم من آراءهم، فقد أصبحت الهندسة والمنحوتات المعمارية القوطية واستخدامهم للزجاج المعشق موضع تقدير اليوم باعتبارها قطع فنية جميلة ومعقدة.
العمارة القوطية
حاولت العمارة القوطية بالعصور الوسطى إعادة خلق بيئة سماوية على الأرض؛ من خلال حوائط مرتفعة ونوافذ زجاجية ملونة. استندت العمارة القوطية على الأساليب الرومانيسكية. قام المعماريون القوط بتطوير الزخارف بين النوافذ الزجاجية، مما أدى إلى خلق مساحات داخلية أبهرت حواس المصلين.
من أشهر وأجمل كاتدرائيات الفن القوطي والتي نشب بها حريق هائل في الخامس عشر من أبريل العام المنصرم، هي كاتدرائية “نوتردام“.
وقد صور فن النحت المعماري والميداني شخصيات اكتسبت سمات طبيعية وحسية أكثر من السابق في العصور الوسطى. أصبحت القطع الأثرية واللوحات الجدارية أكثر شيوعًا في كنائس نهاية الحقبة القوطية في القرن الرابع عشر.
سمات العمارة القوطية
كانت الخصائص الهيكلية الرئيسية للتصميم المعماري القوطي في العصور الوسطى تنبع من جهود البنائين من القرون الوسطى لحل المشكلات المرتبطة بدعم قبو سقف المباني الثقيلة (الأسقف المقوسة) الواسعة. ظهرت المشكلة لأن السقف التقليدي المقنطر كان يسبب ضغطًا هابطًا للأسفل وللخارج على الجدران التي استند عليها، مما تسبب في كثير من الأحيان في الانهيار.
اعتقد المصممون أن الجدران الداعمة الرأسية يجب أن تكون سميكة وثقيلة للغاية من أجل مواجهة وامتصاص ضغط القبو، لكن مصممي القوطية حلوا هذه المشكلة بالعديد من الابتكارات الرائعة.
كانت الكاتدرائية هي المركز الذي تم فيه وضع الاختراعات الأساسية للعمارة القوطية مثل القوس المدبب، والقبو المتقاطع المضلع، ودعامات الطيران
المباني العملاقة
تم استخدام أقبة الأضلاع، ودعامات الطيران، والأقواس المدببة كحلول لمشكلة بناء هيكل طويل للغاية مع الحفاظ على أكبر قدر ممكن من الضوء الطبيعي. قاموا بتقليل وزن السقف، فصنعوا سقفًا (قبوًا) مضلعًا، يتكون من قبو متقاطع الأضلاع من الألواح الحجرية الرقيقة. واستبدلوا الأقواس المستديرة لخزينة الأسطوانة بأقواس مدببة وزعت وزن القبة في اتجاه أكثر رأسية. وبكل بساطة، انخفض وزن السقف بالكامل على الجدران الداعمة. قام المعماريون القوطيون بتحويل وزنه على طول أضلاع السقف عبر الجدران إلى دعامة تحلق (نصف قوس)، ثم نزول الدعامات الرأسية (الأرصفة) إلى الأرض. فلم يعد السقف يعتمد على الجدران للحصول على الدعم. ونتيجة لذلك أصبح بناء جدران الكاتدرائيات أعلى بكثير.
تميزت بناياتهم بالتالي:
استخدام الحجر والرخام بدلًا من الطوب، مما سمح بإنشاء الكاتدرائيات والكنائس عالية الارتفاع.
أقواس مبالغ فيها.
نوافذ عالية وكبيرة.
جدران أكثر سمكًا من العمارة الرومانيسكية.
منحت ألواح النوافذ الزجاجية الملونة (Stained Glass) تأثيرات داخلية مذهلة بأشعة الشمس، وهي من أهم سمات العمارة القوطية وأهم أشكال التزيين الرئيسية فيها.
الزجاج الملون بكاتدرائية نوتردام.
النحت القوطي
قام كل عنصر من عناصر تصميم الكاتدرائية القوطية بنقل رسائل دينية. وعكست الطبيعة الهيكلية للبناء والمنحوتات (النقوش والتماثيل والأعمدة) والنوافذ الزجاجية الملون والجداريات رسائل للكتاب المقدس.
رغم أن الفضول القوي حول الجسم الإنساني أنتج الفن اليوناني ببراعته ودقته، لكن كان هناك نوع آخر من الفضول المسؤول عن روح الفن القوطية في العصور الوسطى يكمن جوهر تماثيله في قدرتها على الإيحاء. ليس الكمال النهائي بالنسب الكلاسيكية، ولكن البحث الديناميكي عما لا يمكن بلوغه.
Diptych with The Last Judgement and Coronation of the Virgin.
والفن القوطي يشبه الخليط وجب أن يرى مع بعضه البعض، فمكوناته المنفصلة لا تمثل النتيجة النهائية. ليس من السهل فصل قطعة من النحت -مهما كانت معبرة- عن مأواها المعماري دون سرقة قدر كبير من معناها، لأنها جزء من إيقاع أكبر. بالرغم من ذلك، يمكن رؤيتها مفردة وستبقى محافظة على الإبهار، وليس فقط لحيويتها وخيالها ونعومتها، ولكن بسبب معناها المتأصل بذاته.
ظهر النحت القوطي في زخرفة واجهات الكاتدرائية بشكلٍ واضح جدًا، كونها مرتبطة ارتباطًا وثيقًا بهندستها المعمارية والمساعدة في تقسيمها إلى طوابق. وقد كانت تنحت على الأعمدة أكثر من كونها تماثيل منفصلة ومستقلة بذاتها.
منحوتات قوطية من كاتدرائية ستراسبورغ، فرنسا.
وقد تنوعت موضوعاتها ضمن السياق الديني بين العهد القديم والجديد، وذلك كنهاية العالم والحساب الأخير. كما حضر كثير من أبطال الكتاب المقدس وصورت قصصهم، بالإضافة لاحتلال العذراء مكانًا متميزًا بينهم.
التصوير القوطي
ظهرت اللوحة المصورة القوطية متأخرة قليلًا عن الأشكال الأخرى للفن القوطي من العمارة والنحت في العصور الوسطى. وبدأ الفنانون القوطيون في استخدام الألوان والأبعاد والمناظير الأكثر إشراقًا، وانتقلوا نحو المزيد من الواقعية. كما بدأوا في استخدام المزيد من الظلال والضوء في فنهم مع تجريب مواضيع جديدة تتجاوز الدين، كالحيوانات في المواضيع الأسطورية.
تم رسم الأشكال لتضفي حركة مع مساحة أكبر داخل مساحة الخلفية، وقد رسمت في الكنائس بتقنية الفريسكو. توجد أكبر مجموعة من اللوحات الجدارية في الدنمارك والسويد والمليئة بقصص الكتاب المقدس من العهد القديم والعهد الجديد.
أصبحت اللوحات الفردية ، مثل اللوحات الزيتية على القماش، مشهورة في القرن الرابع عشر وقد مهدت لعصر النهضة. ونشأت حركة “الفن الهولندي المبكر” في شمال أوروبا في ذلك الوقت واعتُبرت أعماله قوطية على الرغم من بدء عصر النهضة.
The Miracle of the child falling from the balcony. Location: Church of St. Augustine Novello, Siena, Italy.
أما الاتجاهات الكلاسيكية الجديدة في جنوب أوروبا فلم تكن وصلت بعد إلى المنطقة، فبقي النمط القوطي قائمًا.
تضمنت تقنيات الحركة الهولندية تفاصيل دقيقة ورمزية وواقعية، بالإضافة إلى موضوعات لاهوتية بمشاهد دينية معقدة. وقد رسمت هذه اللوحات بأحجام صغيرة لتوضع في المنازل، وغالبًا ما تظهر صورة المالك إلى جانب القديسين.
التصوير القوطي الإيطالي
كانت إيطاليا واحدة من آخر الأماكن التي وصلتها القوطية، وواحدة من أول من قفزوا إلى عصر النهضة الفريد الخاص بها. وحين كانت النوافذ الزجاجية الملونة الشيء الرئيسي لتزيين الكنيسة الداخلية في العصر القوطي، حيث قلت الجداريات والفسيفساء بجانبه، استثنت إيطاليا نفسها من تلك القاعدة. لعبت اللوحات الجدارية وغيرها من أشكال التصوير دورًا رئيسيًا لتزيين الكنائس في إيطاليا.
تطور استكشاف الفنان القوطي للمنظور الهندسي، لكن لم يقصد بذلك استعادة مجد الفن الكلاسيكي. يمكننا أن نرى تطور المنظور القوطي الإيطالي في شكلين رئيسيين: المنظور الداخلي وتوفير العمق لمساحة مغلقة، والمنظور الخارجي مع مقدمة راسخة وظهور لمنتصف الأرض والخلفية.
ومن أهم وأشهر اللوحات في ذلك العصر هي لوحة: “Adoration of the Magi”.
Adoration Of The Magi. by: Giotto 2 m x 1.85 m
ومن أكثر الأشياء إثارة في هذه اللوحة القوطية الإيطالية، أنه ولأول مرة منذ فترة طويلة عرفنا أسماء لمعظم الفنانين في هذا العصر. كان أغلب الفنانين القوط -من معماريين أو نحاتين- مجهولين الهوية.
أهم فنانين التصوير القوطي
جيوتو – Giotto
دوتشيو – Duccio
تشيمباو – Cimabue
الأخوان لوريزنتي – Lorenzetti
جنتيلي دا فابريانو – Gentile Da Fabriano
ومن خلال متابعة عمل هؤلاء الفنانين، يمكننا رؤية اتجاهين يتطوران في الفن القوطي الإيطالي: شخصيات واقعية بشكل متزايد واستخدام المنظور في الرسم. هذه الاتجاهات هي ما ستؤدي في النهاية إلى النهضة الإيطالية.
