المدرسة التأثيرية

ظهرت المدرسة التأثيرية في القرن التاسع عشر عندما بدأت مجموعة من الفنانين في فرنسا في تصوير المناظر الطبيعية ومشاهد الحياة اليومية كالطهي والنوم والاستحمام. قد تبدو أشياء عادية ويمكن رؤيتها الآن في الفن، ولكن معظم الفن الشائع في أوروبا حينها احتوى على مواضيع كالمعارك التاريخية والقصص الأسطورية والدينية.

يمكن اعتبار المدرسة التأثيرية أول مبشر للفن الحديث، وقد ظهرت في باريس عندما قام مجموعة من الفنانين الشبان، وهم مونيه وسيزان ورينوار وبيسارو وسيزلي وبازيل بالعمل معًا. كانت تلك المجموعة هم المؤسسون للمدرسة التأثيرية.

بدأ الأمر بعدم رضا تلك المجموعة عن تركيز تدريس الفن الأكاديمي على الموضوعات التاريخية والأسطورية مع الأسلوب المثالي الأكاديمي. وقد تعلموا من المصورين الواقعيين سائرين على نفس نهجهم في اختيار المواضيع والأساليب، لكن ما ميّز التأثيرية بالفعل أنهم قاموا بنقل التصوير من المرسم إلى الهواء الطلق.

وقد تعرف المؤسسون جميعهم على المصور (إدوارد مانيه) واتخذوه رائدًا لحركتهم الجديدة وقاموا بعرض أعمالهم سويًا. لكن رفضهم الصالون الرسمي السنوي والمعارض الحكومية. لم تنته رحلتهم هنا، بل قاموا بعمل معارضهم الخاصة -والتي كانت بمثابة احتجاج على رجال الصالون- في استوديو المصور الفوتوغرافي (نادار). لم يكن الأمر سهلًا فقد لاقوا ردود فعلٍ عنيفة من الجمهور والنقاد لفترة كبيرة.

ما هي التأثيرية؟

بدأ الفكر العلمي في ذلك الوقت يدرك أن ما تدركه العين وما يفهمه ويحفظه الدماغ أمران مختلفان. وقد أعجب عدد من الفنانين الشبان بالاكتشافات العلمية عن الضوء، وسعوا إلى التقاط التأثيرات الضوئية لضوء الشمس كما هي أمام أعينهم لنقل التغيرات في الطقس والتحولات الأخرى في الغلاف الجوي لتظهر في لوحاتهم للمشاهد.

لم يكن الفنانون التأثيريون (الانطباعيون) يحاولون رسم لوحة واقعية كما هي، ولكن كانوا يودون أخذ “الانطباع” لما يبدو عليه الشخص أو المشهد.

غالبًا ما استخدم أسلوبهم ضربات فرشاة سريعة وفوضوية، فمعظم اللوحات قبل التأثيرية كان لها سطح أكثر تسطحًا ونعومة. لم يكن رؤية ضربات الفرشاة سهلًا على الإطلاق فيما قبل التأثيرية. بالإضافة إلى أنه غالبًا ما كانت المناظر الطبيعية أيضًا خيالية ومثالية مرسومة في الإستوديو. لكن غيرت التأثيرية كل ذلك، وقام فنانوها بالرسم في الهواء الطلق كالشوارع والريف.

وقد قام الفنان التأثيري (كاميل بيسارو) بتلخيص التأثيرية في نصيحته التالية حول كيفية رسم منظر طبيعي:

“اعمل في نفس الوقت على السماء والماء والفروع والأرض مع الحفاظ على كل شيء على قدم المساواة. لا تخف من وضع اللون، وارسم بسخاء وبلا تردد، فمن الأفضل ألا تفقد أول الانطباع.”

استبدل التأثيريون الألوان الخضراء والبنية والرمادية التقليدية في المناظر الطبيعية بألوان أكثر إشراقًا وأكثر لمعانًا. فقد بدأوا بوضع تأثير ضوء الشمس على الماء والألوان المنعكسة من تموجاتها. وقد تخلوا عن استخدام الرمادي والأسود في الظلال كألوان. واستخدموا ألوانًا متكاملة بدلاً من الأسود والرمادي لإعادة إنتاج انطباعاتهم البصرية الفورية كما هي مسجلة على شبكية العين.

أدى بناءهم للأشياء من بقع وضربات فرشاة منفصلة من الألوان لاستحضار التغيرات الناتجة عن ضوء الشمس إلى إفقاد الأشكال حدودها الواضحة وجعلها غير مادية ومتلألئة ومهتزة. ولهذا السبب، انتقد العديد من النقاد اللوحات الانطباعية لمظهرها غير المكتمل والجودة التي تبدو من عمل الهواة.

ومن خلال نهج كوربيه –رائد المدرسة الواقعية-، كان الانطباعيون يهدفون إلى أن يكونوا رسامين حقيقيين. هدفوا إلى توسيع الموضوعات المحتملة للرسومات والتركيز على العالم كما يرونه. شملت اهتمامات الانطباعيون محطات السكك الحديدية والشوارع الواسعة والمباني السكنية الكبيرة، بالإضافة إلى مشاهد الترفيه العام لا سيما المقاهي والملاهي.

والآن لنتعرف على بعض من أهم الفنانين التأثيريين والذين أثروا في تلك الحركة وما تلتها بشكل ملحوظ.

إدوارد مانيه

على الرغم من أن (مانيه) لم يكن تأثيريًا ورفض أن توصف أعماله بذلك، لكن قام الفنانين التأثيريين باعتباره زعيمًا لحركتهم لإعجابهم بجرأته وابتكاراته في التصوير. فعندما رسم لوحته الشهيرة (الغداء على العشب) كانت هي البداية بالبعد عن التقاليد الواقعية وأسلوب الأكاديميات. وعندما قدّم العمل في 1863 في صالون الخريف، تسبب في ضجة بسبب محتواه الذي اعتبروه “مبتذلًا”.

فاللوحة التي تصور نزهة رجلين يرتديان ملابس رسمية وامرأة عارية قامت بتحدى تقليد موضوع الأنثى المثالية في الكلاسيكية الجديدة وقاموا باعتبار ذلك إهانة للأخلاقيات رغم أنه في الفنون السابقة كان موضوع “المرأة العارية” شائعًا. لكنها أثارت الجدل خصوصًا لأن وضع المرأة على اليسار كانت تنظر بصراحة إلى المشاهد بالمواجهة بدلاً من المبني للمجهول، بالإضافة إلى أسلوبه في ضربات الفرشاة السميكة وغير الدقيقة في الخلفية وتسطيح البعد الثالث.

كلود مونيه

كان مونيه الرائد الفعلي للتأثيرية، والذي أطلق اسم الحركة بسبب إحدى لوحاته، وهي لوحة “شروق الشمس، تأثير”.

بالإضافة لاهتمامه الواضح باتباع تأثيرات الضوء على الأشياء، فقد اتبع مونيه طريقة مبتكرة في تصوير لوحاته في وقت متأخر من حياته. رسم مونيه الموضوع الواحد في عدة لوحات في أوقات مختلفة من اليوم ليتمكن من دراسة الضوء على الأشياء.

وفي لوحته امرأة في الحديقة Women in the Garden استخدم فيها زوجته (كاميل) كموديل. وقد ظهرت تأثيرات الضوء الخارجي في هذه اللوحة بشكل ومضات من ضوء الشمس الذي يخترق أوراق الشجر إلى الظلال الرقيقة. اشترى صديقه الفنان التأثيري (فريدريك بازيل) العمل لمساعدة مونيه على الخروج من الدين الشديد الذي كان يعاني منه في ذلك الوقت.

أوجست رينوار

كان رينوار أعظم مصوري القرن الـ19 والعمود الرئيسي للتأثيريين، فقد تعاون مع مونيه على تأسيس قواعد تلك الحركة. وكان يتردد كثيرًا على اللوفر لدراسة أعمال عظماء القرن الـ18. وتأثر أيضًا بالمدرسة الرومانسية والواقعية -التين سبقتا التأثيرية- وخصوصًا (كوربيه).

قرر رينوار أن يتراجع عن التأثيرية والرسم في الخلاء، بعد زيارته إلى إيطاليا وتأثره بالفن الروماني وخصوصًا الأعمال في مدينة “بومبي” عائدًا إلى الكلاسيكية مرة أخرى. فنبذ استخدام الألوان للإيحاء بالشكل واتجه إلى الاهتمام بالخط. وأصبحت لوحاته تجمع بين ألوان التأثيريين النقية وبين أسلوب العباقرة القدامى كـ بول روبينز -فنان من عصر الباروك-.

إدجار ديجا

فضّل ديجا أن يطلق عليه فنان واقعي أو (مستقل)، لكنه مع ذلك كان أحد أهم مؤسسي المجموعة التأثيرية ومنظمًا لمعارضها. ومثل باقي التأثيريين، سعى إلى توثيق اللحظات العابرة للحياة الحديثة. لكن أظهر ديجا اهتمامًا ضئيلًا برسم المناظر الطبيعية في الهواء الطلق مفضلاً مشاهد المسارح والمقاهي المضاءة بالضوء الصناعي. استخدم ديجا الضوء الصناعي لتوضيح ملامح شخصياته، وملتزمًا بتعليمه الأكاديمي بشكل كبير.

كانت أكثر الموضوعات التي اشتهر بها ديجا هي مسارح الباليه والأوبرا، ومشاهد منفردة لنساء في حياتهم اليومية. وقد كان تركيزه على الخط وإصراره على أهمية الرسم كبيرًا، حتى أنه طوّر أسلوبه فيما بعد حين نبذ الألوان الزيتية واستخدم ألوان الباستيل بمفردها. كما تميز أسلوب ديجا بتحديد الأشكال بقلم الفحم الأسود الواضح.

النحت في المدرسة التأثيرية

كانت تعتبر بداية النحت الحديث بشكل عام على يد النحات الفرنسي (أوغست رودان – Auguste Rodin). وقد اتجه النحت الحديث إلى الموضوعات المعاصرة بدلًا من الأسطورية أو الدينية كما هو حال التصوير. فقد قل الاهتمام بالتجسيد الطبيعي للغاية أمام الاهتمام بالشخصية العامة والنفسية.

ولم يكن رودان يسعى إلى الأسطح المصقولة الناعمة في منحوتاته، بل أنتج أسطحًا معقدة وتجاويف ونتؤات في منحوتاته. وعلى الرغم من عدم اعتبار رودان نفسه تأثيريًا، إلا أن أسلوبه التعبيري القوي الذي استخدمه في أعماله غالبًا ما كان شبيهًا بضربات الفرشاة السريعة التي هدفت إلى التقاط لحظة عابرة لدى المصورين التأثيريين.

المصادر:

The Art Story
TATE
BritannicaOer2go
كتاب: فنون الغرب في العصور الحديثة لـ: نعمت إسماعيل علام

المدرسة الواقعية

ظهرت المدرسة الواقعية في فرنسا في خمسينيات القرن التاسع عشر في أعقاب ثورة 1848، وهو الحدث الذي أنشأ (حق العمل) في البلاد. وقد قدمت الحركة الواقعية موضوعات مختلفة عما سبقتها. فقد قدمت المدرسة الواقعية الأشخاص العاديين والطبقة العاملة والمشاهد اليومية والمعاصرة كمواضيع فنية أساسية وجديدة وجديرة بالاهتمام.

وقد نبعت المدرسة الواقعية من رغبة الفنانين في تقديم وجهات نظر أكثر صدقًا وبحثًا عن الحياة اليومية. كما عبرت عن رغبتهم في استخدام الفن كوسيلة للنقد الاجتماعي والسياسي. أهم ما يصف تلك المدرسة هو عدم اعتمادها على تقليد الأساليب الفنية السابقة ولكن على تصوير حقيقي ودقيق للنماذج التي تقدمها الطبيعة والحياة اليومية للفنان بمختلف أحداثها.

سمات المدرسة الواقعية

أهم ما رفضه فنانو الواقعية هي معايير المدرسة الرومانسية السابقة لهم، والتي عادة ما تميزت لوحاتها بالأشكال الخيالية أو المشاهد السامية للطبيعة. في كل الحالات تعتبر الخيالية من الصفات التي رفضها الواقعيون بشكل صارم، فهم يعتبرون أن الواقعية تصويرًا دقيقًا ومفصلًا للطبيعة أو للحياة المعاصرة. تقوم الواقعية على الملاحظة الدقيقة للمظهر الخارجي رافضة لكل الأشكال المثالية الخيالية.

اتفق مؤيدو الواقعية الفرنسيون على رفض التصنع الموجود في كلًا من الكلاسيكية والرومانسية في الأكاديميات. حاول الواقعيون تصوير حياة ومظاهر ومشاكل وعادات الطبقات الوسطى والفقيرة، وكل ما هو عادي ومتواضع وغير مزخرف.

كوربيه – رائد الواقعية

يعتبر “غوستاف كوربيه – Gustave Courbet” من وضع الأساس لتلك الحركة في أربعينيات القرن التاسع عشر. بدأ غوستاف بتصوير الفلاحين والعمال في مواضيع دينية أو تاريخية أو رمزية، وعارض “كوربيه” المثالية في فنه بشدة. حَثّ الفنانين الآخرين على جعل الفن الواقعي والمعاصر محط تركيزهم، فقد نظر إلى التصوير الصريح لمشاهد الحياة اليومية على أنه فن ديمقراطي حقيقي.

كانت اللوحات التي قام بعرضها في صالون خريف 1850-1851 مثالًا على الواقعية وصدمةً للجمهور والنقاد لعرضه الحقيقة الصريحة وغير المزينة. صوّر غوستاف في لوحات صالون الخريف الفلاحين المتواضعين والعمال، مثل لوحتي (Ornans (1849 و (Stone Breakers (1849.

وقبل ظهور “كوربيه”، لم يكن الرسامون يصورون المشاهد كما رأوها؛ بل قاموا بإضفاء الطابع المثالي عليها. أدى التوجه المثالي إلى محو أي عيوب، وكان ذلك بالنسبة إلى “كوربيه” ضارًا بالرسم؛ لقضاء ذلك على أي شعور بالفردية.

“باختصار، إنه طريقي لرؤية المجتمع بكل اهتماماته وشغفه، فالعالم كله قادم إليّ لأرسمه “. -غوستاف كوربيه.

والحقيقة أن كوربيه لم يمجد فلاحيه ولم يزيّن صورهم، بل قدّمهم بجرأة بأشكالهم الحقيقية المتواضعة. أدى تقديم كوربيه إلى رد فعل عنيف في عالم الفن. بنى كوربيه أسلوبه وموضوعاته على أرض بناها بالفعل رسامو مدرسة (الباربيزون).

مدرسة الباربيزون

وقد استقر عدد من الفنانين كـ “ثيودور روسو – Théodore Rousseau ” في قرية (باربيزون) الفرنسية بهدف إعادة إنتاج الطابع المحلي للمناظر الطبيعية على حقيقتها بصدق ودون تجميل زائف. وعلى الرغم من أن كل رسام من (الباربيزون) كان له أسلوبه الخاص ومصالحه الخاصة، لكنهم جميعًا أكدوا على الجوانب البسيطة والعادية والطبيعية بدلاً من الجوانب الفخمة والثرية للطبيعة. وابتعدوا عن المشاهد الدرامية ورسموا أشكالاً صلبة ومفصلة نتجت عن ملاحظاتهم الدقيقة.

جان فرانسوا ميليت

كان “جان فرانسوا ميليت – Jean-François Millet” من أوائل فنانين المدرسة الواقعية الذين صوروا عمال الفلاحين وأحد موسسي مدرسة (الباربيزون)، وقد اختار أيضًا أن يُظهر أشخاصًا من الطبقة العاملة في لوحاته.

نظرًا لإقامة ميليت في الريف الفرنسي، فقد عاد مرارًا وتكرارًا إلى اعتبار المزارعين موضوعًا أساسيًا لاختياراته.

“إن مواضيع الفلاحين هي ما تناسب طبيعتي، لأنه يجب أن أعترف أن الجانب الإنساني هو أكثر ما يمسني في الفن.”

مقولة تنسب إلى جان فرانسوا ميليت

دومييه

كان “أونوريه دومييه – Honoré Daumier” مصوّرًا ونحاتًا ورسامًا كاريكاتوريًا، استخدم دومييه مواهبه للتعليق بجرأة على سياسات فرنسا المعاصرة. وعلى عكس أعمال “كوربيه” و”ميليت”، كان فن “دومييه” -أي الرسوم الكاريكاتورية السياسية- غالبًا ما قدمت لمحات تفتح الأعين على تفاصيل دقيقة للحياة في فرنسا في القرن التاسع عشر.

اختار دومييه أبطال أعماله من الطبقة العاملة والمحامين والسياسيين الفاسدين، بالإضافة إلى الأحياء الفقيرة وشوارع باريس. كان ديمقراطيًا متحمسًا مثل كوربيه، واستخدم مهارته كرسام كاريكاتير مباشرة لخدمة الأهداف السياسية. وقد استخدم “دومييه” أسلوبًا ذو تفاصيل واقعية بجرأة لانتقاد اللاأخلاقية والقبح الذي شاهده في المجتمع الفرنسي.

الواقعية في أمريكا

نتيجة لنجاح الواقعية في أوروبا، تبنى الفنانون الأمريكيون النهج ذاته بعد فترة وجيزة من ظهوره. تجلى تأثير الواقعية بشكل خاص في لوحات “توماس إيكنز-Thomas Eakins”، ودراسات “إدوارد هوبر-Edward Hopper” الكاشفة عن حياة المدينة الحديثة.

وقد ألهمت الواقعية بشكل مباشر حركات الفن المعاصر البارزة، بما في ذلك الواقعية الفوتوغرافية (Photorealism) والواقعية المفرطة (Hyperrealism). وبناءً على التركيز الواقعي الملحوظ لهذه المدرسة، وضحت هذه الأنواع الإرث الدائم والمتطور لها.

المصادر

mymodernmet
britannica

المدرسة الرومانسية

ظهرت المدرسة الرومانسية في أواخر القرن الثامن عشر كرد فعل على المدرسة التي سبقتها – الكلاسيكية الحديثة -، فقد احتضنت الرومانسية الفردية والذاتية لمواجهة الإصرار المفرط على الفكر المنطقي الذي كان يكسو الفن الكلاسيكي الحديث.

فقد بدأ فنانو الرومانسية في استكشاف حالات عاطفية ونفسية مختلفة بالإضافة إلى الحالة المزاجية. فبدأوا باستخدام الأحداث والمصائب التي تحدث لتسليط الضوء على الظلم بتراكيب درامية تنافس لوحات التاريخ الكلاسيكي الحديث الأكثر رصانة والذي كان مقبولًا بشكل كبير من الأكاديميات الوطنية.

لكن أصرت الرومانسية على احتضان ذلك الأسلوب والنضال من أجل الحرية والمساواة وتعزيز العدالة.

تضمنت مبادئ الرومانسية العودة إلى الطبيعة، والذي يتجلى في التركيز على الرسم العفوي في الهواء الطلق. كما آمنت بخير الإنسانية، تعزيز العدالة للجميع، بالإضافة إلى الإيمان القوي بالحواس والعواطف بدلاً من العقل.

مال المصورون والنحاتون الرومانسيون إلى التعبير عن الاستجابات الشخصية العاطفية للحياة، على النقيض من القيم العالمية التي دعى إليها الفن الكلاسيكي الجديد.

وصف الشاعرالفرنسي “شارل بودلير” المدرسة الرومانسية قائلًا:

“Romanticism is precisely situated neither in choice of subject nor in exact truth, but in a way of feeling.”

“لا تقوم الرومانسية على دقة اختيار الموضوع ولا الحقيقة ذاتها، ولكن تقوم على طريقة الشعور”.

وقد ارتكزت أعمال الرومانسيين على المراقبة الدقيقة للمناظر الطبيعية خصوصًا السماء والجو. أدت تلك المراقبة إلى ارتقاء المناظر الطبيعية إلى مستوى جديد. وفي حين سعي بعض الفنانين على إظهار البشر كجزء من الطبيعة، صور آخرون قوة الطبيعة نفسها وعدم القدرة على التنبؤ بما فيها. أثار ذلك مشاعر السمو والرعب الممزوجين بالرهبة في المشاهد.

أكدت المدرسة الرومانسية على مشاهد الفولكلور والتقاليد والمناظر المحلية كالشوارع والأسواق، مما أدى إلى تعزيز الهوية الوطنية والفخر. وقد جمع الفنانون الرومانسيون بين المثالية والمشاعر الخاصة أو الفردية. دعت لوحاتهم إلى التجديد الروحي الذي من شأنه أن يبشر بالحريات التي لم يروها بعد. ومن خلال تأكيدهم على الخيال والعاطفة، ظهرت المدرسة الرومانسية كرد فعل على قيم التنوير للعقل والنظام وذلك في أعقاب الثورة الفرنسية عام 1789.

أهم فناني المدرسة الرومانسية

من بين أعظم فنانيين المدرسة الرومانسية:

• هنري فوسيلي
• فرانسيسكو غويا
• كاسبر ديفيد فريدريش
• جوزيف مولارد ويليام ترنر
• جون كونستابل
• ثيودور جيركولت
• يوجين ديلاكروا

تأثير الرومانسية

حفّز الأسلوب الرومانسي للرسم على ظهور العديد من المدارس، مثل: مدرسة باربيزون للمناظر الطبيعية في الهواء الطلق، ومدرسة نورويتش لرسامي المناظر الطبيعية، ومدرسة نهر هدسون للمناظر الطبيعية.

انفوجراف مُبسط للمدرسة الرومانسية.

المصادر:

the art story
metmuseum
visual-arts-cork

الكلاسيكية الحديثة

ولدت الكلاسيكية الحديثة كطفلٍ جديد في عصر التنوير عند اعتقاد الفلاسفة بقدرتنا على السيطرة على مصائرنا من خلال تعلم قوانين الطبيعة واتباعها. وقد جذب البحث العلمي المزيد من الاهتمام لذلك الأمر. ونتيجة لذلك، واصل المذهب الحديث ارتباطه بتقاليد الكلاسيكية القديمة لدلالتها على الاعتدال والتفكير العقلاني ولكن بروح جديدة ومشحونة سياسياً بشكلٍ أكبر.

الكلاسيكية الحديثة في الفن

تعني كلمة “Neo” أو “جديد” في الفن بأنه أسلوب قائم وموجود بالفعل لكن يعاد تأكيده بنمطٍ جديد. أما الكلاسيكية الحديثة، فهي شكل من أشكال الفن يتميز بأنه حاد وغير عاطفي، ويعيد إحياء أساليب العصور اليونانية والرومانية القديمة. وقد ظهر هذا التيار بتلك الصلابة ردًا على أسلوب الباروك المشحون بالعاطفة، والركوكو المليء بالأناقة.

وقد مثّل ظهور الكلاسيكية الحديثة جزءًا أساسيًا من إحياء الفكر الكلاسيكي بشكلٍ عام، والذي كان له بعض الأهمية في الثورتين الأمريكية والفرنسية. وحين كانت فرنسا على شفا ثورتها الأولى عام 1789، أراد الكلاسيكيون الجدد التعبير عن العقلانية والجدية والتي ناسبت عصرهم.

ألهم الفنان الفرنسي “نيكولا بوسان” باقي فناني الكلاسيكية الحديثة، وأصبح قرار الترويج لأعماله  قرارًا أخلاقيًا. فقد اعتقد تلامذته وأتباعه أن الرسم القوي كان شيئًا عقلانيًا وبالتالي له الأفضلية من الناحية الأخلاقية. فكان اعتقاداهم أن الفن يجب أن يكون منطقيًا وليس حسيًا.

بالإضافة إلى أن فناني الكلاسيكية الحديثة، مثل جاك لويس ديفيد، قاموا بتفضيل الشكل المحدد جيدًا -بالرسم والتظليل الواضح-  باعتبار الرسم أكثر أهمية من إحساس اللوحة ككل. بالإضافة إلى وجوب سلاسة سطح اللوحة بشكلٍ كامل، وخلوِّه من أي دليل على وجود ضربات الفرشاة.

الخصائص الفنية للعصر الكلاسيكي الحديث

التصوير

• تميزت الكلاسيكية الحديثة بوضوح الشكل والألوان الرصينة والفراغ الضيق والخطوط الأفقية والرأسية القوية؛ مما أدى إلى ثبات عنصر الزمن في اللوحة بدلاً من الديناميكية الشديدة التي تميزت بها أعمال عصر الباروك.
• كانت موضوعات الأعمال الكلاسيكية الحديثة (اللوحات والمنحوتات) جدية وغير عاطفية. فصوّر الرسامون الكلاسيكيون الجدد موضوعات من الأدب والتاريخ بالشكل الذي كنت عليه في كلا الفنين اليوناني والروماني، وذلك باستخدام ألوان قاتمة مع إضاءات بارزة من حين لآخر لنقل القصص الأخلاقية عن إنكار الذات والتضحية بالنفس بالكامل.

النحت

• تعامل النحت الكلاسيكي الحديث مع نفس الموضوعات، وكان أكثر تحفظًا من فن النحت الباروكي الأكثر مسرحية، وأقل سلاسة من الروكوكو.

العمارة

• كانت العمارة في عهد الكلاسيكية الجديدة أكثر ترتيبًا وتنظيمًا وأقل عظمة من الباروك، وعلى الرغم من عدم وضوح الخط الفاصل بينهما، لكنه كان يشبه إلى حد كبير الطرز اليونانية للعمارة، مع استثناء واحد وهو عدم وجود قباب في الأسلوب اليوناني القديم.

المصادر

artcyclopedia
visual-arts-cork
khanacademy

ظهر عصر الباروك في أبهى صوره من خلال إحياء المثل العليا للجمال في عصر النهضة والإحساس الكلاسيكي. تميز عصر الباروك بإغراق الأعمال الفنية والموسيقى والهندسة المعمارية بتلك المثل العليا، وعزز البذخ الغامر والميل وقتها لكل ما هو مزخرف ذلك التوجه.

تميزت الأعمال الفنية في تلك الفترة بتقنياتها وتفاصيلها المبتكرة، مما وفر لغة بصرية خصبة جديدة في فترة كانت منخفضة نسبيًا للفن.

انتشرت ثقافة الباروك في جميع أنحاء أوروبا، بقيادة البابا في روما والحكام الكاثوليك. وقد ساعدت الأوامر الدينية في انتشارها بشكل أكبر من خلال شبكة واسعة من الأديرة والكنائس. ونتيجة لذلك، أحيا الفنانون الموضوعات الدينية مرة أخرى للجمهور بعد أن انصرف عصر النهضة عنها بدرجة ما. فلجأ فنانو عصر الباروك للأعمال التي تحمل طابعًا بإحساسٍ سماوي أثيري وخيالي حالم.

أقر رواد حركة الباروك بضرورة فهم الفن بسهولة والشعور به بقوة من قبل عامة الناس. هذه المسحة المسرحية في الباروك جعلت النقاد ينتقدونها، لكنها جعلت أيضًا الأمر مناسبًا للأجيال اللاحقة، ممن رغبوا في الابتعاد عن البراعة المحضة.

يجب الإقرار بأنه أوسط تلك الآراء كان الأفضل، فمن العبث منع تلك الطاقة الدرامية النابعة من الأعمال الفنية الباروكية. كما كان من السخافة مساواتها مع أعمال عصر النهضة، بل يجب اعتباره أسلوبًا جديدًا بمُثله العليا وصموده طوال هذه الفترة.

سمات عصر الباروك

• أصبحت الكنائس الباروكية مثالًا عظيمًا بتصميماتها التي تضمنت مساحة كبيرة مع قبة عالية، مما سمح بإلقاء الضوء على المساحة الموجودة تحتها. وكانت القبة واحدة من السمات الرمزية الأساسية التي توضح الاتحاد بين السماوات والأرض، بالإضافة إلى التصميمات الداخلية المعقدة والمليئة بالزخرفة. سمحت التصميمات الداخلية للناس بالشعور بالانغماس التام في المساحات المرتفعة والمقدسة.

• خلقت معالجة الظل والنور في العمل الفني والتركيز على ذلك توترات مثيرة بين جميع عناصر اللوحة. وكان ذلك مكونًا رئيسيًا في الأعمال الفنية الباروكية، وقد تم تطويره من أعظم فناني عصر الباروك “كارافاجيو – Caravaggio”. لجأ كارافاجيو إلى تكثيف التباين (Contrast) داخل المشاهد الجوية المظلمة؛ لتسليط الضوء على عناصر معينة.

• التركيز على المسرحية والدراما، فقد أكد الفنانون في أعمالهم على الثراء الحسي والواقعية والعاطفة الشديدة والحركة.
• بدأ الفنانون عهدًا جديدًا للنحت الأوروبي، واكتسبت أشكال النحت أهميةً جديدة. فغالبًا ما تم نحت تلك الأشكال باتجاهها إلى الخارج من كتلة مركزية تصل إلى الفراغ المحيط؛ لتُرى من زوايا متعددة.

من أهم فناني عصر الباروك

ظهر في تلك الحقبة الزمنية عدد كبير من الفنانين العظماء والتي ما زالت أعمالهم تلهمنا حتى اليوم بشكل كبير، ومنهم:

• Caravaggio – كارافاجيو
• Peter Paul Rubens – بيتر بول روبينز
• Rembrandt – رمبرانت
• Artemisia Gentileschi – أرتميسيا جنتلسكي
• Franz Halz – فرانز هالز
• Vermeer – فرمير
• Diego Velázquez – دييجو فيلاسكيث
• Giovanni – جيوفاني

وسنسلط الضوء في هذا المقال عن بعض منهم لفهمٍ أكبر لسمات وخصائص أعمال ذلك العصر.

كارافاجيو Caravaggio

مصور إيطالي من رواد عصر الباروك وقد ظهرت أعماله في أواخر ال16 وأوائل القرن ال17. كان من أوائل الفنانين الذين بدأوا العمل على الطراز الباروكي الخلاب، وقد اشتهر بالواقعية الشديدة لأعماله الدينية الواسعة النطاق.

صوّر “كارافاجيو” قصص الكتاب المقدس بشكل درامي ومزدحم، وأظهر مشاهد التعذيب بشكل دموي. وصوّر أحداث الماضي كما لو كانت تحدث في الوقت الحاضر، وغالبًا ما كان يعمل من خلال أشخاص حقيقيين في لباس عصري صارخ. وقد زاد في أعماله من حدة الفقر والإنسانية لشخصياته الدينية والتاريخية من خلال التأكيد على الملابس الخشنة والأقدام المتسخة.

كان تأثيره على مجرى الفن الغربي هائلاً، فقد شكّل كارافاجيو عمل العديد من الفنانين اللاحقين. تأثر به الكثيرين بدءاً من (Rembrandt) في هولندا و (Diego Velázquez) في إسبانيا، إلى (Théodore Géricault) في فرنسا.

ألهم إحساسه الدرامي واستخدام التدريج والمعالجة المبتكرة للضوء والظل العديد من الشخصيات الرائدة في الوسط السينمائي أمثال: “Pier Paolo Pasolini” و”Martin Scorsese”. فاستخدام كارافاجيو للتباينات الشديدة من الضوء والظلام أكدت على تفاصيل الإيماءات أو التعبيرات مثل الذراع الممتدة، ونظرات اليأس أو الشوق وما إلى ذلك.

Peter Paul rubens بيتر بول روبينز

لم يسبق أن رسم فنان مثل هذه المجموعة المتنوعة من الموضوعات تقريبًا عدا بيتر بول روبينز. بيتر هو مصور فلامنكي مثّلت أعماله أشهر وأجمل أعمال عصر الباروك. جمع روبنز بين الأساليب والأنواع الفنية المختلفة، وقد تنوعت موضوعاته بين التاريخية والأسطورية والدينية المستوحاة من الكتاب المقدس. بالإضافة إلى مشاهد الصيد والحيوانات والوجوه والمناظر الطبيعية. وقد اشتهر بالتكوينات المزدحمة للغاية.

وقد صوّر الشخصيات التاريخية لأبطال الأساطير اليونانية والرومانية بروعة وأناقة، وقد أظهرت اعماله حرية وسلاسة شديدين تصويره للجسم البشري، وقد استمتع بتلوين جسم الإنسان بمختلف المواقف الدرامية، وكانت أجسامه عادةً عارية او ملفوفة في أقمشة.

ولشهرته برسم الجسد الأنثوي بشكل جذاب وممتلئ قليلًا، ظهر مصطلح الروبنسكية (Rubenesque) المأخوذ من اسمه، وهو المصطلح الذي يطلق على المرأة ذات النسب المماثلة لتلك الموجودة في لوحاته.

وقد افتتن روبينز أيضًا برسم الوحوش البرية والغريبة بشكل كبير. فاستخدم عناصر حيوانية في العديد من أعماله لخلق شعور مثير. وكثيراً ما كان يعرض مشاهد الصيد بين الحيوانات والبشر وسط مشهد تعبيري للغاية مؤكدًا على التعذيب ـو الوحشية.

كان أسلوب روبينز قوي ومفعم بالحيوية بدمجه للواقعية الفلمنكية بأساليب عصر النهضة، والذي يجسد سمات عصر الباروك. أصبح “بيتر بول روبنز” رمزًا للتيار (الرومانسي) لاحقًا.

رامبرانت Rembrandt

هو مصور هولندي موهوب بشكل لا يصدق، ظهرت موهبته في سن مبكرة للغاية. برع رامبرانت في تصوير الوجوه بشكل رائع، بالإضافة إلى المشاهد التاريخية والدينية والأسطورية بالطبع. كما برع رامبرانت في تصوير المناظر الطبيعية الساحرة التي تشتهر بروعتها رغم بساطتها. وكانت أساليبه في إنشاء التكوينات واستخدامه للون ودقته في الظل والضوء دائمة التغير لإنتاج أكثر اللحظات إثارة للحركة.

وقد كان تأكيده على العمق العاطفي بإتقانه للضوء والملمس موضوعًا مشتركًا بين جميع إبداعاته  مما عزز مكانته كأحد أعظم أساتذة الفن المبتكرون. تجلت تلك الصفات في لوحاته التاريخية الكبيرة، ويعتبر رمبرانت بشكل عام أهم فنان في تاريخ الفن الهولندي.

اشتهر رمبرانت بتصوير المشاعر الإنسانية العميقة، فقد كان يعتقد أن المشاعر أكثر أهمية من جوانب الحياة الأخرى. رأى رامبرانت أن مشاعر من يرسمهم وخبراتهم هي ما يجب إيصاله إلى الجمهور، حتى عند رسمهم في سياق تاريخي أو ديني أو اجتماعي.

وقد اشتهرت صور رمبرانت الشخصية بشكل ملحوظ من حيث أنها تعرض سيرة بصرية فريدة للفنان. وسواء كان يرسم نفسه بزي رسمي لشخصية ما أو كرجل عادي، فقد قام بدراسه ملامحه دون غرور، وبإخلاص وصدق شديدين.

نختم بانفوجراف مبسط يعرض أهم سمات وفناني عصر الباروك.

المصادر

the art story
britannica
national gallery
the art story

فنون العصور الوسطى، الفن الكارولنجي والرومانسيكي والفن القوطي

ظهرت عدة فنون في العصور الوسطى مستمدة ومتطورة من الفن البيزنطي بعد انتهاءه على نطاق واسع في أوروبا، وكان من أهمها الفن الكارولنجي والفن الرومانيسكي والفن القوطي، وهو أكبرهم في التأثير.

لذا دعونا نتعرف معًا على تلك الفنون، ونرى كيف تطورت ومهدت لعصر النهضة العظيم.

الفن الكارولنجي (780 – 900)

يعتبر الفن الكارولنجي من أهم فنون العصور الوسطى، والذي بدأ حين قام شارلمان -ملك الفرنجة ومؤسس الإمبراطورية الرومانية المقدسة- بتحريض إحياء ثقافي معروف باسم عصر النهضة الكارولنجية، وذلك بدعوة أعظم العلماء من جميع أنحاء أوروبا للمثول أمام المحكمة وإبداء الاقتراحات لتجديد السياسة والكنيسة والفن والأدب.

قام ببناء قصر وكنيسة في آخن بألمانيا عام 805، لتصبح بمثابة مقر لسلطة “شارلمان” وما زالت تضم عرشه اليوم. ربما تكون الكنيسة أفضل مثال حي باق للهندسة المعمارية الكارولنجية، والتي أثرت في تصميم القصور الأوروبية لاحقًا.

وكان لدى شارلمان أيضًا مركز لنسخ المخطوطات في آخن. وقد كانت أنماط الكتابة والنصوص في أوروبا قبل ذلك مترجمة ويصعب قراءتها. لم يكن بالإمكان قراءة الكتب في أوروبا يسيرًا في ذلك الوقت، حتى وإن كان كلا من الكاتب والقارئ يجيدان اللغة اللاتينية.

اعتمدت اللغة الكارولنجية المنتشرة من آخن عالميًا مما أتاح التواصل الكتابي بشكل أكبر. أصبحت الكارولنجية أكثر النصوص المستخدمة على نطاق واسع في أوروبا في وقتها.

انفوجراف مبسط حول الفن الكارولنجي.

الفن الرومانيسكي (1000 – 1300)

بدأت فترة الفن الرومانسكي في العصور الوسطى حوالي عام 1000 م واستمرت حتى عام 1300 تقريبًا. وقد تأثر بكل من الفن الروماني والبيزنطي، كما هو الحال مع كل الفنون؛ فقد تأثر كل عصر ومدرسة بما قبلهم على طول تاريخ الفن.

كان تركيز الفن الرومانيسكي على الدين والمسيحية. شمل الفن الرومانسيكي التفاصيل المعمارية كالزجاج الملون والجداريات الكبيرة على الجدران والأسقف، والمنحوتات على المباني والأعمدة.

أهم الأعمال الرومانيسكية

كنيسة سانت فوي – حوالي 1050- 1130

تنقل الواجهة شعورًا بالقوة والصلابة، وتزيد بساطة العناصر الزخرفية من قوتها. كانت القديسة “فوي” فتاة من آكيتاين استشهدت في الفترة من عام 287 إلى عام 303 م، وكانت الكنيسة تحتفظ بمخزن ذهب يحتوي على رفاتها.

انفوجراف مبسط حول الفن الرومانسيكي.

الفن القوطي

نشأ الفن القوطي في القرن الثاني عشر الميلادي وتطور من الطراز الرومانيسكي بعد انتصار القوط على الرومان. كان الاسم مرادفًا لكلمة “البربرية”، وقد استخدم لوصف الفن القوطي بأنه بعيد مقارنة بالفن الكلاسيكي عندما كان الناس يتطلعون إلى إحيائه.

وقد استخدم المصطلح في رسالة من “رافاييل” إلى البابا “ليو العاشر”، شبه فيه الأقواس المدببة للهندسة القوطية بأكواخ القوط الغربيين البدائية التي تم إنشاؤها عن طريق ثني قمم الأشجار معًا. فقد كان ينظر فناني ومؤرخي عصر النهضة إلى هذا الفن نظرة ازدراء؛ لبعده عن النسب الكلاسيكية الإغريقية والرومانية.

لكن على الرغم من آراءهم، فقد أصبحت الهندسة والمنحوتات المعمارية القوطية واستخدامهم للزجاج المعشق موضع تقدير اليوم باعتبارها قطع فنية جميلة ومعقدة.

العمارة القوطية

حاولت العمارة القوطية بالعصور الوسطى إعادة خلق بيئة سماوية على الأرض؛ من خلال حوائط مرتفعة ونوافذ زجاجية ملونة. استندت العمارة القوطية على الأساليب الرومانيسكية. قام المعماريون القوط بتطوير الزخارف بين النوافذ الزجاجية، مما أدى إلى خلق مساحات داخلية أبهرت حواس المصلين.

من أشهر وأجمل كاتدرائيات الفن القوطي والتي نشب بها حريق هائل في الخامس عشر من أبريل العام المنصرم، هي كاتدرائية “نوتردام“.

وقد صور فن النحت المعماري والميداني شخصيات اكتسبت سمات طبيعية وحسية أكثر من السابق في العصور الوسطى. أصبحت القطع الأثرية واللوحات الجدارية أكثر شيوعًا في كنائس نهاية الحقبة القوطية في القرن الرابع عشر.

سمات العمارة القوطية

كانت الخصائص الهيكلية الرئيسية للتصميم المعماري القوطي في العصور الوسطى تنبع من جهود البنائين من القرون الوسطى لحل المشكلات المرتبطة بدعم قبو سقف المباني الثقيلة (الأسقف المقوسة) الواسعة. ظهرت المشكلة لأن السقف التقليدي المقنطر كان يسبب ضغطًا هابطًا للأسفل وللخارج على الجدران التي استند عليها، مما تسبب في كثير من الأحيان في الانهيار.

اعتقد المصممون أن الجدران الداعمة الرأسية يجب أن تكون سميكة وثقيلة للغاية من أجل مواجهة وامتصاص ضغط القبو، لكن مصممي القوطية حلوا هذه المشكلة بالعديد من الابتكارات الرائعة.

كانت الكاتدرائية هي المركز الذي تم فيه وضع الاختراعات الأساسية للعمارة القوطية مثل القوس المدبب، والقبو المتقاطع المضلع، ودعامات الطيران

المباني العملاقة

تم استخدام أقبة الأضلاع، ودعامات الطيران، والأقواس المدببة كحلول لمشكلة بناء هيكل طويل للغاية مع الحفاظ على أكبر قدر ممكن من الضوء الطبيعي. قاموا بتقليل وزن السقف، فصنعوا سقفًا (قبوًا) مضلعًا، يتكون من قبو متقاطع الأضلاع من الألواح الحجرية الرقيقة. واستبدلوا الأقواس المستديرة لخزينة الأسطوانة بأقواس مدببة وزعت وزن القبة في اتجاه أكثر رأسية. وبكل بساطة، انخفض وزن السقف بالكامل على الجدران الداعمة. قام المعماريون القوطيون بتحويل وزنه على طول أضلاع السقف عبر الجدران إلى دعامة تحلق (نصف قوس)، ثم نزول الدعامات الرأسية (الأرصفة) إلى الأرض.  فلم يعد السقف يعتمد على الجدران للحصول على الدعم. ونتيجة لذلك أصبح بناء جدران الكاتدرائيات أعلى بكثير.

تميزت بناياتهم بالتالي:

• استخدام الحجر والرخام بدلًا من الطوب، مما سمح بإنشاء الكاتدرائيات والكنائس عالية الارتفاع.
• أقواس مبالغ فيها.
• نوافذ عالية وكبيرة.
• جدران أكثر سمكًا من العمارة الرومانيسكية.
• منحت ألواح النوافذ الزجاجية الملونة (Stained Glass) تأثيرات داخلية مذهلة بأشعة الشمس، وهي من أهم سمات العمارة القوطية وأهم أشكال التزيين الرئيسية فيها.

النحت القوطي

قام كل عنصر من عناصر تصميم الكاتدرائية القوطية بنقل رسائل دينية. وعكست الطبيعة الهيكلية للبناء والمنحوتات (النقوش والتماثيل والأعمدة) والنوافذ الزجاجية الملون والجداريات رسائل للكتاب المقدس.

رغم أن الفضول القوي حول الجسم الإنساني أنتج الفن اليوناني ببراعته ودقته، لكن كان هناك نوع آخر من الفضول المسؤول عن روح الفن القوطية في العصور الوسطى يكمن جوهر تماثيله في قدرتها على الإيحاء. ليس الكمال النهائي بالنسب الكلاسيكية، ولكن البحث الديناميكي عما لا يمكن بلوغه.

والفن القوطي يشبه الخليط وجب أن يرى مع بعضه البعض، فمكوناته المنفصلة لا تمثل النتيجة النهائية. ليس من السهل فصل قطعة من النحت -مهما كانت معبرة- عن مأواها المعماري دون سرقة قدر كبير من معناها، لأنها جزء من إيقاع أكبر. بالرغم من ذلك، يمكن رؤيتها مفردة وستبقى محافظة على الإبهار، وليس فقط لحيويتها وخيالها ونعومتها، ولكن بسبب معناها المتأصل بذاته.

ظهر النحت القوطي في زخرفة واجهات الكاتدرائية بشكلٍ واضح جدًا، كونها مرتبطة ارتباطًا وثيقًا بهندستها المعمارية والمساعدة في تقسيمها إلى طوابق. وقد كانت تنحت على الأعمدة أكثر من كونها تماثيل منفصلة ومستقلة بذاتها.

وقد تنوعت موضوعاتها ضمن السياق الديني بين العهد القديم والجديد، وذلك كنهاية العالم والحساب الأخير. كما حضر كثير من أبطال الكتاب المقدس وصورت قصصهم، بالإضافة لاحتلال العذراء مكانًا متميزًا بينهم.

التصوير القوطي

ظهرت اللوحة المصورة القوطية متأخرة قليلًا عن الأشكال الأخرى للفن القوطي من العمارة والنحت في العصور الوسطى. وبدأ الفنانون القوطيون في استخدام الألوان والأبعاد والمناظير الأكثر إشراقًا، وانتقلوا نحو المزيد من الواقعية. كما بدأوا في استخدام المزيد من الظلال والضوء في فنهم مع تجريب مواضيع جديدة تتجاوز الدين، كالحيوانات في المواضيع الأسطورية.

تم رسم الأشكال لتضفي حركة مع مساحة أكبر داخل مساحة الخلفية، وقد رسمت في الكنائس بتقنية الفريسكو. توجد أكبر مجموعة من اللوحات الجدارية في الدنمارك والسويد والمليئة بقصص الكتاب المقدس من العهد القديم والعهد الجديد.

أصبحت اللوحات الفردية ، مثل اللوحات الزيتية على القماش، مشهورة في القرن الرابع عشر وقد مهدت لعصر النهضة. ونشأت حركة “الفن الهولندي المبكر” في شمال أوروبا في ذلك الوقت واعتُبرت أعماله قوطية على الرغم من بدء عصر النهضة.

أما الاتجاهات الكلاسيكية الجديدة في جنوب أوروبا فلم تكن وصلت بعد إلى المنطقة، فبقي النمط القوطي قائمًا.

تضمنت تقنيات الحركة الهولندية تفاصيل دقيقة ورمزية وواقعية، بالإضافة إلى موضوعات لاهوتية بمشاهد دينية معقدة. وقد رسمت هذه اللوحات بأحجام صغيرة لتوضع في المنازل، وغالبًا ما تظهر صورة المالك إلى جانب القديسين.

التصوير القوطي الإيطالي

كانت إيطاليا واحدة من آخر الأماكن التي وصلتها القوطية، وواحدة من أول من قفزوا إلى عصر النهضة الفريد الخاص بها. وحين كانت النوافذ الزجاجية الملونة الشيء الرئيسي لتزيين الكنيسة الداخلية في العصر القوطي، حيث قلت الجداريات والفسيفساء بجانبه، استثنت إيطاليا نفسها من تلك القاعدة. لعبت اللوحات الجدارية وغيرها من أشكال التصوير دورًا رئيسيًا لتزيين الكنائس في إيطاليا.

تطور استكشاف الفنان القوطي للمنظور الهندسي، لكن لم يقصد بذلك استعادة مجد الفن الكلاسيكي. يمكننا أن نرى تطور المنظور القوطي الإيطالي في شكلين رئيسيين: المنظور الداخلي وتوفير العمق لمساحة مغلقة، والمنظور الخارجي مع مقدمة راسخة وظهور لمنتصف الأرض والخلفية.

ومن أهم وأشهر اللوحات في ذلك العصر هي لوحة: “Adoration of the Magi”.

ومن أكثر الأشياء إثارة في هذه اللوحة القوطية الإيطالية، أنه ولأول مرة منذ فترة طويلة عرفنا أسماء لمعظم الفنانين في هذا العصر. كان أغلب الفنانين القوط -من معماريين أو نحاتين- مجهولين الهوية.

أهم فنانين التصوير القوطي

• جيوتو – Giotto
• دوتشيو – Duccio
• تشيمباو – Cimabue
• الأخوان لوريزنتي – Lorenzetti
• جنتيلي دا فابريانو – Gentile Da Fabriano

ومن خلال متابعة عمل هؤلاء الفنانين، يمكننا رؤية اتجاهين يتطوران في الفن القوطي الإيطالي: شخصيات واقعية بشكل متزايد واستخدام المنظور في الرسم. هذه الاتجاهات هي ما ستؤدي في النهاية إلى النهضة الإيطالية.

انفوجراف مبسط حول الفن القوطي.

المصادر:

Gothic Art and Architecture
Romanesque Architecture and Art
khanacademy
Ducksters
TheArtist
MyModernMet
Visual-Arts-Cork
Visual-Arts-Cork
Study: gothic painting style characteristics

عن الفن القديم والفن البيزنطي والفن الإسلامي

كان الفن البيزنطي ناتجًا من الإمبراطورية البيزنطية والتي انبثقت من أعماق الإمبراطورية الرومانية القديمة، والتي قامت بقيادة الإمبراطور قسطنطين الكبير الذي أنشأ الطريق للدولة البيزنطية الدينية الجديدة.

بعد تسمية العاصمة البيزنطية بـ (القسطنطينية) تيمنًا باسم الإمبراطور الجديد(قسطنطين) تكريما له، قام بتزيين المدينة بتماثيل يونانية متقنة وفنًا رائعًا من الذهب والرخام والفسيفساء؛ تمجيدًا للدين المسيحي في المقام الاول.

ظلت الإمبراطورية قائمة حتى سقوطها عام 1453 م، وذلك عند استيلاء الأتراك العثمانيون بقيادة محمد الفاتح على العاصمة ذات يوم.

التأثير البيزنطي على الفن الإسلامي

كان للإمبراطورية البيزنطية قوة فنية هائلة، لدرجة أنها ظلت فترة طويلة مؤثرًا رئيسيًا في مجالات الفن والعمارة بعد فترةٍ طويلة من سقوطها.

استقت المناطق الإسلامية من الامبراطورية البيزنطية –مثلًا- مجموعة واسعة من الأساليب الفنية، وقامت بتطبيق فسيفساء متقنة ودقيقة على جدران كل مبنى، والتي تم إنشاؤها على أيدي الفنانين المسيحيين.

وقد أحدثت التجارة بين الحضارتين البيزنطية والإسلامية تبادلًا ثقافيًا هائلًا، فكانت الكنيسة الأولى في دير هوسيوس لوكاس (Hosios Loukas) باليونان –المتضمن على كنيستين- أول ما أظهر ثمار هذا التبادل.

عندما عبر الدبلوماسيون واللاجئون والتجار والعبيد الحدود بين الحضارتين والديانتين، جلبوا ثقافاتهم الأصلية معهم. ورغم عودة العديد من هؤلاء المهاجرين في وقت لاحق إلى أرضهم الأصلية، أسفر هذا التدفق المستمر للأشخاص عن انتقالٍ سريع وواضح للابتكارات من ثقافة من ثقافة إلى أخرى.

في الوقت نفسه، يمكن رؤية بقايا الثقافة البيزنطية واليونانية في القسطنطينية الحديثة –إسطنبول حاليًا-  بوضوح في (آيا صوفيا)، الكنيسة الشهيرة التي تم تحويلها إلى مسجد، وفي العديد من الكنائس الأخرى والقصور.

وعلى الرغم من وجود التأثيرات المتبادلة بين الحضارات، كان تركيز الفن البيزنطي على الأيقونات بشكلٍ رئيسي، والتي كانت تمثل عادةً صور ليسوع أو مريم، والتي كانت محظورة بشكل عام في الفن الإسلامي.

تعتبر أحد أهم السمات المميزة للعمارة الإسلامية هي الزخرفة القائمة على الكتابة العربية، بدلاً من تمثيل الناس والحيوانات.

لكن دعونا الآن نلقي نظرة على التأثير البارز للفن البيزنطي في المجالات التالية.

الهندسة المعمارية

بعد استيلاء العثمانيون على الإمبراطورية البيزنطية، قاموا بدمج عناصرها وأسلوبها المعماري في مبانيهم، والذي شمل تحويلهم للكنائس بشكلها التقليدي إلى مساجدٍ ضخمةٍ ومتميزة.

من أهم الامثلة المعمارية المزينة بالزخرفة الإسلامية البيزنطية هي قبة الصخرة بالقدس، فقد قام البيزنطيون بتزيينها بدعوة من الحكام المسلمين.

تظهر التفاصيل المعقدة الموجودة في الفسيفساء لتلك الفتر، بأن المسلمين كانوا راضين تمامًا بالسماح للفنانين المسيحيين باتخاذ نهج عملي أكثر في الفن في هذا الوقت.

هذا يعني أن بعض المباني الفريدة التي أقيمت خلال هذه الفترة تم بناؤها بالفعل من قبل المسيحيين باستخدام الأنماط البيزنطية التقليدية.

الفسيفساء

صنعت الفسيفساء التي تزين جدران العمارة المسيحية الكلاسيكية، وأصبحت فنًا بارزًا آخر انتقل إلى الأراضي الإسلامية.

وكان أحد أهم الاختلافات الرئيسية بين الفسيفساء البيزنطية والإسلامية أن المشاهد الجميلة غالباً ما تم إنشاؤها دون استخدام الأشكال الإنسانية في الفن الإسلامي.

وقد وضع بعض البلاط الشبيه بالفسيفساء بنقوش ثلاثية الأبعاد، والتي كانت مزينة بألوان صريحة وواضحة، في نمط هندسي تجريدي.

السجاد

أنتج نساجو السجاد تصميمات جميلة ومعقدة باستخدام خطوط وحواف مستقيمة، وذلك باستخدام أشكال فنية متأصلة بعمق في المجتمعات الإسلامية، ودمجوا الحلقات المنحنية والمنحوتة بالأرابيسك (أسلوب الزخرفة الإسلامية) في العديد من تصميماتهم في الاحتفالات بالتراث الإسلامي، والذي سيصبح فيما بعد ميزة رئيسية في هذا الأسلوب الفريد.

وكان الطلب على السجاد الإسلامي المرموق متزايدًا بتكليفٍ من الملوك الأوروبية.

الفخار

لعب الفخار دورًا كبيرًا في الأحداث اليومية للفن الإسلامي. وعلى الرغم من الأشكال السابقة صُنعت دون تزجيج، لكن يقال إن أول دمج لتقنيات تزجيج الفخار يعود إلى القرن الثامن.

تأثر الفخار الإسلامي بشدة بالخزف الصيني، ومع أن الأشكال والزخارف تعبر عن أنماطٍ وقصصٍ خاصة بالثقافة الصينية، إلا أن الفنانون المسلمون أعجبوا إلى حد كبير بتصميماتها المعقدة.

استمر المسلمون في صناعة السيراميك باتباع أساليب الصينيين حتى ظهور أسلوب (هيسبانو موريسك) (Hispano-Moresque) الذي خلط العناصر الإسلامية والأوروبية معًا.

كما نرى، فقد استمر الفن الإسلامي  في التطور على الرغم من تأثره في بدايته بالفن البيزنطي، وقام بدمج أنماطٍ عديدة من المناطق والثقافات المختلفة في تصميماته، وإنتاج أشكال وزخارف جميلة وفريدة من نوعها.

اقرأ أيضًا عن الفن الصيني والفن الياباني

المصادر:
Qoura
Design Tutsplus

عن الفن القديم والفن الفارسي

يعد الفن الفارسي من أقدم وأعرق الفنون القديمة. وكانت بلاد فارس (إيران الآن) واحدة من الدول التي غزاها المسلمون في القرن السابع، والتي تقع في جنوب غرب إيران الآن.

ظهر العصر الذهبي لـ الفن الفارسي خلال القرنين التاسع والعاشر، حين حكمت الإمبراطورية الساسانية في عام 651 وانتهى حكمها بالفتح الإسلامي لبلاد فارس.

أنشأ الفرس إمبراطورية هائلة تمتد من وادي السند إلى شمال اليونان، ومن آسيا الوسطى إلى مصر، وكانت أول إمبراطورية عرفت بالديانات واللغات والمنظمات السياسية المختلفة لمواطنيها.

تبادلت الثقافات ومجموعات الفنون بين تلك الدول على نطاقٍ واسع، وخصوصًا شمال إفريقيا مماأدى إلى خلق نوعٍ من الفن يُعرف بالفن الإسلامي، لكن لم يكن بالضرورة كل من شارك فيه مسلمين سواء من الدول أو الفنانين.

كان الفرس من أكثر تلك الدول نفوذاً بين تلك الدول الإسلامية بسبب خلفيتهم في الفن والعمارة.

أصبح تأثير إيران واضحًا في الأدب العربي، فقد تم نقل العديد من الأساطير والحكايات عبر إيران إلى العالم العربي، ومنه إلى أوروبا الغربية. وقد شمل هذا التأثير: الفن المرئي والعمارة والموسيقى والطب.

رُسمت لوحات الكتب –الممنمات- لشخصيات حيوانية لتصوير الإخلاص والغدر والشجاعة- والتي أدت لانتشار الخط الفارسي الذي أصبح دراسته أحد أكثر التخصصات المرغوبة حتى الآن.

سمات الفن الفارسي

بعد أن أصبحت فارس جزءًا من الإسلام، تطورت فنونها البصرية وفقًا للقواعد الإسلامية، ويعد أحد أهمها هو حظر تصوير الكائنات الحية ونحتها، مما أدى إلى انخفاض فوري في النحت الفارسي، وإجبار اللوحة الفنية على أن تصبح زخرفية أكثر.

مع ذلك، استمرت الأشغال المعدنية والفن الزخرفي والسيراميك والنسيج بالازدهار، بالإضافة إلى اعتبار الخط العربي والأزهار والتصاميم الهندسية أساس هذا الفن.

يمثل الشكل التالي التصاميم المستوحاة من الأزهار:

كُتبت وحفرت الكلمات بالخط العربي باعتبارها وسيلة الوحي الإلهي، فقد حفرت على الجدران وحول القباب وذلك باستخدام القواعد الهندسية. وطُبقت أصول الفن الفارسي بعدة أشكال:

الفسيفساء

استخدمت الفسيفساء والزخارف الأخرى على نطاق واسع في المساجد والمباني الأخرى، فكانت الأسطح الملونة بالأزرق والأحمر والأخضر المستخدمة في البلاط الخزفي، جزءًا من الهندسة المعمارية الفارسية.

التذهيب والخط

ومع منع رسم الأشكال الحية، طوّر أحد أشكال الفن الإسلامي الشعبي في بلاد فارس وهو ما يسمى بالتذهيب، وهو زخرفة المخطوطات والنصوص الدينية وخاصة القرآن.

الفن الفارسي والمغول

حين غزا المغول إيران تحت قيادة جنكيز خان، بدأت حقبة فنية جديدة بشكلٍ جديد، فقد شكلت هذه الحقبة العديد من السلالات طوال القرن الثالث عشر، وذلك بسبب تقسيم الإمبراطورية بين أبناء جنكيز خان.

نتيجة لذلك، ساهمت كل أسرة في الفن وساعدته على النمو مما أدى إلى ظهور العصر الذهبي للفن الفارسي وخصوصًا الرسم.

كانت الرسوم التوضيحية (Illustrations) والخط هي التخصصات الرئيسية التي انتشرت على نطاق واسع في زمن الفن الفارسي، بالإضافة إلى اللوحات التي مثلت ثقافة المغول، رغم وجود انتقادات ضد عرض الفرس كأشخاص مغوليين في ذلك الوقت.

التصوير والمنمنمات

حوالي عام 1150، ظهرت العديد من مدارس الفن الديني والتي تخصصت في تصوير المخطوطات من مختلف الأنواع، وكلها موضحة برسومات مصغرة.

تطور هذا الشكل الفني ليصبح تقليدًا فنيًا مهمًا في إيران ليصبح اسمه (فن المنمنمات).

كان الفنان الفارسي بهزاد من أشهر رسامي المنمنمات، والذي أصبح رئيس أكاديمية (هيرات) للرسم والخط في نهاية القرن الخامس عشر. وقد تم تنفيذ لوحاته ذات المناظر الطبيعية بأسلوب واقعي باستخدام لوحة ألوانٍ غاية في الزهو واللمعان.

أصبحت حينها بغداد وهيرات وسمرقند وبخارى وتبريز مراكز الفنون الرئيسية.

تطور فن المنمنمات في بلاد فارس بشكل ملحوظ، وقد ارتبطت إيران بالصين من خلال التبادلات التجارية التي يشار إليها عادة باسم طريق الحرير، والذي كان فعالًا ليس فقط للتوسع في التجارة، ولكن في تبادل الأفكار الفنية أيضًا.

توسعت العلاقة أكثر بين الفنانين الصينيين والفرس بعد غزو المغول للصين وإيران.

أما الفنانين، فقد تعاونوا في تحسين فن المنمنمات وجعلوه فنًا شائعًا لزخرفة الكتب وصنع الصور لشخصيات أسطورية وعائلات ملكية، بالإضافة لمشاهد الصيد والمعارك والاحتفالات.

سمات المنمنمات

في المنمنمات الفارسية التقليدية، لا يتم تطبيق مبادئ المنظور، فالفنان يعتقد أن المنظور هو وهم بصري، ولكي يتمكن من الوصول إلى الوسط الإلهي عليه أن يمتنع عن مراعاة مبادئ المنظور.

ومن الخصائص الأخرى لهذا الفن، أنه يستخدم النقاط لإنشاء ظلال، كما هو الحال في بعض أعمال الانطباعيين، وفي فن البوب.ومع ذلك، لم تجد المنمنمات الفارسية مكانا في الهندسة المعمارية والديكور للمباني الدينية، فكان عالم الهندسة هو المصدر الرئيسي لإلهام الفنانين لتزيين المساجد ومدارس العلم الشرعي والأضرحة.

ومن أهم المميزات لهذا الفن أنه يتمتع بدقة عالية في التفاصيل. فقد كان الفنان الفارسي يتجنب
الفراغ في فنه لنجد أن كل جزء من العمل الفني يحمل تفاصيل مستقلة عن العمل بأكمله.

اقرأ أيضًا عن الفن الإسلامي والبيزنطي

المصادر:

mi.sanu
Visual arts
Theartist

الفن القديم والفن الآسيوي الفن الصيني والفن الياباني

أنجبت القارة الآسيوية الضخمة أنواعًا عديدة من الفنون التي تسبق أي شيء ينظر إليه في الغرب لكن يعتبر أهمها الفن الصيني والفن الياباني.

كان للفن الصيني تأثيرًا كبيرًا على الفنون والحرف اليدوية الأخرى في دول شرق آسيا كالهند واليابان، وعلى الرغم
أن الأخيرة حققت شهرة عالمية في مجالات متنوعة كالخزف وطي الورق (الأوريغامي) والتصوير بالحبر
ونحت الخشب.

وقد تطور الفن الهندي -والذي تميز بطول العمر الاستثنائي- بشكل أكثر استقلالية عن الفن الصيني على الرغم من تأثره بشدة بالنحت اليوناني والفن الإسلامي الفارسي.

الفن الصيني

انتجت الصين فنًا متنوعًا على مدار آلاف السنين، وعلى الرغم من التطور المستمر للتقنيات والتغيرات الكثيرة
للخامات والأذواق بالإضافة لتأثير الأفكار الجانبية الفردية، يوجد بعض الصفات الكامنة في الفن الصيني والتي تجعل معرفته وتمييزه ممكنًا بشكل واضح، بغض الظر عن مكان وزمان إنتاجه.

وتشمل تلك الصفات الأساسية حب الطبيعة، والإيمان بالقدرة الأخلاقية والتربوية للفن، بالإضافة للإعجاب بالبساطة وتقدير كل ما تنجزه الفرشاة.

وقد لوحظ الولاء للعناصر والتصاميم المستخدمة بشكل كبير، كأوراق اللوتس والتنانين.

أثر الفن الصيني تأثيراً هائلاً على جيرانه في شرق آسيا، ولا يزال التقدير العالمي لإنجازاته، لكن الفرق المهم بين الصين والعديد من الثقافات القديمة الأخرى هو أن نسبة كبيرة من الفنانين الصينيين لم يكونوا محترفين، بل كانوا هواة.

طلاب الفيلسوف (كونفوشيوس) بمعرفتهم لمبادئه الرصينة مَن نشروا الشعر كرجال أدب، وكان الفن بالنسبة للصينيين عمومًا وسيلة لالتقاط وعرض النهج الفلسفي في الحياة، لذا غالباً ما كان الفن الذي أنتجوه ضئيلًا أو متقشفًا فنيًا قليلًا للعين الفنية الغربية.

كان الفن طوال تاريخ الصين يُقصد به التعبير عن الشخصية الجيدة للفنان وليس مجرد عرض لمهاراته الفنية العملية.

كانت الفنون الحقيقية الصينية هي الخط والرسم، وقد تمت طباعة النصوص لتوجيه الناس حول تاريخ الفن الصيني مع معلومات مفيدة لمزايا الفنانين السابقين، فأصبح شكل الفن موحدًا بطريقةٍ ما باتفاقياتٍ يجب الالتزام بها، وذلك حين نسخوا فنون القدماء للتعلم منها.

واحدة من أشهر النصائح حول الفن الأكثر شهرة وطويلة الأمد، هي القائمة المكونة من ست نقاط للناقد والمؤرخ في القرن السادس الميلادي (شي هي).

عند النظر في مزايا اللوحة ، يجب على المشاهد تقييم ما يلي (والنقطة الأولى هي الأكثر أهمية):

1. صدى الروح وانعكاسها، أي وجود الحيوية في اللوحة.
2. حركة العظام (الجسد)، أي طريقة استخدام الفرشاة.
3. الاتصال بين الفنان والعنصر، وهو إتقان الأشياء لتأخذ شكلها.
4. جدارة طريقة الكتابة، والتي تتعلق بوضع طبقات الألوان.
5. التقسيم والتخطيط ، أي أهمية الترتيب.
6. وراثة طباع الفن القديم، وذلك بنسخ النماذج الفنية القديمة.

وقد كانت هذه القواعد صارمة نسبيًا لإنشاء الفن وتقديره؛ للاعتقاد بأنه يجب أن يفيد المشاهد بطريقة أو بأخرى.

لكن هذا لا يعني أنه لم يكن هناك من تجاهل الاتفاقيات وخلق أعماله بطريقته الفريدة، كحال أي فن في العالم. فقد سُجلت حالات لفنانين رسموا على أنغام الموسيقى ولم يرمقوا حتى إلى اللوحة بنظرةٍ أثناء الرسم، ولشخص آخر لم يرسم إلا وهو في حالة سكر، وذلك باستخدام قبعته قبعته بدلاً من الفرشاة!

هناك أيضًا من استخدم أصابع يده وقدمه للرسم، حتى أن واحدًا قام برش حبر على الحرير على أرضية الاستوديو، وقام بجر مساعدٍ له فوقها!

التصوير الصيني

رسم الصينيون بمواد مختلفة العديد من الأشكال، وقد رسموا على الجدران والتوابيت والصناديق، وقاموا بتزيين لفائف الحرير المحمولة في اليد أو المعلقة على الجدران، بالإضافة لأغلفة الكتب، لكن كان على كل فنان أن يصنع أحباره الخاصة بشق الأنفس لعدم وجود إنتاجٍ تجاريٍ لها.

أما الموضوعات الأكثر شيوعًا للوحة الصينية هي الصور الشخصية (البورتريه) والمناظر الطبيعية. وقد تمتعت لوحات الوجوه بضبطٍ وإتقانٍ شديدين؛ لأن الشخص المرسوم عادةً ما كان عالمًا أو راهبًا أو مسؤولًا في المحكمة.

مما دعاهم لتصوير تلك الشخصيات الأخلاقية باحترام، لتخرج لنا النتيجة بتلميحات واضحة للعاطفة، أو معبرة بشدة عن السمات الشخصية بمهارة.

خُصص فرع كامل لرسم الشخصيات التاريخية في بعض المشاهد التعليمية من حياتهم، وذلك لإظهار السلوكيات الأخلاقية بشكلٍ واضحٍ في اللوحة.

بطبيعة الحال، كانت هناك لوحات أكثر واقعية يمكن رؤيتها في اللوحات الجدارية للمقابر، بالإضافة للوحات للحياة الأسرية الصينية والتي وضعت عادةً في حدائق البيوت.

أما المناظر الطبيعية، فقد كانت موجودة طوال فترة وجود الفنانين لكنها قد انطلقت عندما اهتم الفنانون أكثر بمكانة الإنسانية في الطبيعة.

عادةً ما قصد بلوحات المناظر الطبيعية التقاط موسم معين من السنة، ولا ينبغي أن تفاجئ عند رؤية هيمنة المياه والجبال على تلك اللوحات؛ فجملة “منظر طبيعي”  باللغة الصينية تترجم حرفيًا إلى “الجبال والمياه”.

وفقًا للإيمان بأهمية التفكير والتأمل في الطبيعة الهادئة، فنادرًا ما وجد أي شيء يزعج هدوء لوحات المناظر الطبيعية، كالعمال مثلًا والزراعيين.

كانت اللوحات التفصيلية لحيوان أو زهرة أو طائر مشهورة بشكل خاص، وأصبحت بعض الحيوانات رمزية لبعض الأفكار، فقد أشير إلى الزواج السعيد بزوج من بط الماندرين، ورسمت الغزلان إشارة للمال، حين دلت الأسماك على الخصوبة والوفرة.

نفس الشيء للنباتات، فالخيزران ينمو بشكل مستقيم وصحيح؛ كما ينبغي أن يكون عليه الباحث الجيد، ويمثل الصنوبر والسرو القدرة على التحمل، أما الخوخ فيعبر عن طول الدوام.

النحت الصيني

أما بالنسبة للنحت، فقد اتخذ معاييرًا أخرى لا تقل جمالًا عن سابقتها، لكن للأسف لم تنج أعمال كثيرة مه، لكن لا يزال من الممكن رؤية بعض الأمثلة الضخمة مثل تلك المقطوعة من الوجه الصخري في كهوف Longmen، ومعبد Fengxian بالقرب من لويانغ.

يوجد مثال آخر من أشهر ما أنجب النحت الصيني وبمقياس الحجم الطبيعي للإنسان، هو “جيش التيرا- كوتا”، وهو عبارة عن أكثر من 7000 محارب و 600 خيل، بالإضافة للعديد من العربات؛ وذلك لحراسة مقبرة الإمبراطور (تشين).

وما يميز تلك القطع الفنية هو المجهود الجبار المبذول لجعل كل شخصية فريدة على حدى، على الرغم من أنها مصنوعة جميعها من أجزاء مجمعة محدودة من الجسم والمصنوعة من قوالب، لكن تم إعطاء وهم أن الجيش لشخصيات حقيقية مكون بأفرادٍ مختلفين، بتعديلات ماهرة وبسيطة لكلٍ من الوجه والشعر.

الفن الياباني

جاء محو الأمية إلى اليابان عبر الصين، وتم اعتماد نظام الكتابة الصيني على الرغم من أنه تم تطوير أبجدية صوتية، وكما هو الحال في الصين، كانت النتيجة أن الرمزية المرتبطة بالنباتات والحيوانات وغيرها من الأشياء أثرت بشدة على محتوى ومعنى الفن الياباني والتصميم.

بعد القرن الرابع عشر، تطورت اللوحة اليابانية بطرق مختلفة، وأصبحت تلك الاختلافات واضحة حين عزلت اليابان نفسها عن العالم الخارجي (خلال القرنين 17 و 19).

تميل اللوحة اليابانية إلى أن تكون كلا الشيئين: أكثر تجريدية وأكثر طبيعية وواقعية من نظيرتها الصينية، ويميل النمط الياباني عمومًا إلى التقليل من الأساسيات بمحاولة لالتقاط الشكل والخصائص الأساسية لموضوع معين.

كما طور أسلوب الرسم المسمى “Ukiyo-e” والذي أصبح معروفًا للغربيين بشكل رئيسي من خلال المطبوعات المحفورة على الخشب في القرن التاسع عشر، طرقًا مميزة ومثيرة لاستخدام الخط واللون في المناظر الطبيعية والبورتريه وغيرها من الموضوعات.

تطور فن المناظر الطبيعية إلى مستوى عالٍ، حيث خلقت الترتيبات المصممة بعناية وَهم تم فيه التقاط جوهر الطبيعة. وقد تم عزل الزهور الفردية أو الأشجار وغيرها من النباتات والحيوانات وحتى الحشرات، بالطريقة نفسها؛ في سياق الرمزية المرتبطة بكل لوحة.

النحت الياباني

تعتبر اليابان خزانة لبعض أعظم المنحوتات في العالم، وكلها دينية تقريبًا، وتعتمد بشدة في البداية على نماذج من الفن الصيني.

ينقسم التاريخ الياباني قبل أن تأتي البوذية إلى ثلاثة عهود رئيسية، وبدأت من هذه الفترات في الغالب النحت الخزفي الصغير.

التصوير بالحبر – Zen-Ink Painting

اشتهر اليابانيون بطريقة التصوير والتلوين بالحبر الأسود، والتي تسمى Zen-Ink Painting. واعتمدت الطبقة المحاربة على ذلك النوع من الفن.

فقد تأسست أخلاقيات الساموراي (المحاربين) وبراعتهم على مبادئه، فكان يجب أن تكون ضربات الساموراي عفوية وفورية، دون أي تفكير يتداخل بين الهدف والفعل، وكان ذلك مضمون تلك التقنية الفنية.

وبحلول القرن الرابع عشر، سيطرت تلك التقنية على الفنون
في اليابان حيث هيمنت على الفن الآسيوي كله. وقد استخدم الحبر الصيني الأسود الخالص كالوسيط الرئيسي، وقد تم رسم المواضيع أيضًا من المرجع الصيني، كالمناظر الطبيعية
وفصول السنة والبورتريهات.

كانت تلك التقنية مرهفة الحس للغاية، وذلك أثناء إنشاءها ومشاهدتها، وهي تتطلب الكثير من الجمال والرؤية مباشرة، باعتبارها انعكاس عفوي حساس للطبيعة على الورق، وقد تم تحقيق ذلك من خلال تقنيات التأمل العديدة.

تميز فن الحبر الياباني بالاستخدام المتكرر للمواضيع الشائعة كالدينية، لكن من المهم أن نلاحظ هنا أنه على الرغم من أن اللوحات لشخصيات دينية، فإنها عادة ما تجعل الموضوع
إنسانيًا تمامًا وخاليًا من العديد من زخارف الدين.

لعل أكثرالموضوعات شهرة بتلك التقنية هي المناظر الطبيعية، لكن يكمن التميز هنا بأن الموقف الآسيوي عمومًا تجاه قوة الطبيعة قام بتشريب تلك اللوحات بروحانية معينة، غير شائعة في المناظر الطبيعية الغربية.

في كثير من الأحيان تم تصوير شخصيات أخرى من الطبيعة كالطيور والخيزران والأشجار، بنفس الجودة الروحية.

ما ذكرناه آنفاً هو ما ميّز الفن الصيني والياباني بحق.

اقرأ أيضًا عن الفن الفرعوني

المصادر:

Visual Arts cork
Ancient
Char.txa.cornell
Academic

سلسلة الفن القديم والفن الروماني

أصل الفن الروماني

كان الفن الروماني القديم واسعًا ومنتشرًا للغاية، فقد امتد إلى ما يقرب من 1000 عام بين ثلاث قارات، أوروبا وإفريقيا وآسيا. ويعود تاريخ الفن الروماني إلى عام 509 ق.م مع تأسيس الجمهورية الرومانية، واستمر حتى عام 330 م.

بدأ الفن الروماني بصب الكثير من الثقافات في مدينة روما باعتبارها بوتقة انصهار حضارية، ولم يكن لدى الرومان أي قلق بشأن التأثيرات الفنية الأخرى من ثقافات البحر المتوسط التي أحاطت بها وسبقتها.

من الشائع أن نرى التأثيرات اليونانية والمصرية والإتروسكانية -حضارة قديمة عاشت في إيطاليا- على جميع أشكال الفن الروماني.

عندما أدرك النقاد أن عدد كبير من أفضل القطع الرومانية كانت في الواقع نسخًا، أو على الأقل مستوحاة من الأصول القديمة التي فُقدت، بدأ تقدير الفن الروماني  -بعدما ازدهر جنبًا إلى جنب بجانب فنون العصور الوسطى وعصر النهضة– بالنزول.

على الرغم من أن روما ظلت لفترة طويلة مركزًا للفن الروماني، ظهرت حينها مراكز عديدة لإنتاج الفنون متبعة اتجاهات وأذواق خاصة بها، لا سيما في الإسكندرية وأنطاكية وأثينا.

نتيجة لذلك، جادل بعض النقاد في أمر عدم وجود شيء اسمه (الفن الروماني).

تطور الفن الروماني

من الجدير بالذكر أن القطع الفنية المنتمية للمدن التي غزاها الرومان سُلبت وتمت إعادة عرضها على الجمهور.

تم إنشاء المدارس الفنية في جميع أنحاء الإمبراطورية تحت تدريس الفنانين الأجانب، بالإضافة لنشر ورش العمل في كل مكان، وقد أصبح الفن متعلقًا بشكلٍ شخصي بالأفراد والأفكار، وذلك للزيادة الكبيرة لرعاة الفنون من الجهات الخاصة، بدلاً من رعاية الدولة.

يظهر ذلك جليًا في الأشكال النابضة بالحياة للأفراد في اللوحات والمنحوتات. وعلى غير عادة الحضارات السابقة، أصبح الفن متاحًا لجميع طبقات المجتمع وليس للأثرياء فقط.

العلاقة بين الفن الروماني واليوناني (الإغريقي)

كثيرًا ما اختلط علينا الأمر بين الفنين اليوناني والروماني؛ وذلك لأن الفن اليوناني أثّر تأثيرًا قويًا على الممارسات الفنية الرومانية، وعلى الرغم من غزو روما لليونان، فقد أخذت روما الكثير من التراث الثقافي والفني منها، معتمدةً عليها في إنتاج أكثر أعمالها شهرة.

كُلِّف العديد من الرومان بإصدار نسخ من الأعمال اليونانية الشهيرة تعود لعدة قرون سابقة؛ مما نراه الآن في إصداراتٍ رخاميةٍ رومانية، من تلك الأصول البرونزية اليونانية المفقودة، مثل تمثال “Doryphoros” للفنان (Polykleitos).

ولم يؤمن الرومان -كما نفعل اليوم- أن نسخة العمل الفني تقل قيمة من العملي الأصلي، لكن رغم ذلك صُنعت النسخ في أغلب الأحيان بتغييرات بسيطة عليها، ولم تكن نسخًا مباشرة.

وقد تم إجراء تلك التغييرات على سبيل الدعابة، وذلك بتحويل العنصر الجاد و”البائس” في الفن اليوناني رأسًا على عقب.

لذا فالفنان الروماني لم يكن مجرد ناسخ، بل تكيف بطريقة واعية ورائعة مع الثقافات الأخرى، فتلك القدرة الإبداعية على التحويل وجمع العناصر وإضافة لمساتٍ من الفكاهة، هي ما جعلت الفن الروماني “رومانيًا”.

سمات الفن الروماني

أعتنق فنانو العصر الروماني الفن الكلاسيكي بشكلٍ مذهل، والذي أخذوه عن الفن اليوناني بفترتيه: الكلاسيكي والهيلينستي.

وتشمل تلك العناصر الكلاسيكية عدة خصائصٍ، منها:

• الخطوط الناعمة والأقمشة الأنيقة
• الأجسام العارية المثالية
• الأشكال الطبيعية بشكلٍ مبهر، والنسب المتوازنة

والتي أتقنها الإغريق على مدار قرونٍ من الممارسات الشاقة.

وقد ولع معظم أباطرة الرومان بالفن الكلاسيكي، فقد تم صنع تمثال “Augustus of Primaporta” في نهاية حياة الإمبراطور “Augustus“، ورغم ذلك جسّده التمثال في فترة الشباب وأظهره بوسامة مثالية وجسم رياضيّ، وتم استخدام جميع سمات الفن الكلاسيكي عليه.

وكان الإمبراطور “Hadrian” معروفًا باسم ” philhellene”، أي العاشق لكل ما هو يوناني! فقد بدأ في ارتداء “لحية الفيلسوف” اليونانية في ظهوره الرسمي أمام الشعب، والتي لم يكن سمع أحد بها من قبل هذا الوقت، وقام بتزيين قصره بالكثير من اللوحات اليونانية المشهورة.

لكن بعد ذلك، بدأت الإمبراطورية بالابتعاد عن التأثيرات الكلاسيكية السابقة والرجوع لفنون العصور القديمة، والذي نراه واضحًا في منحوتة (Chariot procession of Septimus Severus).

وقد شملت خصائص الفنون القديمة عدة أشياءٍ، أهمها:

• الإظهار بواجهةٍ أمامية
• صلابة الأقمشة والملابس وعدم انسيابها
• الخطوط العميقة المحفورة؛ مما يجعل الشكل يبتعد عن الطبيعة
• ظهور الأشخاص كمجموعات وقلة الفردية

وقد شمل الفن الروماني مجموعة واسعة من الوسائط والخامات، فقد تضمن أعمالًا من التصوير الجداري (الفريسكو) والفسيفساء والرخام، وأنتج الكثير من الأعمال الفضية والبرونزية وغيرها، بالإضافة لاستعماله الأحجارِ الكريمة.

وذلك بالإضافة لاهتمامهم بالفنٍ المصنوعٍ خصيصًا للمنازل، والذي قام ملّاكها بعرض الأعمال الفنية فيها للجمهورِ والزوار، بغرض العرض والتعليم.

أخذت الزخارف اهتمامًا كبيرًا في منازل ذلك العصر، وتم دمج جميع اللوحات الجدارية والفسيفساء والمنحوتات بسلاسة مع العناصر الفاخرة الصغيرة كالتماثيل البرونزية والأوعية الفضية.

أما بالنسبة للمواضيع التي استخدموها، فقد تراوحت بين عدةٍ شائعين:

• تماثيل الأسلاف المهمة والمشهورة
• المشاهد الأسطورية والتاريخية
• الطبيعة الصامتة والمناظر الطبيعية

وقد أدى استخدام تلك الأفكار لخلق فكرة رئيسية عند الجمهور تعبر عن مدى وسع معرفتهم الفكرية، وكأنما نقعوا في الثقافة نقعًا.

النحت الروماني

صنع النحاتون الرومانيون نسخهم الشهيرة من روائع وأعمالٍ لا تقدر بثمن من اليونان القديمة؛ والتي كانت ستخسر تمامًا وجودها في الفن العالمي، وقد خُصصت مدارس لنسخ الأعمال اليونانية الأصلية الشهيرة، في أثينا وروما نفسها.

فضّل الرومان البرونز والرخام على أي شيء آخر على أعمالهم، وقد أنتجوا أيضًا نسخًا مصغرة من النسخ الأصلية اليونانية، والتي جُمعت من قبل عشاق الفن ووضعها في المنازل.

لكن بحلول منتصف القرن الأول الميلادي، بدأ الروم بالابتعاد عن جذورهم اليونانية فسعى الفنانون لالتقاط وإنشاء تأثيرات بصرية للضوء والظل من أجل واقعية أكبر.

نُحتت التماثيل النصفية باهتمامٍ أكبر بالتجاعيد والندوب لتحاكي الحقيقة، بالإضافة لجعلهم التماثيل الكبيرة أكثر ضخامة.

التصوير الجداري الروماني

كانت التصميمات الداخلية للمباني الرومانية بدميع أنواعها مزخرفة بألوان وتصاميم جريئة، والتي تراوحت بين تفاصيلٍ معقدة وواقعية إلى الأشكال الانطباعية. وقد وجدت في المباني العاملة والمناز والمعابد والمقابر، وصولًا للهيئات العسكرية.

فضل رسامو الجدران الرومان ألوان الأرض الطبيعية، مثل الدرجات الداكنة من الألوان من الأحمر والأصفر والبني، وقد استخدمت الأصباغ الزرقاء والسوداء أيضًا في التصاميم البسيطة.

شملت موضوعات التصوير الجداري مشاهد من الأساطير والطبيعة، بالإضافة لاستخدامهم المنظور المعماري لإضفاء خداعٍ بصري، بالإضافة للنباتات والحيوانات.

قام الرومان بتصوير المناظر الطبيعية ومناظر كاملة للمدينة بتقنية البانوراما وبزاوية 360 درجة بشكلٍ مذهل، والتي نقلت المشاهد من حدود غرفته الصغيرة إلى عالمٍ لا حدود له من خيال الرسام.

من الأمثلة البارزة على ذلك، بيت ” Livia” في روما والذي يتضمن بانوراما لحديقة تم صنعها بشكل انطباعي، والذي يدور حول غرفةٍ واحدة بشكل كامل متجاهلًا الزوايا تمامًا.

أغراض الفن الروماني

تم استعمال الفن الروماني لعدة أغراض، منها: العسكري والديني والجنائزي. أما العسكري، فقد قامت الأعمال التذكارية ذات الوظيفة التعليمية والاحتفالية باحتلال مكانة كبيرة في فن ذلك العصر.

عبّرت الأقواس والأعمدة -مثل قوس تيتوس (Arco di Tito) وعمود تراجان (Trajan’s Column)- عن الانتصارات والحروب والحياة العسكرية عن طريق تصوير الأراضي الأجنبية وأعداء الدولة أحيانًا.

ثم تم التعبير عن الفن الديني في العصر الروماني بشدة –كحال كل الفنون القديمة-. فقد صنعت تماثيل غاية في الجمال للعبادة تمثلت في آلهتهم: ك ڤينوس وجوبيتر.

شقت ديانات وآلهة من ثقافات أخرى طريقها للعاصمة الرومانية، كالإلهة المصرية “إيزيس” والإلهة الفارسية “ميثراس” حتى وصول المسيحية في نهاية المطاف.

جلبت كلًا من هذه الديانات مجموعاتها الفريدة من القطع الفنية إلى الثقافة الرومانية؛ لنشر عبادتها وتعليم أتباعهم.

أما بالنسبة للفن الجنائزي، فقد ترك الرومان وراءهم صورًا عرفتهم كأفراد معروفين بعد موتهم، وغالبًا ما أكدت الصور الجنائزية على السمات الفريدة للأشخاص، أو الآلهة المفضلة لديهم.

استخدم الفن الجنائزي الروماني العديد من الخامات وامتد على جميع الفترات، وقد تضمن عدة أشياء، منها:

• التماثيل النصفية
• نقوش على الحائط في المقابر جماعية للطبقة العاملة
• والمقابر المزينة للعائلات العريقة

بالإضافة إلى ذلك، وجدت لوحات لوجوه الفيوم –والتي ذكرناها في مقالنا السابق- مرسومة على المومياوات والتوابيت، ولأن الموت قد مس جميع مستويات المجتمع، رجالًا ونساءً وأباطرة وعمالًا وأحرارًا-، سجل الفن الجنائزي تجارب متنوعة عديدة لمختلف الشعوب التي عاشت في الإمبراطورية الرومانية القديمة.

المصادر:
Ancient History
Khan Academy